音乐声乐论文(优质16篇)

生命中的每一个阶段都需要总结一下，这样才能更好地前进。完美的总结应该包含对自己的评价和对他人的感谢和认可。这里整理了一些成功人士的自我总结经验，希望能帮助大家更好地认识自己并提升个人能力。

音乐声乐论文篇一

音乐艺术作品属于一类有机整体，经过了审美和非审美式的整合处理。特别是在同一作品当中，这类融合更加有倾向性。譬如一些轻音乐或是抒情曲艺术作品，重点凸显审美价值，却对一些非审美价值进行弱化处理。现代音乐艺术展现形式更加注重审美、非审美价值的自然融合，毕竟只有两者高度统一之后，音乐作品才显得更为优美动听且富有内涵。归根结底，就是借助特殊的审美滤镜，来将一些科学知识、道德价值观等非审美价值要素巧妙地穿插进去，使得音乐作品本身的魅力增强、内涵更加丰富。

另外，保持音乐艺术内容和形式的统一关系。完美的音乐艺术作品，其内容和形式往往彼此关联缜密，相互契合[3]。事实上，音乐艺术作品在内容上显得比较独特，主题明确，而为了更加精准、完整地表达这部分音乐内容，就要求适当的音乐形式作为支撑。所以说，许多创作家都习惯了基于内容和形式的依存、制约关系来展开补充式创作，利用音乐形式把控着音乐内容的描述，配合音乐内容锁定音乐形式的筛选方向，不至于在表现过程中出现情感突兀、节奏紊乱等不良现象。

音乐声乐论文篇二

作为世界性语言，音乐无论在演奏乐器或表现形式应用等各方面在不断发展过程中都越来越丰富。以电子音乐为典型代表，其自身的电子音色为电影音乐的制作注入新鲜的活力，使电影声音领域得到进一步发展。但关于应用的规律、优势以及具体用法等在现阶段仍是电影音乐制作中的困惑之处，因此对电影音乐中电子音乐应用的分析具有十分重要的意义。

一、电子音乐与电影音乐的基本概述。

对电子音乐的概念，根据以往学者总结主要将其定义在利用电子手段与相关设备所生成的音乐，该定义一定程度上为欣赏者带来更多的模糊之感，原因在于未将音乐中包含的音色考虑其中。电子音乐的构成主要以电子音色为主，其是影响电子音乐演奏与创作的主要内容，一般音色触发装置多体现在电吉他以及鼓机等方面，但应注意电子音乐效果的决定性因素以音色为主，而非乐器种类。只有保证对电子音乐的概念明确，才可将其在电影中的`体现进行识别。另外，在电影音乐方面，可将其理解为构成电影的主要元素，利用音乐可使电影情节的发展得以推动，如许多经典电影中的音乐被人们听到时便会产生电影画面，以《我心依旧》为典型代表，在电影《泰坦尼克号》中体现的淋漓尽致。电影音乐的类型从自身主体方面主要表现为原创或非原创、电子音乐或交响乐以及古典或现代风格等类型音乐，通常根据具体电影情节进行选择，而从客体方面，若按电影类型主要包括惊悚科幻、武打动作以及爱情伦理等方面的音乐。在电影中的作用主要表现为能够营造一定的艺术效果，强化影片的立体感并暗示影片情节可能发生的变化以及人物心理活动等[1]。

二、电影中电子音乐的具体应用分析。

（一）电子音乐的用法介绍。

关于电子音乐的用法，若单纯依靠乐谱方式很难将其自身的音色、时值以及音高等进行具体描述。对此在实际分析过程中可利用频谱的方式，并配合电影截图的应用。在频谱方面，用于表示振动幅度与频率变化情况的为纵坐标，描述时间则以横坐标为主，其中颜色变化能够描述响度与振动频率，一般响度较高且振动频率较快的情况下颜色会表现极为明亮。应注意关于声音音色的影响因素需引入基音的概念，其指为纵坐标中颜色表现最明显的点。基音在频谱横坐标中出现频率越高证明电影应用电子音乐时涉及极为丰富的声音素材。另外，电影截图的方式与频谱较为相似，其中的横坐标都用于音乐素材持续时间的描述，具体应用主要可从下文中的应用实例分析。

（二）电子音乐在电影音乐中运用的具体实例。

1.电子音乐在《thedaytheearthstoodstill》中的体现。

该影片在配乐方面以“泰勒名”乐器为主，是早期阶段电影制作过程中利用电子乐器的典型电影之一。该影片主要内容为战争冲突为人类带来灾难的背景下，外星人来到地球并利用激光毁坏所有军队武器，肩负起维护和平的重责。其中的电子音乐表现，以人类与外星人见面时利用机枪射击的背景音乐为例，其奏出的音乐效果主要以愤怒以及震惊为主，通过“泰勒名”音色的高低转变为观众带来更多的恐惧感，影片中也有其他许多部分如对外星人与机器人关系通过不同形象电子音乐进行描述。该影片在类型上可理解为惊悚与科幻方面，电子音乐的应用主要将交响乐融于其中，将猜疑、恐惧以及神秘等音乐情绪表达出来，相比单纯利用管弦乐队，电子音乐音色的引入使影片的情绪完美体现，是电子音乐应用的典型代表。

2.《chariotsoffire》中电子音乐的应用。

该影片在题材上主要以励志为主，讲述两名青年通过自身的刻苦训练夺得奥运会冠军的内容。这部影片在音乐成就上也获得一定的殊荣，为奥斯卡音乐奖。影片音乐出现时便以该音乐为主，完全利用电子合成器将电子音乐展现出来，以低音节奏对两名青年的奋斗精神进行反映，并通过旋律的上升表明出现动机。这种利用音乐的鼓励方式相比实际语言表达更能深入人心，即使现阶段人们在听到该类音乐时仍可体会其中的积极向上精神。该影片在结束时又将主题音乐表现出来，将整个训练的过程利用音乐展示回忆，达到一定的首尾呼应效果。也既可看出该阶段电子音乐在应用方面较为成熟，能够利用其将电影精神有效的传达。综合来看，该影片主要以运动与剧情为主，电子音乐的应用更多体现在片头与正片中，主要表达的情绪为紧张、镇定、奋斗以及向上等精神。

（三）电影中电子音乐应用的趋势。

结合前文中电子音乐应用的具体实例，可总结电子音乐的使用既可以单一的配乐形式存在，也可由多种配器方式共同使用或结合传统乐器等方式，可使电影中的人物、情节、情绪等进行表述。在不发展过程中电影中的电子音乐将趋向于数字音乐方向，以现代影片如《英雄》等都体现出电脑音乐的应用。同时在音频技术等方面不断完善的背景下，电子音乐的优势也将为更多人们所掌握，如艺术形式的多样性以及表现力的丰富都将推动其成为电影音乐中的主旋律。

三、结论。

电子音乐的应用是推动电影发展的重要途径。实际应用过程中应正视电子音乐与电影音乐的相关概述，充分发挥电子音乐在不同影片类型、影片中出现的位置设置、具体应用方式以及情绪表达等方面的作用，结合现代计算机技术以及音频技术等使电子音乐向数字音乐方向发展，保证电子音乐既可与其他交响乐等进行融合，或直接作为影片配乐等，这样才可推动电影音乐的进步一发展，为经典电影的打造奠定基础。

音乐声乐论文篇三

1.在声乐基础知识方面。

声乐教师面向小组同学布置相同的练习发声曲，针对不同的学生的演唱提出歌唱技能和音乐感觉上的不同要求。教师要讲解声乐与生理、物理的众多关联，教学生学会运用自己的身体条件来唱歌注意强调正确的发声方法，教师做以示范，在课上,学生们可以通过教师的口传身授，感受了解歌曲的演唱方法和演唱技巧。通过看、听其他同学演唱也能够体会不同的嗓音条件、不同的音域、及歌曲不同声部的特点。演唱不同的歌曲时的歌唱状态和歌唱感觉。选择适合自己声域范围的练声曲。从而提高学生们听辩和分析正、误发声方法的能力。使学生真正的把要我学转变为我要学。

2.歌曲作品方面。

在一个学期内，每名学生除了要完成规定歌曲作品外，还可以选择适合自己嗓音特点的声乐作品，唱于老师和同学们听，在声乐小组课上,学生们可以听到和演唱自己已经熟悉或掌握的歌曲作品。方便于学生们对演唱方法和技巧的巩固，同时可以从演唱风格比较中看到其他学生对相同的歌曲作品的处理与表现。有助于更好地掌握歌曲作品。教师可以组织学生们进行一些声部演唱练习,在练习中培养学生们集体歌唱音准和节奏的的基本能力,同时丰富学生们对歌唱的体验。培养一种合作精神。学生们在声乐小组课上能更多、更广泛的了解声乐作品，掌握更多的演唱方法和技巧，以及如何正确理解和表现这些不同的歌曲作品。

1.启发式教学激发学生的学习兴趣。

强调寓教于乐。声乐小组课既丰富了声乐课堂内容,同时还为声乐教师和学生们提供了一个良好的学习环境。适时更新教师教学手段，有利于教师教学综合能力的提高。声乐小组课可以制作系列微课上传网络，方便学生们时时查找。微课教学内容综合了声乐教学法、作品鉴赏以及歌唱技能等多项知识，教师在备课中，运用现代化多媒体软件设计教学ppt，按演唱方法、演唱技巧演唱作品制作系列课程，教学方式多样新颖，不仅提高教师多媒体课件制作的能力，也可使学生通过微课教学的模式进行角色转变，学生由被动的听课转为主动地讲授，有利于学生在实践中快速提高教育技术能力。

2.声乐小组课可以展开讨论式教学。

由于学前教育专业声乐教学目标要培养所决定,切合学前教育专业教学大纲的目的为贯彻落实党的十七届五中全会、全国教育工作会议精神和《国家中长期教育改革和发展规划纲要（2010—2020年）》，积极发展学前教育，多种途径加强幼儿教师队伍建设。结合十多年的声乐教学经验,认为讨论式教学法在学前教育专业声乐教学任务中有着实际的.需要和要求。而讨论式教学法也能在声乐小组课当中得以有效的实现。在声乐小组课上，声乐教师和每个学生可以随时围绕声乐教学的有关问题进行提问和讨论。在讨论中,学生问老师答疑，当堂课的问题当堂课研究，检验加以解决。而每个参与的同学都会在课堂上思考、组织、构思。教师将自己掌握的有关的理论知识和实际体验同学生们分享交流，学生们积极交流,展开讨论。经常地进行讨论学习,会促使学生们养成一种善听、善解、善思、善问的习惯。有利于表达歌曲、更具有一定的演讲力和感染力。提高具有批判性和创造性的思维能力。而这些却是一名教师成长的关键经历，是教师所应具备的良好素质和能力。声乐小组课运用讨论式教学方法就为学生们提供了这样难得而又可贵的学习方式和学习环境。这一点将对学生们今后的音乐教学起到不可估量的帮助和作用。

三、声乐小组课考察目标要统一。

声乐小组课的教学目的是解决学生在声乐学习中的共性问题，根据实际情况适当展开教学。学前教育的声乐课是以班型划分的小组，10——20人一组，制定统一的教学进度计划，定期进行教学检查。

1.教师对学生作业的评分注重平时考核，声乐小组课的作业。

检查可以是多方面的形式，学生定期观摩、比赛、个人独唱会、小合唱表演等多种形式进行，这就加强了课堂艺术实践气氛，增加了学生艺术实践的机会，锻炼了学生的实际演唱能力。这给学生的声乐学习注入活力与动力，增强了竞争意识，对提高学生的积极性和学习效果起到了良好的作用。

2.每学期期末考试10人一组进行当场赋分，现场点评。

再选出优秀学生进行观摩及汇报表演。这种考试方法能够增加学生演唱的经验，增强演唱的水平。

四、结语。

学前教育是全民低龄基础教育，如何培养优秀的学前教育老师、专家，是我们学前教育专业教师应尽的和义不容辞的责任。声乐小组课的开设集中了教育资源，统一了教学目标。拓宽了学生的学习视野和空间。声乐教师要适时革新教学方法，增加教学手段，提高教学质量。多深入用人单位以及学前教育机构了解现实所需的人才类型，以声乐学科结合其它相关学科，共同探讨培养适用人才的需要，从社会需要出发，真正为学生着想，培养全能型幼教老师。

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音乐声乐论文篇四

摘要：秦腔是我国西北地区古老的传统地方戏曲艺术。在经历了千余年发展变革后，秦腔艺术已形成了独立完整及稳定严格的表演程式及音乐表现体系。单就秦腔音乐而言：它已成为西北地区家喻户晓，妇孺皆知的地方戏曲音乐形式。秦腔音乐风格豪放，韵味独特，地方特点及地域色彩极其浓郁。

