2023年声乐论文范文写作如何写(汇总19篇)

养成一个良好的学习习惯对于提高学习效果非常重要。总结要尽量简明扼要，不要过分啰嗦，言之有物即可。以下是小编为大家推荐的一些舞蹈教学资源和演出视频，希望能激发大家的舞蹈激情。

声乐论文范文写作如何写篇一

练声又叫练嗓子，是歌唱的一种基本功训练。在我国戏曲界，称之为喊嗓或吊嗓。经过一定时间的练声，可提高歌唱的技能和技巧。在歌唱前活动一下嗓音，练练声，好比体育运动员在训练、比赛前活动一下腰腿，避免运动过猛扭伤筋骨、肌肉一样。嗓音非常娇嫩，儿童的嗓音更加细嫩，一下子就过猛地歌唱，不利嗓音的保护。因此在歌唱前，有目的地练练声，是非常必要的。

要训练孩子的嗓音，发展他的歌喉，扩展他的音域，使他的声音优美动听，发声自如、圆润，气息深沉流畅，吐字清晰，就必须进行一些必要的技巧训练。要达到以上要求，必须通过练声曲，有的放矢地来进行训练。因此练声曲都比较短，旋律也较简单，而且针对性强，便于将精力(注意力)集中在需要训练的技巧上，所以通过练声曲来练声，是歌唱技巧训练的一种有效而必要的手段，也可以说是歌唱的综合性练习。

2.怎样练声。

根据先易后难的自然学习法则，练声可采用发声最自然的中声区为基础，逐步向上、然后向下做半音模进法移调进行训练。

根据孩子的不同年龄，要在音域范围上作不同的处理：3～4岁可在c调的“1”到“6”范围内练习，4～5岁可在c调的“1”到“7”范围内练习，5～6岁可在c调的“1”到“严范围内练习，7～9岁可在c调的“1”到“3”范围内练习。在各自的基础上通过一段时间的练习后，再逐步向上和向下做扩展音域练习。

练声时要用较慢的速度和中等音量，发声的位置要上下统一，气息要均匀，保持高音部位的发声位置。在练声时，要求孩子注意力高度集中，家长要认真地听孩子练唱。

行练声。结合所演唱歌曲的特点有的放矢地选择练声曲练唱，是大多数声乐教师常用的有效的方法。

声乐论文范文写作如何写篇二

美好的声音是歌唱的基础，这就要求歌唱者要掌握正确的歌唱方法和歌唱技巧，具备优美悦耳、表现力丰富的声音。然而，人的声音条件各有不同，只有不断加强学习，才能促进艺术修养及歌唱能力的提升，美好的音质可以通过后天的练习达到改善的目的。一个优秀的歌唱家，要树立声乐的专业敏感，适应非自然艺术化对于发声的要求，使其在艺术的说与唱中形成自然的活动反应。做好各种练声训练，从而达到声音美的目的。

2.演唱的“字”美。

声音是语言的载体，语言是声音的内容。歌唱脱离不了语言，字音的纯正与否是评价声音美的重要标准之一。演唱中每个字的字音结构各不相同，要做到吐字清晰，中华民族声乐唱法中就采用了“开、齐、撮、合”的吐字方法，配合科学的发声及共__鸣器官的美化和扩大，声音才会更加圆、柔、甜、美，给人以美的享受。演唱者在歌唱时，还要根据不同作品的风格特点，创设不同的咬字速度和力度，确保观众能够准确清晰地听清歌唱者的每一字、每一词、每一音，让听者充分领略作品最完美的意境。

3.演唱的“腔”美。

声乐演唱中离不开字正腔圆和依字行腔。要充分调动自身的文学修养和音乐修养，分析作品的曲式结构、调性、和声，研究词曲内在的逻辑性、作品的发展脉络和情感层次，将作品本身所附有的内涵与情感通过演唱表现出来。要根据字音的情感变化要求进行创腔的处理，将歌唱中的曲调、字调协调配合，充分发挥唱腔旋律的音乐情感和形象，展示出作品独特的艺术魅力，突出歌唱艺术的美感。

4.演唱的“节奏”美。

声乐歌唱艺术中的节奏因素，也是人们普遍认为的歌唱的最重要因素之一。事实证明，离开了节奏的依托，声乐旋律的表现就成为空谈。节奏是构建音高、调式、和声的载体。在声乐作品中，歌唱的节奏在结构上有着非常丰富、复杂的变化，歌唱者要充分利用声乐中作品的节奏来传递作品的审美价值，用丰富多彩的节奏来表现作品的艺术美感。

声乐论文范文写作如何写篇三

随着声乐艺术的普及,越