电声乐器一般由电子键盘乐、电子合成器、电吉它、电贝司及爵士鼓、电子鼓组成，有的乐队还辅以小号、萨克斯管及小提琴、手风琴等作为色彩乐器。电声乐器最大地优势特点在于它使用乐器件数少、音响力量强大。由于直接使用电子音响装置还原发声，电声乐器很容易产生较强地音响，这是任何靠自然力演奏的乐器所不能比及的。此外，电声乐器中的电子琴及合成器具备模拟多种乐器复合音色及合成许多非乐音声响的特种功能。

1全面了解电声乐器功能特性、围绕秦腔音乐主旋律基调合理使用。

电声乐器除去用电子方式发声的特征外，主要乐器都具有与相同类非电声乐器的一般技术共性。如在演奏法上电子键盘乐类同钢琴，电吉它类同古典吉它，电贝司类同低音提琴，电子鼓类同爵士鼓。它们各自都具备独奏、合奏及演奏和声的功能，且音色独特、风格别样，并能适应各种情绪基调的乐曲表现之需。秦腔音乐体系在长期的发展沿革中逐步形成了自己独特、严密地板腔体系及唱腔音乐特点，当代秦腔音乐创作者在此基础上努力拓展音乐的表现力度、并在一些作品中根据原有传统音乐的主基调，创作出了一些新的旋律模式及曲目形式。由于秦腔音乐的传统风格及特点所决定，秦腔乐队中板胡、二胡等民族乐器及打击乐的主奏地位作用已被牢牢确立，并成为秦腔音乐具体表现中的主脊梁及其物质精髓。在这种特定条件下，电声乐器的运用首先不能以声压人、喧宾夺主，应该巧妙地衬托主奏乐器演奏，并弥补主奏乐器在音域及宽厚度上存在的不足、突出主奏乐器的特色作用。传统秦腔音乐有着极强的自身特点，但与现代流行乐、摇滚乐相差甚远。因此，在电声乐器的具体运用中一定要围绕秦腔音乐的特征及主旋律基调合理使用，并发挥电声乐器在和声、复合音色及节奏力度上的功能优势、增强整个乐队的层次感和立体感。电声乐器除去共同的优势优点外，在与传统民乐相互混用中容易表现出其音色特殊、“电子味”过浓过重、有些模拟功能模仿民乐音色不真不纯、固定节奏模式与秦腔板式难以自然兼容等客观不足的现象。因此，电声乐器在秦腔音乐中的运用必须牢牢把握秦腔音乐的特点科学、合理地使用，并做到有效补充、扬长避短。绝不能因为一味地图造声势之快而大用特用、更不能因为生拉硬拽式地掺杂使用而造成秦腔音乐主体“伤筋动骨”与“不伦不类”。

2选用合适的和声织体、发挥功能和声的巨大优势，增强秦腔音乐的整体表现功能力量。

秦腔音乐在调式体系上与西北民歌大致相同。它的大部分乐曲及唱腔以“5”调式为多、其次是“2”调式及“6”调式等。然而，在运用和声方式上秦腔音乐一直令许多研究、创作人员颇感费力、尤其是令一些长期从事交响乐及现代音乐、而不多接触、了解秦腔音乐的创作者感到头疼费神。究其根本原因，我认为主要是因为秦腔音乐中频繁使用游移半音“7”和“4”以及一些旋律行进多使用弦乐器压揉音造成音准不好固定的缘故。在旋律和声的具体运用中，秦腔音乐不易整齐规则地套用一些音位的原位及三次以内的转位和弦，这就给一些乐曲及乐队在和声织体的应用上造成难度，属七以上的和声就更难运用了。近年来，电声乐器在和声运用方式上大胆突破原、转位模式，探索总结出了一整套功能和声体系及运用模式，取得了较好地效果，并形成了一定的运用规律、简化了乐谱的标写方式。现在一些歌曲乐谱上一般都标写了许多简单明了的功能和声字母符号，如“c”、“cm”、“a”、“am7。”等等。演奏者只要按照谱面标写要求视奏正确，就能完成基本和声伴奏。这给演奏电子琴、电吉它、电贝司的演奏员们带来了极大地方便、提高了工作效率，也规范、简化了现代和声谱的写作体例、改变了过去和声谱写一大堆纵向阿拉伯数字、占用许多谱面空间的状况。电声乐器在秦腔音乐中的具体运用，同样会遇到如何发挥和声功能优势的问题。使用得当，优势得以发挥、乐队效果大为改观;使用不当，优势变成劣势、乐队效果刺耳难听。因此，恰当地选用和声织体、合理地发挥电声乐器功能和声的表现优势，并以此增强整个乐队演奏效果的层次感、律动流畅度及立体感成为电声乐器在秦腔音乐运用中的重要问题。我在经过探索与实践后认为：一是要准确灵活，忌生硬使用;二是要有的放矢，忌过多过繁;三是要充实饱满，忌空泛虚构、遮盖主旋律。一般在“5”与“2”调式为主的“尖板”前奏中，应以主音功能和声依旋律行进延续、增强音乐的庄重与宽广度;而在唱腔行进中，应加强和声混音力度增强律动感。在一些旦角抒情唱段中，电子琴、电吉它应以符合调式的分解和弦与电贝司基础根音辅佐主奏乐器及演员的唱腔旋律平稳行进、增强旋律的流畅性与律动感;在以“2”调式为主的“滚白”唱段前奏中，电声乐器应共同以“柱型”和声随节奏强拍以特强力度放出;而在演员轻声演唱时，电声乐器应嘎然收住、由板胡随腔伴唱，由此加强前奏的激情力度、表现出前奏与唱腔在情感上的强烈反差、弥补主奏乐器力度上的不足。在一些丑角演员唱段中，以“6”调式居多、且风格轻快、旋律音程跨度大。伴奏中应发挥电子琴、电吉它易于演奏分解和弦节奏音型的优势加以铺垫，使全曲明快简洁、轻松活泼。在秦腔音乐中，个别新编间奏乐曲使用爵士鼓后可产生独特的艺术效果。但是，一般唱腔音乐由于受秦腔打击乐程式的严格限制，很少能使用爵士鼓。若使用不当，相反会产生破坏性的效果。总之，选择何种和声模式加强功能和声作用及织体动力、选择什么样的分解和弦及节奏音型、以哪一种电声乐器去完成独奏或伴奏等，完全取决于创作者与演奏者依据具体作品去完成具体的创作与演奏加工，但必须要作到恰当的运用与谐和完美地再现。

综上所述，为我在几年的实践当中对电声乐器在秦腔音乐中如何合理运用方面提出的一些浅论。由于电声乐器进入秦腔艺术领域的时间较短，还有许多专业技术上的问题和矛盾有待于我们克服解决。此外，电声乐器存在着离不开电、离不开还声音箱、使用起来比较麻烦及建设投资过大等自然缺点。因此，它最终能否在传统戏曲音乐中得以生存并得到发展，还是一个需要人们、特别是戏曲音乐界的同仁们深入研究探索、并加强实践检验的问题。我个人认为：这是一种有益的积极探索与尝试，电声乐器的加入毕竟使传统戏曲的古韵古调产生出了清新的气息和趣味，传统的戏曲音乐终将要发展、要创新，而新的表现手段及方式终将要进入、并占领传统艺术的广阔天地。

音乐声乐论文篇五

：随着社会的不断发展，人们对于音乐一类的艺术要求也越来越高。正是随着要求的攀升，我国音乐在发展中不仅需要在音乐演唱、乐器等方面得到提升，在音乐表演艺术上的要求也越来越细致。在音乐表演艺术的发展中，现代音乐美学对音乐表演艺术起着很重要的作用。本文在现代音乐美学对音乐表演艺术的启示方面做出简易的分析，期待可以更好的推动音乐在我国的发展。

社会在新时代的背景下快速的发展，音乐领域在我国的发展速度也是日新月异。音乐表演艺术作为音乐艺术的核心也越来越被重视。音乐艺术中的音乐美学也是音乐教学中的重要内容之一，对音乐的发展趋势和成果也是不可缺少的一门学科。音乐表演艺术在音乐美学中占比也很重，它们是相辅相成地存在的内容。音乐表演艺术的发展离不开音乐美学的帮助和奠基，现代音乐美学也需要音乐表演艺术作为内研究的对象。在音乐表演艺术的发展中，现代音乐美学给予了很多灵感与帮助。

音乐美学是音乐本质和音乐规律的基础理论科学，其中内容涵盖广泛，它与音乐史、音乐技巧理论、音乐作品评论分析、社会心理学、哲学都有着重要的联系。现代音乐美学是音乐美学的重要组成部分，现代音乐美学被定义于二十世纪末二十一世纪初左右[1]。现代音乐美学同音乐美学一样包含了社会学、哲学、音乐技巧理论等内容，是一门综合性较强的学科。现代音乐美学是按照现代社会丰富的物质和丰富的精神为基础，对人们心中产生的情绪、情感进行细腻的分析，通过音乐的形式表达出来，这样可以有效的表达人们心中的情感和对社会的审美态度等。随着社会对音乐的重视，现代音乐美学中的音乐理论技巧、音乐表现形式以及对音乐表演作品的分析等内容，对音乐表演艺术产生了越来越重要的影响和帮助。

现代音乐美学涉及内容广泛，包含哲学、审美、社会心理学、音乐表演艺术等内容。音乐表演艺术可以说是现代音乐美学的主要内容之一，音乐表演艺术是现代音乐美学的表现之一，也是对现代音乐美学的实践。音乐表演艺术是对音乐进行创作和表演，以满足人们的精神需求，音乐表演的美感需要和生活、社会的审美一致才能称之为音乐表演艺术[2]。音乐表演是极富艺术性和实践性的，是音乐表演者和音乐欣赏者的重要沟通桥梁。一部富有和音乐欣赏者大致相同的审美态度的作品才能让欣赏者感受到音乐表演的美感。因此一部优秀的音乐表演作品可以展现音乐美学的价值和内涵，通过演奏者的表演可以传递音乐的魅力，使欣赏者加深对音乐作品的理解，音乐表演艺术是深刻体现美学的重要内容，同时也是现代音乐美学的延伸[3]。音乐表演者想要成为一个优秀的表演者需要付出很多努力，因为音乐表演艺术需要的知识和内容很多，表演者需要根据自身的条件提升自己对音乐的审美能力和心理表达能力，表演者在提升自己的音乐审美和心理表达能力也需要现代音乐审美的帮助。

社会的飞速发展，人们不仅仅对于物质生活的要求更高，对于精神的需求要求也越来越高。音乐表演艺术作为人们精神需求的主要方式之一，现代音乐美学对音乐表演艺术有着十分重要的作用，通过对现代音乐美学的研究可以深度提升音乐表演艺术的价值和音乐表演的技术。

在现如今的音乐美学发展中可以看出，现代音乐美学是音乐美学的重要部分。早在二十世纪九十年代，音乐家罗曼就曾发表过关于现象学、美学的相关论文，此论文的发展也为日后对其的研究有了更加详细的理论基础。在罗曼的这篇文章中提出了哲学和人们意志的影响，在后来对于音乐美学现象的研究中，是从人们主观意识进行研究的[4]。艺术是人们精神文明的表现，音乐表演是艺术的重要组成部分，音乐表演中需要创作，这种创作形式也是满足人们需要的艺术形式之一。在每个时代，艺术对于音乐的审美态度都不相同，在现代的社会中进行音乐表演作品创作是需要深刻的了解现代社会对音乐的审美态度，而现代音乐美学中有关于社会学、哲学、现代音乐作品的分析和评论、音乐表演技巧等内容，这些内容可以提升创作者对社会审美的理解和音乐表演技巧，因此现代音乐美学可以帮助音乐表演作品创作者提供音乐理论帮助的。

（二）有效的提高音乐表演者的审美水平。

音乐艺术中包含的知识种类复杂多样，对于音乐表演者而言，是有一定的知识水平和社会认知要求的。一个音乐表演者在进入音乐艺术生涯后，需要不断的提高自己的审美认知水平，才能与时俱进跟的上时代对于审美的要求与变化，才有可能成为一个优秀的音乐表演者[5]。音乐表演是现代音乐美学的一部分，因此一个音乐表演者想要成为一个优秀的表演者，就必须经得起音乐美学知识和音乐技巧的多方面考验，在这个考验的过程中，表演者的审美认知水平是表演者需要具备的最基本的条件。除了学习音乐表演时需要经得住现代音乐美学中的知识考验，一个音乐表演者从台下走到台上，音乐美学的指导和帮助是必不可缺的。随着时代的推进，新的音乐作品不断的涌现，音乐表演者也要不断的学习和对自身审美水平的进行反思，来提高自己的表演水平的。现代音乐美学就可以帮助音乐表演者反思自己，从而提高表演水平成为一个优秀的表演者。

（三）现代音乐审美可以帮助表演者充分的认识音乐作品的创作背景和意义。

音乐表演者想要表演好一部作品，不是仅仅需要表演者高超的技术，还需要了解作品创作的背景和原因。表演者对作品背景和意义的了解可以帮助表演者更加了解作品的内涵，才能体会作者在创作时的心情，在表演时才可以将自己的感情带入到作品中，使表演有了灵魂。现代音乐美学中有大量对于音乐表演作品的研究和分析，还有对音乐表演作品分析的方法。现代音乐美学中有关对音乐作品进行美学理论上的分析和划分，例如：作者在创作音乐作品是想要发生某种意向、作者在创作时的思路等[6]。创作者在创作出一部音乐作品时，作品就有了特定的气氛、特质，作品中的这些东西不会因为时间的变化和表演者的变化而变化。例如表演者在表演欧洲中世纪的作品时，就需要展现出特有的历史背景和历史背景下的情绪。因此表演者在表演之前必须对作品有所了解，才能准确的把控感情的收放和对作品特质的表现，现代音乐美学可以有效的帮助音乐表演者对音乐作品的背景和意义的分析与把控[7]。

（四）注重现代音乐的时代变化。

表演者在进行音乐表演的过程中，表演者需要充分的融入现代社会的元素，不能拘泥于传统音乐表演的模式中。在表演过程中，不仅仅要了解作品、体现作品的特定历史背景，也要对作品做出创新，反映出新时代的风貌，加上自己对于作品的理解，展现自己的独特风格。从现代音乐美学的角度来说，音乐作品具有作曲者的思想特征，而表演者对于一部作品现代化的表达，不仅仅是对于音乐表达，也是为一部作品赋予新的生命与动力[8]。因此，现代音乐美学对于音乐作品水平的提高有着很重要的推动作用，但是在这个过程中需要正确的看待音乐表演艺术的地位，明白音乐表演为当代观众呈现了什么；在音乐表演时不能生搬硬套，寻找音乐作品中的生命力，使得音乐作品具有现代化的味道。

（五）融入表演者的真实情感。

音乐美学现代的研究就是怎样将感情融入到音乐表演过程中，其实在音乐发展的历程中来看，流传下来的优秀音乐表演作品都有着作者的真实深刻的情感表达。而表演者在表演作品时需要建立在历史文化背景中，了解并诠释作品中表达的情感。只有表演者将自己对作品的思考、思想情感和历史背景还有现代社会背景相结合，才能真正的诠释作品的情感和时代意义，并具有当代的味道。对于现代美学的深度了解，表演者才能更轻松的将自己的情感思考和时代背景相结合，赋予作品新的灵魂[9]。

音乐表演的发展离不开对音乐作品的创新和创作。在音乐美学中的现象学中指出美学具有很强的意向性，这也就是说艺术具有很强的意向性。音乐创造者和音乐表演者不仅仅需要有扎实的音乐知识水平和历史知识，还需要具备强有力的创造力和想象力，这样才可以对作品进行二次创作或是全新创作[10]。音乐作品中蕴含了作品本身的意义和表演者的思想情绪，同时也具有音乐作品欣赏者对音乐作品的理解。表演者对于现代音乐美学的了解和学习，可以帮助表演者在表演时进行二次创作，使观众耳目一新；欣赏着对于音乐美学的了解可以使自己更了解音乐作品的意义和内涵。现代音乐美学的发展是音乐表演艺术发展的基础，也是动力，它可以推动音乐表演艺术的创作和对新时代的理解[11]。

自新中国成立以来，我国各个行业都在飞速发展。艺术也同我国各行业一样发展速度迅猛，我国音乐领域在快速发展中取得了的重大的成就。艺术发展的同时，音乐表演艺术也越来越被人们重视和接受，音乐表演艺术的发展离不开现代音乐美学，在音乐艺术的不断探索中，音乐表演艺术与现代音乐美学的联系也越来越紧密。音乐美学的发展促进了音乐表演艺术的发展，表演者对于现代音乐美学的重视和把控，可以提升表演者的表演技术，从而促进了我国音乐艺术的发展。因此现代音乐美学为音乐表演艺术带来了很重要的启示和作用。

[1]杨莹。现代音乐美学对音乐表演艺术的启示探析[j].黄河之声，2017,20:98.

[2]李锋。现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示[j].当代音乐，2017,20:8-10.

[3]崔勇。现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示[j].课程教育研究，2017,28:225.

[4]张卉雨。现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示[j].新闻传播，2017,01:101+103.

[5]肖彬。简谈现代音乐美学对音乐表演艺术的启示[j].戏剧之家，2016,17:77.

[8]邓文欢。探讨现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示[j].音乐时空，2015,15:73.

[9]范浩杰。现代音乐美学研究对音乐表演艺术的启示[j].戏剧之家，2014,07:134.

音乐声乐论文篇六

通过人发出的声调再加上语言并用人们的歌唱表演表达出对音乐情感和音乐性质的艺术形式，被称之为声乐艺术。可是作为艺术与实践的结合体，现代音乐美学却呈现了一种复杂的状态，这并不是几天功夫就能学得会的。现代声乐表演艺术也在得到了现代音乐美学的帮助下，变得更加赋有现代性魅力。所以，对于二者的结合是未来声乐艺术发展的一种趋势，只有将二者更好的进行融合，声乐艺术才能得到更好的发展。

随着时代的发展，人们的审美水平也在不断的提高，相应的对音乐表演就有了更高的要求。这就需要表演者能在演奏音乐时，将自身的灵魂与想要表达的请看全部注入到自己的音乐作品中，让音乐也能赋有灵魂。而这说来简单，对于表演者来说就是相当困难的。表演者必须要有扎实的音乐素养以及对艺术有独到的见解。可是音乐的本身是不存在表达力的，这需要音乐家成为一个桥梁，将表演和音乐进行充分的结合。不仅如此，抛开音乐不谈，乐器的伴奏也是重要的道具。演唱者会利用歌唱与乐器来将自己内心的情感进行抒发，音乐的表演是游走在创作与欣赏之间的一种存在。因为每个人对音乐都有不同的观点和想法，这也是为什么今天的音乐世界会如此的异彩纷呈。灵感不同创作感觉就会不同，即使是一件作品也会被风格感较强的两个创作者变得好不相同。总而言之，音乐各种形式的表演都属于音乐美学的一部分，而前者在后者的基础上进行者音乐效果的传递。

（一）音乐美学现象学理论是音乐创作的重要理论指导。

就现代音乐美学的发展上来看，现象学美学绝对称得上是重要的内容。早在二十世纪九十年代，音乐家罗曼就曾发表过关于现象学美学的相关论文，此论文的发表，也为日后对其的研究有了更加详细的理论基础[1]。不仅如此，罗曼还在这篇论文中说明了哲学的客观性与主观性，前者是与人的意志无关且不受意志影响的；而后者则是依附于人的意识而存在的，而且也是意志发生一定变化时，会产生变化进行转移的。对于音乐美学的现象学研究时，主要是从主观性这一方面进行研讨的。哲学现象时有哲学家胡塞尔第一次提出的，不仅如此，他还是罗曼的教师，所以会对罗曼产生较大的影响。正所谓艺术是人类最高层的精神文明，声乐作为它的一部分，更是一种艺术性极强的艺术形式。对于声乐表演艺术的创作要始终将人类的意志作为核心。这种艺术形式的创作就是为了满足广大人民群众的需求，优秀的艺术家时刻都会这样想，并获得人们的深切喜爱。每个时代的声乐表演艺术都是具有一些明显特征的。在我国二十世纪六七十年代，音乐的特征就是革命歌曲，旋律多以斗志昂扬为主；而到了改革开放时期，由于西方舶来品的日益增多，人们开始追求个性化，这时期的曲风更加具有多样性，呈现了一种百花齐放的状态。从中我们也快可以看出，音乐的创作是离不开人们的意志的。因此，在现象学理论被提出之后，音乐作品的创作变得有了理论依据[2]。

（二）在声乐表演“同一性”中对现象学理论的应用。

现象学音乐美学将“同一性”解释为是具有特异性的。其中说到，剧本与乐谱是声乐表演的两大参照物，且剧本与乐谱是两种可以独立的个体。简单来说，演奏者按照乐谱来进行乐曲的演奏，每个人会因为个体间的差异而让与乐曲有不同的感觉，且差异性也很明显[3]。对于这个问题，相关音乐家们也做出了讨论。在众说纷纭的情况下利用现象学美学就能对此问题加以解决。结论中说道，乐谱从某种程度上讲是对创作与表演的一种记录形式，可是人类作为一种独立的个体，具有相当强的灵活性与多变性，这是随着意志与需求进行改变的。而且相同的音乐作品也会出现演绎上的差异，演唱者在保留了作曲家原有的精神下，将个人感受融入到歌曲当中，就会形成很强的个人风格。就用《我爱你祖国》这首歌为例，这首歌就曾被很多演唱者演绎过，每个演唱者都会呈现出不同的感觉，其中让人印象最深刻的就是叶佩英老师曾经演唱过的版本，相当富有艺术色彩又充满爱国热情，让人印象深刻[4]。还有，呼斯楞演唱的《鸿雁》，作者实在不舍兄弟之间情谊以及思念家乡时所写下的歌词，作品中“天苍茫，雁何往，心中的是北方家乡”就是对家乡的思念。这些独特的演唱都让人们感到印象深刻。

随着时代的发展，现代美学也进行了一定程度上的发展，出现了许多新的分支，在这其中就有释义学，虽然它是发展中才形成的，但是也为现代美学发展带来了生机与血液。很多人一直以为狄尔泰是提出释义学美学的第一人，因为它不仅将历史进行了最大程度的真实还原，还将历史进行了一个客观的解释，可是对于声乐表演艺术却只字未提，没有涉及。释义学美学在不断发展下，已经在二十世纪被正式纳入了音乐的表演艺术中。而完成并开创这种形式的则是克莱茨施玛尔，在其大力的推进下，声乐表演艺术也靠着释义学美学得到了快速的发展[5]。另外，当时的声乐表演也非常具有时代性，与当时的社会背景与时代风气能够很好的加以融合。可是由于当时一些不可抗力与其他因素的影响，让此种音乐并没有深入到音乐的本质当中。一直到伽达默尔提出了具有深刻性的音乐作品，才让释义学美学的相关作品，开始受到人们的喜爱。

现在关于现象学美学的研究者们认为，在现象学美学研究的所有对象中，都有一个共同的特点，就是意向性非常强，当然艺术作品本身就是一个意向性较强的事物。这种情况，就会为表演者的表演提供了难度，表演者不仅要有扎实的音乐基本功，还必须具备丰富的艺术创造性以及历史知识。这样才能完成一次对声乐作品合理的二次加工，然后将这部艺术作品尽可能的进行合理修改，让其可以发挥它的最大意境，从而完美的展现在广大的观众面前。

音乐作品的存在状态相对特别，它是一种非语义性的存在，却又蕴含着无比丰富的寓意。表演者在进行声乐表演的过程中，不仅要将自身的情感抒发出来，更要将作品本身的意义进行最大化诠释。在这方面，如果用现代美学的眼光来看，声乐的表演并不是对乐谱的呈现，而是要给作品第二次生命，将自己的情感与心情全部都寄托在作品中，让观众能够深刻的进行感受。

综上所述，现代音乐美学派系较多，而最为主要的两部分也就是现象学与释义学两种学派，声乐表演艺术的发展就是通过对这两种学派的理解和延伸，并保证了长久的音乐发展道路。现在是新时代，对于声乐音乐需要更多不同的声音，不同的思想，年轻的音乐人不应该将自己的思维局限于乐谱和乐器中，因为那些都只是你创作的工具，真正的主人是你自己。只有现代风格浓厚的创新性音乐才能得到长足的发展，将现代音乐美学完美的融入到声乐当中，才是发展的硬道理。

[3]刘承华。中国古代声乐演唱美学的历时性展开——从《师乙篇》到明清“唱论”的历史演进轨迹[j].南京艺术学院学报（音乐与表演版），2015,(2):7-14.

音乐声乐论文篇七

流行音乐以其极具魅力的特点，给传统音乐、音乐审美理念以及音乐创作理念等方面带来巨大的冲击。其不仅使我国音乐的格局发生的重大变化，也对我国文化产生了重大的影响。一种文化能够得到有效流传，必定有其存在的价值，因此，对中国流行乐的美学特质以及审美意义进行研究，具备非常重要的意义。

（1）审美内容人性化。

流行乐是对比于传统音乐而言的，我国流行乐真正流行时间大约在改革开放这段时间。在改革开放前，人们受到集体文化影响，讲究以集体为目标实现个人的价值。后来随着流行音乐逐渐融入人们生活，也让人们的个体意识以及个性得以彰显，也可以说流行音乐改变了人们的集体意识的审美观念，使人们的审美内容更趋向于人性化。以公众的角度来看，人们在社会中的生活，难免遇到困难，导致其对生活的状态进行思考，而流行乐几乎涵盖了所有范围的情感，使受众的感情得以宣泄，尤其在爱情方面，流行乐中涉及爱情的歌曲，从各个层面、多种视角进行解读，也能够证明流行乐更为贴近生活，趋向于人性化。此外一些流行乐作品涉及一些人性话题，会通过对生存环境、社会一些重大事故进行反思等。例如：歌手韩红演唱的歌曲《天亮了》，便反映了一场缆车事故，在歌词中体现出父爱、母爱的伟大，带给人们深深的感动，这便是流行乐人性化的体现。

（2）审美包装时尚化。

在流行乐的引导下，人们的生活品质、审美能力以及对美的需求得到提升，也更加注重对美的追求，这便是时尚的来源。流行乐作为人们时尚的引导者，随着人们审美标准的提升，也得到有效提升，而流行乐创作人涌现出一个又一个脍炙人口的流行歌曲，也让流行乐逐渐渗透到人们的各个环节，而其中一些具有代表性的演唱者逐渐为人所知，这便是明星的来源。当明星与时尚结合，广阔的舞台、梦幻的灯光、浑身散发着时尚气息的绚丽着装，无一不紧紧抓住人们的眼球，不仅在音乐方面让人们情感得以宣泄，而且在视觉上给人们带来强烈的冲击，因此，流行乐作为时尚的引导消费产品，不仅引领时尚潮流，也是审美包装时尚化的代表。

（1）提高了人们对音乐的审美能力。

以往的大众音乐中，人们往往作为听众，静静聆听表现者宣泄个人情感，对于一些喜欢安静的人来说，这种聆听方式是享受，但是很显然这种方式并不适合大众审美。随着人们观念不断改变，如今音乐文化逐渐从聆听转变为通过各种方式宣泄所有人的情绪，如某歌星演唱会，万人共同演唱，这种震撼，让所有观众产生一种参与感，不仅能够宣泄个人的情感，还能帮助自己喜欢的歌星完成一首曲目。這种对于音乐欣赏观念性的转变，深化了大众对于音乐的理解，使人们对音乐拥有更为直观的感受，从而让所有人对音乐的审美能力得以体现。此外，一些ktv的推广普及、大型音乐竞技类节目如《中国好声音》的出现、唱歌软件如《唱吧》的流行，都为人们提高音乐的审美能力，提供了便利条件，也让人们在宣泄个人情绪之余，对音乐的好坏具备一定的辨析能力，使大众对于音乐审美领域从自在审美变成自我审美[1]。

（2）体现了音乐的人文精神。

在过去，高雅严肃的音乐，并不是所有人能够享受的，而随着流行乐的流传，音乐逐渐趋向于大众化。流行乐起点的核心非常明确，就是为了满足大众需求以及为大众娱乐而创作，因此，流行乐具备浓重的人文精神和平民化色彩。也因此，音乐从高雅的传统音乐逐渐转变成为所有人能够接受的流行乐，才是体现出音乐人文精神的主要原因。而且最主要的一点便是，其依靠极为张扬的个性、具有时代意义时尚色彩的审美以及一些对于生活、社会问题具有批判性的歌词，都在冲击人们的主观意念以及其原本的社会价值观，从某种程度上讲，流行乐也可以作为人们批判传统的有利武器，在社会价值中，其发挥的作用远远超过其本身的音乐价值，这也是音乐的人文精神主要体现。

综上所述，中国流行乐从出现，为人们宣泄情感提供了一条便利途径。根据本文分析可][知，作为大众生活需求中必不可少的存在，也为人们提供了便利条件，所以，基于中国流行乐的优点，将其发扬光大，最终成为世界音乐文化中最为重要的一个部分。

[1]王磊，李建林，魏玲，秦庆昆，王江奇，李慧敏。中国流行音乐的美学特质及审美意义[j].河北大学学报（哲学社会科学版），2007（05）：106-110.

音乐声乐论文篇八

摘要：随着素质教育理念的深入发展，声乐教学在教学体系中的作用逐渐提高。声乐教学对师生之间的互动行为具有较高的要求，但是这种互动不仅是行为上的互动，也包括心理上的互动。文中对声乐教学中的心理互动效应类型进行了分析，并就心理互动效应应用于声乐教学中的有效策略提出了自己的观点。

关键词：声乐教学;心理互动效应;应用策略。

声乐作为一种歌唱艺术对于人们抒发情感，展现人们的生活情趣均具有重要的意义。同时，声乐作品中所蕴含的精神价值对于塑造学生的良好品格，提高学生的综合素质能力具有重要的意义。随着教育改革工作的不断展开，声乐教学方法也在不断寻求着突破和创新。近年来，人们越发意识到了学生自我意识以及师生交流互动的必要性。为此，文中就声乐教学中的心理互动效应展开了深入分析。

心理互动属于心理活动的范畴，想要充分发挥心理互动效应在教学活动中的作用，需要明确在声乐教学活动中出现较多的心理活动类型：其一，处于合作目的的心理互动效应。在声乐教学活动中，这种心理互动效应有助于进一步提高课堂效率。师生之间为了实现共同的教学目标，从心理上产生相互配合的心态，这也是声乐课堂中师生之间相互配合的行为基础。声乐是一种突出的歌唱艺术表现形式，其最终的呈现效果不仅受到作品本身精神内涵和意境的影响，更受到表演者个人的精神情感的影响。学生的音乐审美情趣、对音乐作品的情感理解以及个人对声乐作品的情感诠释，在很大程度上受到老师的影响，因此学生与教师之间的良性心理互动十分必要。由于个体思想情绪、生长环境等方面的差异，对于同样的音乐作品，不同学生和教师之间可能会产生不同的观点和看法，在良好的配合性心理互动效应的影响下，学生可以以更加放松和自由的心态与教师阐释他们的观点和想法，从而使一部作品以更加多样化的形式展现在人们面前，有助于提高学生的音乐鉴赏能力和创作能力。而教师也可以在不断交流沟通的过程中，进一步完善教学理论，同时也能够更加积极的与学生进行情感交流和反馈，从而营造良好的声乐教学氛围。总之，声乐教学中的合作性心理互动的合理应用有助于进一步提高声乐课堂效果和效率，进一步帮助实现声乐教学方法的创新与进步。合作性心理互动效应在声乐教学中的应用具有重要意义，因此声乐教学中，教师一定要正视合作性心理互动效应的重要意义，以更加主动、积极的心态与学生展开情感交流和沟通，使声乐教学活动更加活泼，充满创造性，利用合作心理提高学生与教师之间的配合默契度，实现声乐作品情感与个人情感层面的共鸣。其二，对抗性心理互动效应。随着声乐教学水平与教学理念的不断进步与发展，声乐教学方法也不断进步，集体教学和一对一单独教学都是声乐教学的重要途径。但是由于情感等方面的差异性，声乐教学过程也并不是一帆风顺的。对于某些特定的问题，教师和学生也可能会产生截然不同的情感态度，由此产生对抗性的心理互动效应。声乐教学中的对抗性心理互动效应主要来源于两个方面：一是学生和教师对于某些声乐技巧或是对于声乐作品的情感理解存在着偏差和争议，加之部分教师在教学方法上欠佳，可能会引起学生的对抗心理。二是声乐学习是比较辛苦的，学生需要坚持日常练习，需要不断积累自己的声乐理论和技巧等方面的知识。但是随着外界环境的不断变化，学生所面临的外界的吸引也逐渐增加，部分学生很难长时间专注的投入到声乐知识的学习之中，并可能由此引起对声乐的厌倦或是反感等负面情绪，并由此产生对抗性心理效应。这种心理互动效应的出现对整体声乐教学效果十分不利，有可能造成教学的失败。因此在声乐教学中如何有效的.避免对抗性心理互动效应的出现是值得思考的问题。教学经验表明，充分尊重学生的主观思想和个体化差异，并加以有效的引导，是避免对抗性心理互动效应的有效方法。在声乐课堂活动中，教师应该积极的转变教学观念，充分尊重学生在课堂活动中的主体地位和行为，给予学生积极的情感引导，更多的倾听学生的想法和建议，尽量避免对抗性心理互动效应的出现。同时，教师也需要适当的创新课堂教学互动形式，进一步激发学生进行声乐表演的欲望和积极性。这样有助于将对抗性的心理互动效应逐渐转换为合作性的心理互动效应，为声乐教学创造良好的课堂氛围。其三，竞争性的心理互动效应。这种心理互动效用的出现与声乐教师的教学方法、开班方式存在一定的关联性。同时，它所造成的影响也是双面性，适度的竞争有利于激发学生的斗志，进一步提高学生的声乐表演欲望和水平。但是竞争性过于严重，也有可能会导致学生失去信心，对其声乐表演能力造成影响。目前，我国的声乐教学模式仍存在不完善的方面，受到师资条件、基础设施等条件的制约，很多学校无法实现声乐教育的一对一教学，因此很多教师都是同时给两个或是两个以上的学生上课。在这种教学模式下，教师为了激励学生，会有意识的表扬某些进步较大或是专业能力较强的学生，有时也可能会批评某些学生。这种情况往往会给学生带来一些心理情绪的变化，激发部分学生的竞争性心理。一般情况下，竞争性心理互动效应并不需要教师过多的干预，它能够转化为促进学生更加勤奋练习声乐的动力。但是如果学生将成绩、排名等看得过重，就可能会导致学生忘记最初学习声乐的目的，过于功利性，会对学生的声乐情感表达和审美品位均造成不利的影响。因此，当教师发现学生形成了竞争性心理互动效应之后，一定要予以积极的指导，帮助学生正确的看待名次和成绩，从而形成良性的竞争。同时，在声乐教学中，教师需要充分了解不同学生的心理特点，据此制定出更加有针对性的教学计划和策略，实现因材施教。在教学活动中，教师要尽量避免过多的与某一个学生进行沟通交流，要注重合理的安排沟通时间和课堂结构。

二、心理互动效应应用于声乐教学的有效策略。

为了充分发挥心理互动效应在声乐课堂中的良性作用，实现进一步提高课堂效率的目的，教师一定要充分掌握心理互动效应的相关理论，了解学生在日常生活和学习中的心理活动特点。由于学生声乐基础的不同，在课堂中的心理活动特点也是不同的。比如，声乐基础较好的同学在课堂中的心态就相对从容、放松。但是声乐基础相对较差的同学就相对比较紧张，甚至部分学生认为声音就是有共鸣，只要能将高音唱出来就是完成了任务，这种心理会导致学生无法正确的分辨声音的好坏，也无法掌握声音技巧。出于这种心理，学生可能会在声乐练习的过程中养成一部分的坏习惯，比如出现冲、撞、挤等唱歌方式。对于这种问题，教师要注重与学生加强沟通，帮助学生了解正确的声乐演唱方式及技巧，使学生意识到声乐演唱是呼吸、发声、共鸣、咬字、吐字等环节共同构成的一个整体。在此基础上教师要积极的给学生带来更多的鼓励，与学生共同进步，提高学生练习声乐的信心。对于部分基础较好的同学，教师也要注意加强管理，帮助学生刻苦、踏实的做好日常练习，避免学生出现好高骛远、盲目自大的心理。其次，充分发挥心理互动效应的作用，需要教师充分尊重学生的个性化心理特点，并在此基础上对原有的声乐教学模式进行全面的突破与创新。举例来说，在进行教学的过程中，教师应该充分结合声乐作品的背景、情感等展开情境模拟教学，使学生更加直接的感受到作品内在的情感，从而激发学生的声乐学习兴趣以及参与课堂活动的兴趣。与此同时，教师应该积极的利用和融合各种不同的教学方法，比如课堂讨论、课堂提问等。对于不同的想法和见解，教师也要给予支持和肯定，以此调动学生的情绪，使学生积极的参与到课堂活动中来。形成学生之间、学生与老师之间的良好的情感交流活动，只有这样才能够实现活跃课堂氛围、提高课堂效率的目的。另外，在声乐课堂中的心理互动效应是来自于学生与教师双方的心理互动，因此教师不仅要全面的分析学生的课堂心理特点，也要不断的学习和掌握相关的知识，有效的调节自身的心理活动特点。声乐教学中，有必要进一步加强师生之间的心理互动效用，实现学生与教师的共同发展。声乐教学是一个长时间的过程，因此，师生之间的这种双向的心理互动效应也是循环的、持续性的过程。为了使这种良性的心理互动效应能够持续下去，教师要不断完善自己的知识结构，提高自身的声乐文化素养和技巧性，这样在课堂中就有更多的内容可以展示给学生，进一步提高自己在教学活动中的存在感与地位，积极的指导学生，帮助学生，取得更大的进步与成绩。但是，教师也要充分尊重学生的个性化心理特点，虚心听取来自学生以及其他人的建议，不断完善自身的教学方法和模式，改善课堂活动中存在的一些弊端。在日常工作中，也要注意加强工作总结，根据学生的整体心理特点和声乐水平，合理安排课堂内容，帮助学生打下扎实的声乐基础。

三、结语。

综上所述，心理互动效应在声乐教学中具有重要的影响作用，文中对声乐课堂中常见心理互动效应进行了分析。并就如何有效利用这些心理互动效应提出了自己的观点，希望与相关教学人员共同交流，进一步提高我国声乐教学的整体水平与质量。

参考文献：

[2]任莎莎.声乐教学中的心理互动效应[j].才智,2014,(02):89.

[3]辜小飞.论声乐教学中的心理互动效应[j].音乐时空,2015,(24):146.

[4]綦文娟.浅谈声乐教学中的心理互动效应[j].音乐时空,2016,(01):176,153.

[6]任程.探究声乐教学中的心理互动效应[j].音乐大观,2013,(02):59.

作者：杨薇单位：甘肃省定西师专。

音乐声乐论文篇九

摘要：对于音乐方向的高考生来说，他们的音乐专业课成绩高低直接决定着其是否能够顺利地进入大学音乐殿堂继续接受音乐深造。因此，这就需要高中音乐教师把握高考中声乐的考试要求和评分标准，以便于高中生在日常的音乐专业课学习和训练中具有针对性，从而助推音乐高考生在高中专业课考试中能够最大化地发挥其声乐专业技能而获得较高的专业成绩。

从音乐高考生的高考成绩组成来看，音乐专业成绩占据着大比重，即使这部分学生的文化课成绩符合高考成绩标准要求，但是音乐专业成绩不达标，也将导致他们冲击高等音乐殿堂的求学路毁于一旦。显然，音乐方向高考生的音乐专业成绩不能够忽视，这就需要高中音乐教师以每个音乐高考生的音乐学习水平和高考音乐专业的评分细则、考试要求以及范围为依托，来强化自己的日常声乐教学活动，并有针对性地对音乐高考生声乐学习进行指导和训练安排。那么，通过这样的音乐专业教学活动，不仅使音乐高考生的音乐专业综合素养得以极大化的提升，而且有的放矢的高考音乐专业教育和训练也增强了这部分学生高考的自信心，从而促使音乐高考生与高等音乐学院的距离更加接近。根据桂考院188号文件通知音乐总成绩的各科权重系数为：听音记谱0.4；乐理0.5；视唱0.6；声乐1.5。从此比例来看，声乐是音乐考试当中的重中之重。

从音乐高考生的来源来看，这部分学生来自两部分：一部分是来自于一些高中文化知识基础较差的学生，他们寄望于通过音乐艺术这个方向来弥补其文化知识基础差的不足而进入高等音乐院校以圆了他们的大学梦。另一部分是来自于对于音乐有强烈的爱好且具有一定音乐专业水平的学生。对这两个群体的音乐高考生进行比较来看，前者的音乐专业素养没有后者高，这就使得音乐高考生的整体性专业素养不高。特别是没有接触或者很少接触声乐专业学习和训练的学生，他们的音乐高考之路会比较艰难，一旦音乐专业成绩没有达到既定的标准，就会断了其借助音乐艺术途径而成就大学梦的路，这就需要高中音乐教师要注重这部分学生的声乐音乐知识学习和技能训练。而对于有一定声乐专业素养的高考生来说，他们的音乐大学之路设计就相对比较容易，但是他们日常性的声乐学习纯粹性为了一种自身艺术修养和满足娱乐需求，因此，虽然这部分学生具有扎实的音乐声乐基础，但是还需要高中音乐教师把高考中音乐专业考试的要求以及评分标准向这部分学生进行引导和有针对性地训练引导。

1、根据高考要求对学生声乐学习思维进行疏导。

对于高中生来说通过音乐专业学习来进入大学，未尝不是一种进入大学的有效途径。但是与其他借助于文化知识进入大学的学生相比较，这部分学生个性比较鲜明、自我意识比较强和比较活泼好动，这就使得这部分学生具有一些比较明显的不良学习行为习惯。因此，这就需要高中音乐教师有针对性对这部分学生按照高考要求有针对性进行思维疏导，让他们认识到即使音乐高考文化成绩要求很低，但是其音乐高考专业成绩比较高，这就需要这部分学生纠正其不良学习习惯认真对待声乐学习，且要遵循高考声乐考试的规律性进行声乐针对性训练。从这个方面来看，就给音乐高考生的声乐学习标明了努力的'方向。

2、根据高考要求对学生声乐学习进行强化训练。

综合深入剖析以往高考音乐专业成绩来看，高考音乐专业成绩一年比一年高，且高考学生人生整体上呈现出一种趋于上升趋势，而高校音乐专业人数有效，这就使得音乐高考生的竞争非常激烈。这就需要高中音乐教师从基本的声乐知识和技能方面来加强音乐高考生的基础性音乐根底，并分析和研究以往音乐高考题目中的内在客观规律性以及声乐各个方面的评分标准，在日常声乐学习和训练中有针对性向高考标准看齐以纠正学生不符号规定的声乐知识认知，从而引导音乐高考生的专业素养向专业化、标准化和针对化方向靠拢，也便潜在地增加了学生高考中音乐专业成绩提升的砝码。

3、根据高考要求对学生声乐学习进行高考模拟检验。

高考音乐专业考试涉及到高考生的心理素质、举止神态、情感表现以及主观能行声乐技巧等综合方面，这就需要高中音乐教师对学生的日常性声乐学习进行阶段性考核和总结，以高考模拟考试的形式对学生的阶段性声乐学习情况以及自身的考试素养进行一个综合性考评，并根据考评的结果对学生的缺失之处进行分析和强化性训练引导。那么，通过这样的不间断性反复高考模拟音乐专业考试形式，使音乐高考生很快适应高考的流程以及考试氛围，从心理和情感上使高考抗压能力得以强化，如果真正面对音乐高考也不至于因一些必要的因素而失去得分机会。

三、结语。

基于音乐高考生自身的音乐素养和高考音乐考试的要求及细则，高中音乐教师来强化对音乐高考生的音乐专业课进行有针对性高考声乐教学活动，是一种科学性的音乐高考策略，通过这一高考策略不仅音乐高考生做到了心中有数提升了其声乐技能水平，而且促使音乐高考生适应了音乐高考的考试要求，从而有助于音乐高考生高考成绩的提升。

参考文献。

音乐声乐论文篇十

摘要：声乐课教学在整个中专音乐教学过程中占有不可或缺的重要地位，但长期以来，因为教学方法过于单一，学生普遍对于声乐课教学提不起兴趣，纷纷感到枯燥乏味，导致中专声乐教学效果一直不尽如人意。在此情况下，就需要及时转变教学观念和方法，加快声乐教育教学改革，使中专声乐教学更加多元化，通过各种手段的有效运用，激发学生的声乐学习兴趣，调动其学习声乐课的积极性。本文将从开展多元化中专声乐教学的必要性入手，分别从课程设置、声乐教学流程改革、合作教学以及多元化评价等方面论述如何具体开展多元化的中专声乐教学，以期能够为一直以来效率低下的中专声乐教学提供有效参考，进而确保中专音乐教学目标得以实现。

中专院校之所以会开设声乐教学课程，一方面是为了使教育类专业学生能够学习到必要的专业教学技能；另一方面，也是对中专学生进行美育和德育，进而获得更好的发展。探索多元化的声乐教学方法，不仅有利于教育类学生的专业技能水平以及学生综合素养的提升，同时也能有效提高声乐教师的教学水平。声乐是一种强调技巧性和实践性的艺术表现形式，这也就意味着，要提高声乐教学效果，就必须不断加强学生技能培训和实践操作能力培养。在声乐教学过程中，不能仅靠教材知识以及教师的讲解来实现，因为文字描述往往很难使声乐艺术的内涵得以全面展现的，中专生也往往难以理解清楚，不利于声乐知识的传授。此外，声乐表现力不仅取决于学生先天条件、领悟力和表现力等，还有赖于声乐教师的正确引导与言传身教，这样才有可能学好声乐。目前，中专生无论在生理上和心理上都发生了很大变化，在此情况下，要想确保中专声乐教学的有效性，就要求我们声乐教师能够把握当前多样性的实际，开展多元化的声乐教学课程，让中专生更好地掌握声乐知识，进而确保声乐学习的目标得以实现。

音乐声乐论文篇十一

摘要：声乐艺术是音响艺术、抽象艺术，教师在教学中要树立正确的思想方法、发声方法来指导实践，教师在教学中要营造学习氛围，建立良好的师生关系，应遵循因材施教、量体裁衣的教学原则来达到教学相长的目的。

关键词：声乐教学；思想；歌唱。

声乐是一门以人声为载体的音响艺术，我觉的首先它很抽象，它不同于器乐表演艺术是依赖人演奏的水平和不同的乐器来进行的，在教学上是有较系统的理论的，遇到技巧也是能“看的见”的，在教与学的过程中，一般有教师的正确指导，在加上学生能够刻苦的练习，一般会取的较好的效果，而声乐就较为抽象，声乐的乐器就是歌唱者本身，它需要全身的共鸣腔体及气息，通过耳的功能去听，去感觉分辨，借以采取各种方法和手段进行训练，从而找到一种不单单是靠嗓音支撑的声音，而是一种圆润、明亮优美的歌声。通过学习、教学，我认为学习声乐，不走弯路，而达到理想的教学效果首先要树立正确的思维理念，它需要正确的思维方法去引导学生正确发声，学生一定要努力按照教师的要求去做，逐渐地树立正确的思维观念，在发声前首先要有饱满的热情，使大脑机构首先进入歌唱状态中，想在做之前即发声必须从思维开始，同时刻苦努力学习，这样才能实现教学相长的良好训练，才能走上正确的声乐道路。在声乐教学中，有的学生会遇到这样的情况，就是在上课时有老师的纠正和指导，唱对了，但下课后自己唱时就感觉不对，唱的不好，后来我明白了，这种现象的出现都是由于没有明确的思想认识和对发音的正确规律性的掌握不够造成的，所以声音时还时坏，自己把握不住，无法完成一首歌曲的演唱，后来在上课时我注意让学生听，唱对时是什么感觉。记住这种感觉，下去自己练习时找到这种感觉。

1要运用正确的发声方法。

意大利女高音歌唱家莱泰巴尔迪曾经说过：“歌唱的秘密就是找到一位好教师”，我觉得这句话说的很对，一个优秀的老师会帮助学生建立正确的思维观念和正确的技术方法，根据每个学生的实际条件，发挥他们声音的特色，去开拓他们各具特色的歌唱艺术道路。要做到和做好这些并不容易，我认为要每天进行训练才能取的好的效果如：

1.1每天进行一定的时间的闭口和张口哼唱练习，增强声音的高音位感觉。音域保持不高不低，太高会引起各种肌肉用力，失去练习意义。气息应保持垂直、集中、通畅，声音的感觉在鼻腔以上。

1.2深呼吸练习。在深吸一口气后，舌头自然平放舐在下牙，用吹灰动作把气缓缓呼出，注意发声时口腔内各部位不要用力。这样既练了呼吸，放松舌肌，并使二者动作协调。进行练习时，在相当一个时期内，要半音量唱，要严格控制音量，不然喉头又会呈僵硬状态。这种方法看似简单，坚持去做，确实很有效。

1.3注意歌唱者的读字问题，当我们掌握了发声和运用发声器官的技巧之后，在读字方面的学习，也是很重要的。在学习过程中，运用歌唱的位置来大声地、带有表情地朗读歌词。只有正确的处理好读字吐词才能达到真正的“字正腔圆，声情并茂”。

2要建立和谐的师生关系。

声乐教学中的师生关系比其他学科的师生关系更为密切，是一种一对一的上课形式，师生间经常进行学术交流、思想感情交流、建立良好的合作关系，我国声乐教育大师沈湘教授在处理声乐教学中教与学的关系时，就很重视发挥学生的主体作用。他说，教与学的关系就是教师帮助学生唱，而不代替学生唱，作为教师要帮助学生唱好，千万不能让学生为你的“学说”和经验服务，这样十有八九要失败的。所以说，在日常的教学中，由于学生音乐基础、文化修养、理解能力、性格以及听觉等都不相同，作为教师必须充分了解学生的情况，对学生条件做到心中有数，掌握学生个体之间的差异，从嗓音条件、理解能力、程度高低等方面依据个体的不同做出不同的要求和施以不同教学经验，遵循因材施教的教学原则，这样教学才会有效果。

3形体表现技能是唤起内心情感的重要手段。

世界上许多著名的歌剧表演艺术家都十分看重形体举止的作用。卡鲁索认为：“一些人似乎具有敏锐的智力、灵活的头脑、也有优秀的嗓音，但是缺少大艺术家必不可少的舞台上的吸引力和一定广度的音乐知识。往往这一缺点在他们的举止中如此清楚地表现出来，有时我在他连一个音还没有来得及唱出之前就对他说，他的努力是徒劳的”。所以形体动作不单是表达感情、体现意境、塑造形象的有力手段，它同时也是唤起内心情感的有力手段。生活中，我们可以见到许多这样的例子，很多课堂上唱的很好的学生，一到考试或走上舞台表演时，紧张呆板，演唱效果大打折扣。而动作表现力丰富、心理素质好的学生在舞台上就可以发挥自如。所以平时在课堂上，老师要加强学生这方面的训练，课堂练声要引导学生用肢体动作大胆地表现，来帮助身体歌唱，并强调歌唱的表演性。协调准确的形体动作，能够唤起相应的内心情感，情感的投入可以免除精神的紧张，心、声、身的良好协调状态，才能获得整体的艺术效应。

总之，声乐是一门充满魅力的艺术，是最能直接抒发人的感情的一种表演形式。同时声乐教学又是一门独立的学科，它涉及到声学、声乐、声乐表演、声乐教学、声乐研究等多方面的内容。从建立整体的学术构架到形成教学的规范，都是长期积累的过程，这样需要我们从事声乐教学的同行们不断提高自身演唱及教学水平，将所学的新老知识综合运用到教学中去，从学生的角度出发，一切为学生服务，把学生看成金子，积极探索、锐意进取总结出更有效果、更适应新时代要求的新的教学原则和新的教育思路，来更好地完善声乐艺术。

参考文献。

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音乐声乐论文篇十二

音乐美学作为一项独立的学科内容，具有较强的抽象性和哲学意义，因此一直以来被相关领域所关注和钻研。本文旨在阐明音乐美学的概念、表现形式、相关的音乐内容，并在此基础上结合实际分析音乐美学角度下音乐艺术表现形式的实现路径，希望借此引导大家更加深刻地了解、学习、欣赏、传承音乐艺术。

音乐美学，顾名思义，融合了音乐、美学等诸多内容，具备较强的美学和艺术性特征。为了更好地了解不同音乐作品的存在和表现形式，方便日后进行传承发展，音乐美学开始成为广大学者专家深刻关注的话题。具体方法就是及时透过美学层面去挖掘和定位不同音乐作品的存在、表现形式，自觉加深对音乐理论知识和表演实践的融合效果，在吸引更多人关注的同时，提升学习者的审美素质。至于音乐美学角度下音乐艺术具体的表现形式，则主要会在后续深入延展。

相对于其他音乐学科来讲，音乐美学具备一定程度的哲学性、艺术性特征，主张针对不同音乐作品的艺术规律加以精准性把控，拥有自身特定的研究对象和涉足领域，拥有较强的概括性和抽象性效果[1]。除此之外，音乐美学在国内来讲还是比较新颖的，但实际上其很早就由德国哲学家鲍姆嘉通总结阐述，主要收录在《论音乐美学的思想》着作之中，并且持续到十九世纪后由德国音乐学家里曼再次补充拓展，《音乐美学的要义》作品正式问世，音乐美学也正式作为一门学科而独立存在、深入发展。

首先，音乐形式的基础性要素莫过于表情，其存在意义甚至超过单纯的音乐声音，在音乐表现过程中占据着主导地位。透过音乐艺术层面审视，这部分表情强调借助音响元素来呈现出创作者不同阶段特殊的情绪状态，对应的表现形式包含了高低、长短、快慢、强弱等区别，经过这些形式有序地搭配融入之后，能够赋予整个音乐艺术作品更强的灵活性，保证基于人差异化的情绪状态来生动性抒发对应的感情。

其次，音色亦属于情绪表达中不可忽略的要素。古往今来，诸多作曲家都在热心钻研如何利用乐器来展现各式各样的音色，特别是对于近代音乐来讲，这类现象尤为显着。如许多作曲家决心对传统乐队予以创新形式的调整排列，以求在开发出更加特别的音色基础上，呈现出一类极为新颖、奇特、美丽动人的音响效果，进一步使人的情绪得到深入性、完整性、精准性的表达。

音乐形式的要素还包括组织方式，如若缺少了它，将难以构建完善的音乐结构框架。这就需要表演者适当加入和融合一些特殊的旋律、和声、曲式、作曲技巧、十二音序列等要素，呈现出独特的整体架构。

这类法规属于音乐要素和组织方式衔接的重要媒介，属于人们经过长期审美活动之后，针对现实生活中的不同美感形式加以概括的结果。毕竟广大艺术家们在参与美感体验、创造等活动时，还是需要依靠一些基础性法则加以规范引导的。归根结底，音乐和绘画、雕塑等艺术有着明显的差异性，其绝非单纯地将一些美感要素进行整体、直观地呈现，而是主张有序地规划不同音响的排列次序，使人们在聆听旋律的同时感受到一种和谐美[2]。因此，时间对于音乐这类艺术的表现形式来讲极为重要，当音乐组织技巧在特定时间段内呈现过后，会令听众及时体验到音乐的延续性效果。在此期间，音乐时间和现实时间截然不同，而是作为一种虚化的时间序列而存在。

从本质角度分析，音乐运动属于某种心理活动；而从物理学层面解读，声音产生的根源在于物体的振动现象，正是在一个声音消失而另一个声音接连出现过程中，才形成了整个富有想象力的音乐作品，再经由一代代人传承记忆和完整再现。

在音乐艺术中，音乐性内容涉及情绪、风格、精神三类特征。第一，情绪作为音乐内容中表层的部分，听众能够透过感官来直接体验，进一步把握现场传达的整体氛围效果。第二，一类音乐内容的风格体系，往往不需要理性因素作为支撑，而是要配合听众当下的心情和理解方向进行确认。如若说情绪影响着音乐作品的格调，那风格体系便决定着这种格调的类型，两者维持着一定的阶级关系。第三，精神属于音乐内容中最为高层次的部分，是创作者在特定社会背景下想要抒发的思想情感，包括对现实生活的反思还有创作的主旨。音乐的精神内容单纯配合专业技能始终不能全面、准确地认证，毕竟其是一种高级的审美活动与产物。

这类内容具备一定程度的主观性色彩。首先，绘画性内容，顾名思义，就是配合人的听觉感受来呈现出种种画面，使旋律、音响等转化成为线条、色彩，令音色成为一种时尚造型，进一步丰富听众的音乐世界。其次，文学性内容，存在于创作者的音乐表现还有听众的主观想象当中，其涉及过程、冲突、情绪三个层面，需要创作者借助节奏、音响等细节变化，来进行文字化的抒情表达，配合音乐主题来模拟对应的现实情境和情节，并使用某些音调来演绎出一系列事物等等。

首先，音高的控制。结合我国民族民间音乐发展史来看，为了紧跟音乐变化发展的趋势，就务必及时挣脱大小调体系的约束，创造出更加宽阔的音乐语言空间之余，使音乐表现力和听众的听觉感性特征持续增强，从而自主加入到现代音乐探索队列之中。在此期间，凭借理性设计作为核心的音乐构成模式，更加有助于激发出听众对音乐的感性想象力，增强音乐作品音响的感染力。因此，要想在音乐表现中遵循音乐美学，就要先学会平衡表达理性和感性的关系，准确控制音高。

其次，节奏的把握。现代音乐在节奏表现层面应该要学会突破传统音乐的约束，想方设法赋予音乐艺术超强的感染力。不仅仅要加入一些鲜活的节奏，同时还应该在节奏衔接上保持一定的跳跃性、灵活性、动态性特征，进而为增强整个音乐作品的表现张力奠定基础。需要注意的是，音乐节奏把握上同样存在理性倾向，那就是在保证和传统音乐节奏有所区分之外，还应顺应大众的审美需要，切不可盲目越过大众听觉感受的范畴，否则会严重削减作品整体的审美效果。

最后，音色的处理。音色同样随着音乐艺术持续变化发展，如今已经随着各类乐器的使用，慢慢越过民族的界限，成为音乐作品中自由使用的元素。但是，总有些人过分追求音色的多元性，不能协调各个音色之间的关系，到头来不仅没有赋予音乐作品流行的推动力，反而破坏了收听效果，因此合理使用音色应该得到创作者们的重视。

第一，音乐作品的创作，实际上就是结合生活体验来进行乐谱记录的过程，许多艺术家习惯于结合丰富的生活体验和完善的构思，来将头脑中的种种思想透过音乐细致地传达出来。在此期间，要注意搭配好音乐作品的曲式还有旋律，这样才能确保作品问世后是独一无二的。由此看来，音乐艺术的创作和表现，需要经历非声音形态的表现对象选择、声音形态的听觉对象匹配、作品乐谱的形成等环节，任何环节都不可忽略。

第二，在进行音乐艺术表演期间，能够清楚地感受到其存在模式。表演者想要充分展示出一些音乐作品独特的艺术效果，就要先读懂乐谱，在经过深思熟虑之后，将各类音乐符号转变成为和谐的声音形态，再配合相关乐器和演奏技巧进行优美的呈现。所以说，在音乐表演期间，音乐艺术的存在形式由音乐符号、想象的音乐形象，转变成为现实的音乐作品。

第三，音乐作品欣赏环节中，听众会自觉地对当中的旋律、节奏进行整合，借此加深对音乐作品还有艺术的了解认识。在此期间，听众群体正经历着想象作品、加深情感体验、形成认识结果、做出综合评价等过程。

音乐艺术作品属于一类有机整体，经过了审美和非审美式的整合处理。特别是在同一作品当中，这类融合更加有倾向性。譬如一些轻音乐或是抒情曲艺术作品，重点凸显审美价值，却对一些非审美价值进行弱化处理。现代音乐艺术展现形式更加注重审美、非审美价值的自然融合，毕竟只有两者高度统一之后，音乐作品才显得更为优美动听且富有内涵。归根结底，就是借助特殊的审美滤镜，来将一些科学知识、道德价值观等非审美价值要素巧妙地穿插进去，使得音乐作品本身的魅力增强、内涵更加丰富。

另外，保持音乐艺术内容和形式的统一关系。完美的音乐艺术作品，其内容和形式往往彼此关联缜密，相互契合[3]。事实上，音乐艺术作品在内容上显得比较独特，主题明确，而为了更加精准、完整地表达这部分音乐内容，就要求适当的音乐形式作为支撑。所以说，许多创作家都习惯了基于内容和形式的依存、制约关系来展开补充式创作，利用音乐形式把控着音乐内容的描述，配合音乐内容锁定音乐形式的筛选方向，不至于在表现过程中出现情感突兀、节奏紊乱等不良现象。

综上所述，基于音乐美学视角来细致性解析音乐艺术的形式和内容过后，还需要协调把握它们之间的联系、制约关系。作为广大听众群体，在进行各类音乐艺术作品欣赏过程中，不仅仅要关注其外在表现形式，还应该深入性钻研其核心内容。同样地，作为音乐创作人员，也应该在充分调查了解听众们的兴趣偏好基础上，处理好音乐作品的表现形式和内容的关系，做到及时透过整体进行创作梳理，促进作品在内容和形式上的和谐融合状态。长此以往，帮助更多人科学认识和准确把控音乐美学的基础性规律，提升大家的艺术表现力和审美素养，促进我国音乐艺术的繁荣发展。

音乐声乐论文篇十三

在整个音乐文化中，音乐美学发挥着不可比拟的作用和优势，而音乐作品存在方式的探讨也变得尤为重要，顺应现代艺术潮流的发展趋向。基于音乐美学视角，加强对音乐作品存在方式的分析，可以发挥出艺术作品的魅力，并加强音乐作品存在方式--感象层、意象层以及意蕴层等层次之间的融合度，将其渗透到音乐作品的方方面面，进而满足音乐美学的内在需求。本文主要以音乐美学的角度谈音乐作品存在方式为论点，旨在提高音乐美学的广度和深度。

对于音乐美学来说，是音乐学和美学的融合，具有美学、艺术性等特点。而在音乐美学研究领域中，必须要高度重视音乐作品的存在方式这一问题，这已经成为了诸多人士普遍关注的焦点性话题之一。因此，基于音乐美学视角，要充分了解音乐作品的存在方式，注重理论知识与实践活动的整合，提高学生的音乐审美素养，创造出独具特色的音乐艺术作品。

在音乐作品中，音乐美学贯穿始终，所以音乐美学存在于音乐作品的三种存在形式中。音乐作品与客观事物有着明显的区别。音乐作品存在于人们的思维中，是人类精神生活的结晶，一旦脱离了人类，很难充分体现出音乐作品应有的价值。对于音乐作品来说，主要由三个层次构成，即感知层、意象层以及意蕴层，进而针对这三个方面展开详细阐述。

（一）感知层。

感知层，是艺术作品外部的感知表象，是艺术作品自身客观属性和感知者内在感性的结合体，其中，表层的物质材料、颜色、速度等是艺术作品外在属性的重要构成内容。然而艺术作品之所以被称之为艺术，主要是由于艺术作品自身具有客观属性[1]，并注重情感方面的渗透与融合，将艺术作品赋予全新的生命力，成为能够传达人情感的重要工具。要想将艺术品的价值充分体现出来，必须要高度重视自身客观属性、艺术家所要表达的情感内涵等。在人们对艺术品的解读中，要提高对感知层内容的重视程度。众所周知，音乐有着十分广泛的范围，在一场音乐演出中，要从视觉、听觉以及心理等方面来进行情感的传达。基于感知层视角，符合创作者音乐创作的目标。音乐与人们实际生活之间的联系是紧密联系、密不可分的，在音乐创作者不断探索与研究过程中，促进了音乐美学体系的形成。音乐美学涉及的内容比较多，关系着美学、音乐史学等，对于任何一个分支都能划分出具体的内容，这些都属于感知层的内容。在音乐美学视角下，感知层的存在方式就是这些由美学理论和音乐结合的各种音乐理论，增强乐谱演奏的生动性，创作出高质量的音乐作品。通过音乐美学在感知层的存在可以看出，符合音乐创作的表演的基本需求，有效落实音乐美学对音乐创作和表演的指导。通过音乐与网络的发展，为人们接触音乐作品提供了极大地便利条件，加对音乐作品的理解和记忆。人们在欣赏音乐时，要仔细品位与研究，而音乐作品留给人们的情感印象，就是音乐作品在感知层所体现的情感，将音乐美学思想灵活渗透在音乐作品之中，展现作品的情感内涵。

（二）意象层。

基于音乐创作者对音乐作品赋予的情感进行分析，意象层比感知层的深度更高一些。对于意象，主要是指想象中的存在，音乐美学在意象层中的存在具有一定的主观性[2]，个人要结合自身的主观医院来解读音乐作品。比如在聆听一首歌曲时，人们觉得好听，这就是对音乐感知层的解读，然而对于具体好的地方和存有的缺陷，不同人的见解是不同的，这种见解差异就是音乐美学在意象层存在的体现。音乐作品层次的构成主要包括感知层、意象层以及意蕴层，意象层在感知层和意蕴层的中间环节，发挥着承接的作用。要想将意象层承上启下作用充分发挥出来，主要是指意象层可以有效指导感知层的情感表达，并深化和升华意蕴层。音乐作品情感的升华属于循序渐进的过程，过程铺垫良好的情况下，听众可以在音乐情感不断深入过程中，进而满足音乐终极的情感目标。所以音乐创作者要具备丰富的音乐理论知识与技巧，并提高对音乐美学情感表达的高度重视，善于积累经验。音乐美学在意象层的存在，要求音乐创作者要注重实践，不断提高自身美学素养和音乐素养。在这一过程中[3]，有助于音乐创作者更好地表达音乐中的情感，并彰显一定的艺术气息。

（三）意蕴层。

对于意蕴层来说，在音乐美学存在方式中处于最高峰，不同哲学家或艺术家在意蕴层传达艺术情感方面，其表达方式存在着极大地差异。音乐创作者将对生命和生活的解读渗透到音乐作品之中，使音乐作品带有浓厚的情感色彩。对于一首经典的歌曲来说，好听是基础，更重要的是在于值得对该歌曲进行仔细研磨和品味，而在品味过程中，就是音乐作品第二层意象层所要表达的情感。例如：以《iwillalwaysloveyou》歌曲为例，该歌曲是当时热度极高的单曲，将歌曲中的意象表达地淋漓尽致，表达了人们对爱的追求与向往。针对意蕴层，很难找出一首共同意蕴层的音乐作品，但是由此可以看出音乐美学在意蕴层的存在方式，可以直达每个人的心灵。音乐创作者将自身的情感和灵魂通过音乐作品体现出来，可以增强听众的内心共鸣，感受到音乐作品所带来的强大魅力。基于音乐美学视角，音乐美学的最高层次着重体现出音乐作品对人性的思考与剖析等。

（一）加强对现代音乐美学的深入思考。

1.音高控制。在民族民间音乐发展过程中，要想顺应音乐发展的潮流，就必须要摆脱大、小调体系中存在的局限性，开辟出更为广阔的音乐语言天地。在丰富人的听觉感性形象和增强音乐表现力等方面[4]，要加强对现代音乐的探索。其中，利用理性设计作主导的音乐构成方法，可以充分发挥出音乐感性想象力和音响的影响力，保持理性与感性这杆天平的高度平衡。2.节奏问题。在节奏方面，现代音乐要善于突破传统音乐的束缚，增强音乐艺术的魅力，除了表现为丰富多彩、极具动力的节奏之外，也出现了一些动态化特征，比如跳跃、灵活等，进而为音乐表现力的提升创造了有利条件。然而现代音乐在节奏方面，也存在着推崇理性的倾向，为了能够突破传统节奏的样式，更好地满足现代审美需求，在听觉方面，诸多现代音乐对节奏提出了更为清晰明确的要求[5]，一旦超出演奏控制和听觉感受的范围，将会严重影响到审美作用的发挥。3.音色问题。在音乐发展历程中，音色也处于不断发展的过程之中，通过乐器的使用，突破了民族的界限，人类的乐器可以成为音乐可用的音色。在现代音乐中，音色使用的范围迅速拓展开来，诸多乐器都可以被视为音乐材料。在音乐创作中，音乐替代旋律、和声是顺应时代发展所需，然而现代音乐也存在的音色随意使用的现象，也就是过于强调音色的多样性，没有对音色的结合性给予高度的重视。在音乐发展历史中，音色变化是音乐作品的重要推动力，而随意使用音色损坏了作品良好的收听效果[6]，而且动力性也没有得到相应的体现，必须要高度重视这一问题，合理使用音色。

（二）通过音乐作品创作、表演、欣赏等方面来体现。

首先，在音乐作品的创作过程中，对于艺术家创作的音乐作品来说，大都经历了生活体验、记录乐谱等环节。艺术家在结合生活体验和具备完整构思以后，可以通过音乐将头脑中的东西进行传达。同时，艺术家还要对音乐作品的曲式和旋律等进行充分考虑，创造出独一无二的音乐作品。所以，在创作过程中，大致经历了非声音形态的表现对象-声音形态的听觉表象-形成作品乐谱等过程。其次，在音乐作品的表演活动过程中，可以感受音乐作品的存在方式。表演艺术家要想将音乐作品的独特性充分体现出来，要高度重视乐谱，在演奏之前，要深入分析和思考乐谱，将音乐符号转变为声音形态，通过演奏乐器或表演手段，可以实现单一声音形态向优美音乐形态的顺利转变。因此，在音乐表演过程中，音乐作品的存在方式经历了音乐符号-想象中的音乐形象-现实音乐作品等过程。最后，在音乐作品的欣赏过程中，听众在听音乐作品时，可以将听觉获得的旋律或节奏在大脑中进行整合[7]，加深对音乐作品的认知和记忆。在这个过程中，听众的心理活动经历了想象联想认识作品-增强对作品中情感的体验-形成对音乐作品的认知与评价等过程。

（三）注重审美与非审美的融合。

艺术作品属于有机整体之一，是审美和非审美的结合体。在同一艺术作品中，这种融合具有一定的倾向性，比如轻音乐或抒情曲等，着重体现出审美价值，一定程度上弱化了非审美价值。对于艺术作品中审美价值和非审美价值的融合，非审美价值功能往往融合于审美价值因素中，实现“寓教于乐”。因此，在艺术作品中，对于科学知识、道德伦理观念等非审美价值因素，要将其融合在审美价值层面，通过审美“过滤”，进而有效增强音乐作品的艺术魅力。并保持审美价值与非审美价值的高度协调与统一，两者缺一不可，如此才能创造出最为优美动听的音乐作品。

综上所述，基于音乐美学的角度，必须要对音乐作品的感知层、意象层以及意蕴层等存在方式进行深入分析，体会每一种存在方式中存在的差异，增强音乐作品的感染力和影响力。在音乐美学研究领域中，要提高对音乐作品存在方式的高度重视，并加强对现代音乐美学的深入分析，尤其在音高控制、音色以及节奏等方面，并借助艺术家的艺术创作、表演以及欣赏等方面来实现彰显出音乐作品的魅力，通过多种渠道来感受音乐作品的存在方式，增强听众的情感共鸣，提高听众的审美情操，在音乐作品中感受情感的流露与渗透，真正实现情感与音乐作品的完美融合于渗透，将音乐美学推向可持续发展的长远之路，充分发挥出音乐美学的价值。

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[6]李响。音乐与音乐作品存在方式之关系探微[j].大众文艺，2016,20:7-8.

[7]李昕。从音乐美学的角度谈音乐作品的存在方式[j].现代交际，2015,10:104.

音乐声乐论文篇十四

内容摘要：中国传统音乐源远流长，包含诸多审美品格，其美学思想博大丰富。“和”是中国传统文化意识与精神在美学领域里的集中体现，贯穿中国传统音乐美学的核心思想，构成了传统音乐特有的气质和艺术魅力。“和”在历史发展过程中形成了多种涵义，不同的时代、社会对其有不同的解释。

关键词：传统音乐美学思想审美意识“和”

中国传统音乐源远流长，其美学思想博大丰富。中华先民的审美意识可以追溯到未有文字记载的远古时代，从原始先民通过劳动摆脱了动物状态开始懂得装饰自己，便出现了最早的审美意识活动，其审美意识就已经产生了。在经历了奴隶社会、封建社会后，中华美学思想获得了蓬勃发展，形成了以审美意象为中心的传统美学思想。

中国传统音乐绵延几千年包含诸多审美品格，它是一定音乐思想特殊本质的集中体现，是音乐思想意识的结晶。一个国家、一个民族的思维习惯，对其审美意识的形成和发展有不可低估的作用。中华民族的传统思维习惯，决定了中国古代先哲奉行一种既对立又统一的思维方式，将矛盾双方作为一种内在的和谐，即中华文化传统“和”的精神。“和”是中国传统文化意识与精神在美学领域里的集中体现，贯穿中国传统音乐美学的核心思想。作为一种审美品格，“和”构成了传统音乐特有的气质和艺术魅力。“和”在历史发展过程中形成了多种涵义，不同的时代，社会对其有不同的解释。笔者将古代不同时期对音乐思想“和”的阐释作一梳理和简要述介。

“和”概念最早出现于春秋时期“和同之辩”的论争。《国语·郑语》载：“夫和实生物，同则不断，以他平他谓之和，故能丰长而物归之。”这里说明了在听觉感知上，只有不同的乐音组织相配才能生产美的音乐，相异的音乐组合在一起就能产生好听的音乐。这是从音乐审美的角度对“和实生物”规律的体验和理解。

春秋时期晏婴是一位大政治家、思想家，他对音乐有精辟的见解，曾说：“一气、二体、三类、四物、五声、六律、七音、八风、九歌以相成也。清浊、大小、短长、疾徐、哀乐、刚柔、迟速、高下、出入、周疏，以相济也。”将音乐各种特征的“相成”“相济”都归属到音乐审美的和谐统一之中。晏婴在谈音乐诸要素之间的谐和时，并没有忽视音声与人心的谐和关系。“先王之济五味，和五声也，以平其心，成其政也”，只有“和”的音乐才能使君子听了产生心平气和的感情。

先秦时期儒家学派倡导礼乐思想，对音乐所看重的主要是它的社会教化作用。他们对“韶”一类的雅乐推崇备至，认为“中和”的音乐是最能移风易俗具有教化作用的，讲究借中和的音乐修身养性。孔子认为思想的审美朴素之美，简朴之美，含蓄之美，是自然与人心的交融，主张在音乐审美中保持一种“和”的情感态度。孔子曾评价《关雎》“乐而不淫，哀而不伤”。他认为，音乐审美中的情感态度及其表现是中正平和的，也应当是适度的，有节制的，这同他的“中庸”哲学思想是一致的。

道家倡导“天地之和”的思想。老子崇尚朴素自然，追求平和；庄子认为主客体和谐产生美感，以内心纯朴自然性情的复归作为乐的实现，用乐调调和阶级矛盾，追求人类平衡，认为合乎其理想社会的乐，是具有自然无为，平和恬淡属性的“乐”。

汉代《乐记》从“德音”“中和”来看“乐”之美的社会属性与情感属性。只有具有“中和”情感特征的才是“和乐”，这就要求在情感表现上处于“中和”状态，“乐而不乱”“乐而不流”“刚而不怒”“柔而不慑”。

魏晋时期阮籍在其论乐专著《乐论》中，一方面以“和”作为乐的顺乎自然的本质属性，要求以协和阴阳的音声去适万物之“情气”，另一方面在音乐生活中继承乐教思想，要求“立调适之音，建平和之声”，制礼作乐“使天下为乐者，莫不仪焉”。嵇康在《琴赋》中以平和之声为琴音乐美的特征，在琴声具“自然之和”的基础上描写琴音的美妙。他讲的“礼乐之情”是以“乐之为体，以心为主”的角度讲“平和之乐”对人心的作用。

唐代白居易对琴乐审美问题上有较多论述，他视恬淡、平和为琴乐与“正始音”的音乐审美情感特征，以“淡”“和”为其审美标准。

宋代朱长文在“琴史”中以政不和故人心不和，人心不和故音不和的角度强调“乐之和”在于“正——心——音”之音的关系是否和谐。从音乐与人心的关系认为只有能够协调民心，“顺气正声、为群情之影响”的音乐才是“和”乐的，才是美的音乐。哲学家朱熹在《紫阳琴铭》中对琴乐审美明确提出“养群中和之正性，禁尔忿欲之邪心”，体现了他对琴乐中和美的认识，即“中和”美的实现有赖于通过自我修养达到人心之正性。

明代徐上瀛的《溪山琴况》是中国美学思想史最为重要、最具代表性的论著之一。《溪山琴况》提出二十四况，其中“和”是最为重要的审美范畴。《溪山琴况》开首即写道“稽古至圣心通造化，德协神人，理一身之性情，以理天下，人之性情，于是制为琴。其所首重者，和也。”这表明了“和”作为琴乐审美范畴，在《琴况》中具有其他诸况不能替代的地位。“和”在《琴况》中具有多义的内涵，如“和”况以琴乐陶冶人之性情，琴乐的实施目的在于使人心“和”，这具有社会伦理学的意义。“和”在《琴况》中与音乐审美理想有关，强调“和”的存在并不只是于技艺，要获得“和”之美存在的真谛要“不以情性中和相遇”。“和”是《溪山琴况》的主要精神，是贯穿其中的主要线索。

纵观我国古代音乐美学思想史，“和”在不同时代、不同历史时期人们对其有不同的解释。“和”是我国传统音乐美学中的优秀传统，至今这种美学传统仍普遍存在于我国民间传统音乐之中。但“和”又是相对的，随着时代的变迁、社会的发展，今日的“和”已不是儒家仅用于“雅颂之乐”的中庸之和，而是与多种非“和”品质相互融合的优美、平和、细腻的美学品格。

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音乐声乐论文篇十五

秦腔的独特风格就是人们常说的“慷慨激昂，苍凉豪迈”。这种独特的个性，是千百年来在西北这块独特的地域环境中形成和发展起来的，体现着西北文化的精神风貌和西北人民的个性与情怀。它特殊的艺术内涵和独立的美学体系，在中国戏曲史上占据着重要地位。我们振兴秦腔的一个重要目的，就是要努力保持其个性，使这一“地方文化名牌”在民族艺林中永放光芒。秦腔艺术的独特个性，主要体现在以下四个方面：

首先，体现在众多传统剧目上。传统剧目的题材基本上都是围绕着歌颂爱国主义、呼唤正义、惩恶扬善、扶正驱邪的，以反映重大历史事件的宫廷戏为主，并兼有家庭生活戏和神话戏。民间概括为“奸臣害忠良，姚婆毒先房，相公招姑娘，神仙斗魔王”，可谓形象、中肯。如秦腔的“江湖二十四本”：《春秋笔》《八义图》《回荆州》等；同州梆子的“八大本”：《赵氏孤儿》《鸳鸯被》《和氏璧》等；西府秦腔的，--十四大本”：《蛟龙驹》《劈牮山》《少华山》等；另外还有取材于神话故事的佛道戏：《黄河阵》《判官磨镜》《钟馗嫁妹》等。这些戏大都政治生活气息浓郁、情节生动、结构严谨、场面宏大、冲突激烈，注重唱念表演，因而其情节、气氛常常是大起大落、大喜大悲，表现出一种慷慨悲歌的大气势。从剧目表现的人物来看，基本上都是以帝王将相、烈士伟人。忠臣义士、孝子烈妇诸类有身份的、命运坎坷悲壮的人物为主。如《二进宫》《下河东》《李陵碑》等。因而在角色行当上常常以须生、花脸、正旦居多，表现出一种苍凉、悲壮、豪放的情感。从剧目的戏剧冲突来看，其火爆激烈之态势可以说居所有剧种之首，足显正义取之不易，邪恶根除之艰难。其明显标志是在剧名前多冠以杀、打、斩、战诸动词。如《杀驿》《打镇台》《斩单童》《战马超》等。如此称者，不计其数，因而演出中常有惊心动魄、振聋发聩之功效。这是与以秦地为代表的西北民族的传统的骁勇好斗、侠肝义胆、激情豪爽的个性分不开的。这些都说明了秦腔悲壮激烈的风格。我们振兴秦腔，就是要保持和发挥秦腔的这一鲜明个性。

其次，秦腔的个性还体现在它的传统音乐上。秦腔的.传统音乐是代表秦腔艺术风格的重要因素。戏曲各剧种的“四功五法”和舞美、服装、化妆等表现形式都基本一致，而惟独音乐和唱腔、道白有着大的差异，这种差异就将剧种区别开来。因此，可以说音乐是剧种之魂。秦腔剧种的音乐产生于三秦大地乃至西北地区传统文化的沃土上，受着周、秦、汉、唐文化的滋润，有着雄厚的底蕴，颇有雄浑昂扬、磅礴浩荡之大气势。它属于板腔体，以梆子按节拍，以板胡(过去是二弦子)、鼓板为主奏乐器，声腔体系分为“欢音”和“苦音”两种。欢音腔欢快明朗、刚健有力。长于表现喜悦、欢腾的感情；苦音腔则深沉、浑厚、高亢，长于表现悲哀、怀念、痛伤的感情。特别是苦音。更是本剧种个性色彩很浓的一种声腔。这两种声腔都是以“5”作为调式的主音，即“徵调式”，虽是徵调式，但唱腔的板头过门一般都属于“宫调式”，即以“1”作为主音。唱腔上，净角讲究“降音子”(行腔时把嗓音放开，到适当时加以收缩)，生、旦角讲究“二音子”(用假声窄音向上翻高八度)，声调激越动人。其独特的音乐旋律不仅令本地观众痴迷陶醉，也让外地观众乐于欣赏。建国五十年时，西安市青年秦腔团进京演出传统剧《火焰驹》受到首都观众的热烈欢迎，他们认为，秦腔音乐的味道浓，听起来特别带劲。《火焰驹》的音乐，基本是秦腔的传统音乐，晋京演出并未作大的改动，只是增加了一些配器音乐，使原来的音乐有所丰富。由此也可以看出：秦腔传统音乐的独特艺术魅力，要振兴秦腔和保持秦腔的个性，就必须要继承秦腔的传统音乐，不失其“原汁原味”。现在，有一些人认为秦腔的传统音乐是“老腔老调”，要振兴秦腔就要打破“老腔老调”。在此认识的作用下，搞出的唱腔往往严重脱离了秦腔的本体，从而失去了部分原本喜爱秦腔的观众。秦腔的传统音乐是三秦人民情感与精神的寄托，也是历代秦腔音乐工作者的智慧结晶，要想轻易摒弃它而另起炉灶，恐怕是不大容易的。秦腔在音乐唱腔上的改革一定要非常慎重，不能走得太快，否则就脱离了秦腔生存的土壤。其三，秦腔的个性还体现在它的地方语言上。秦腔的语言以陕西方言为基础，因其发音和吐字的差异而分为中路(西安秦腔)、西路(西府秦腔)、东路(同州梆子)、南路(汉调桄桄)。各路秦腔的语言虽然有所差异，但是却有一些共同特点。即发音为“满口腔”，吐字生硬板正，语音铿锵苍劲，语气硬朗结实，语调高亢激昂。这些特点较多地保留着上古秦声激越、昂扬的遗风。这种语言与秦腔音乐相融合，共同形成了秦腔艺术的声腔风格。中路秦腔以西安方言为吐字发音的基础，仍然保留着慷慨激昂的“秦声”遗风，具有阳刚之美。但是，随着普通话的普及和各地方言的相互交流与渗透，西安方言在吐字发音上也发生了很大变化。从秦腔演员平时的语言交流和唱念表现来看，目前已广泛吸收了普通话的吐字，摒弃了过去比较拗口的和流传范围狭隘的土语杂音，向着大众化、文明高雅的方向发展。例如：“全中国”旧读cuanzonggui.现读quanzhsngguo；“春色”旧读cinsei，现读chunse“度日”旧读douer，现读duri。这种发展变化随着普通话的普及还在不断深入，这无疑是人类语言的进步，也无疑是秦腔语言的进步。但是。我们一定要把握住一点，那就是秦腔语言独特的语音、语气和语调，目前还不能改变，因为它是秦腔区别于其他剧种语言的个性要素，是这些要素的存在才使秦腔的个性得以彰显。今后无论秦腔怎样发展，只要姓“秦”，这种语言个性就不能丢失。我们振兴秦腔，仍要保持和发扬秦腔语言的这一个性。

其四，秦腔的个性还体现在它的表演技巧上。秦腔在表演上也有自己的一套独特技巧。如：耍翎子、耍獠牙、咬牙、甩梢子、摇帽翅，以及真刀真枪打斗等，这也是体现秦腔个性的一个方面。但是，非常遗憾的是，现在某些技巧已不再使用了。听现在的一些老艺人讲，过去的演员都有一技之长，所以才会有“一招鲜，吃遍天”的演艺佳话。今天我们振兴秦腔艺术，也要继承、发扬秦腔的这一个性特色，使那些惊人的绝技和真功夫流传下去。

音乐声乐论文篇十六

摘要:。

在当前的音乐教育改革背景下,大连大学音乐教育专业声乐教学改革采取改变原有课程体系、改变教师声乐教学观念、改变学生学习方法、完善声乐教学条件等办法,旨在强化职业技能培训,培养高素质的师资人才。

声乐教学是以声乐演唱为主要内容的一种教育实践活动,是一门规律性极强的应用科学,也是高师音乐教育专业的一门重要技能学科。大连大学几年来积极进行声乐教学的系列改革,旨在进一步强化职业技能培训,培养高素质的师资人才。

长期以来,我国普通高校音乐教育专业声乐教学受专业音乐院校影响,教学观念、教学内容、教学方法、教学模式等都没有体现出自身特点。教育部制定的《全日制义务教育音乐课程标准》(以下简称《标准》)正式出台,强调以音乐审美体验为核心,使学习内容生动有趣、丰富多彩,有鲜明的时代感和民族性,重视音乐实践,提倡学科综合,鼓励音乐创造。

《标准》的提出不仅对我国音乐教育具有划时代的重要意义,而且对从事普通高校音乐教育专业声乐教学的广大教师提出了更高的要求。

这就要求学生不仅具备完成课堂唱歌、欣赏、弹唱等内容的教学能力,还应具备讲授科学声乐理论知识的能力,掌握科学声乐教学方法。因此,声乐教学改革力图探索新颖的教学方法,更新教学内容,实施多样化教学,采用集体课、小组课、个别课相结合,艺术实践课、多媒体教学等多种教学手段相配套,以弥补一对一授课形式的不足,从而提高教学质量,促进教学的改革和发展。

1.大量扩招,生源质量下降。

随着国民教育的发展,对音乐师资的需求不断增多。新形势下,大连大学音乐教育专业声乐教学出现了许多新问题,扩招生素质偏低给声乐教学带来难度,旧有的教学及管理模式与新形势不适应。

2.专业能力不强,忽视师范素质培养。

“合格”已不再是高水平的专业知识和技能,而是新世纪所需要的综合素质和敬业精神,仅仅上好专业课已达不到新的教学目标。

3.过多注重技术训练,学生综合素质不强。

音乐教育专业声乐教学在关注技术训练的前提下,应加强相关学科的综合素质。声乐教学不仅要弘扬我国民族声乐文化艺术,还要关注世界多元文化;不仅要提高专业综合素质,还要加强相关学科的综合素质(特别是艺术类学科);要与文学、历史、民族、宗教、民俗等紧密联系,使学生的人文内涵更加丰富和鲜明。

4.声乐教学内容单一,参与教学研究活动能较低。

一直以来,大连大学音乐教育专业声乐教学课程基本延用传统的声乐表演专业设置,尽管增设一些特色课,但也存在随意性设置的现象。课程设置显然是不全面的'、不适应时代发展要求的。经过改革后,确定了新的教学内容,更加突出了师范性。

1.社会经济文化等发展的需要。

随着改革开放不断深入,我国经济、政治、文化、教育等方面都有了发展与进步。无论在过去、现在还是将来,音乐教育对社会的影响都是非常重要的,人们需要多元文化的真、善、美来陶冶情操,提升精神境界,因而对声乐教学改革提出了新的要求。

2.全民素质教育的需要。

目前,我国教育模式更多倾向于理性素质的培养,但感性素质的培养更应得到重视。感性素质的培养只有通过艺术教育来实现,其中音乐教育起着重要作用。

3.高校新课程标准的需要。

新课标为大连大学声乐教学改革的发展创新提供了理论依据,使学校及学生真正认清自己专业的职能所在,并正确地规划设计,这是教好学好声乐,贯彻新课程标准的必要前提和重要手段。

1.声乐教学内容的改革与实施。大连大学在教学改革中,改变原有课程体系,强化各种演唱技巧及声乐基础理论学习。

新课程体系要求学生不但要加强声乐演唱的技能训练,还要学好声乐理论基础知识和声乐教学方法。学生不但要唱得好,还要懂得多、教得好。大连大学在教学改革中,采用理论与实践相结合的方法,首先加强音乐教育专业声乐教学的内容改革,加入声乐教学法的课程内容;加入声乐理论的课程内容;加强声乐教材的选编工作;加强音乐教育专业声乐教学的实践活动;加强音乐教育专业学生的舞台演出实践活动;积极开展教师声乐技能大赛;在确立声乐学习目标前提下,抓住发声训练与作品演唱,抓住声乐理论、声乐教学法,以及舞台表演、教学实习等环节,立案备课,有的放矢地实施教学。

专业声乐教学正处在高速发展和急剧变革的关键时期。一方面,高等教育对社会经济发展的先导性、全局性作用日益突出;另一方面,市场经济体制也日益深刻地影响着高等教育事业的发展。在这种状况下,培养专业音乐人才,切实提高教师声乐教学观也成为必要的趋势。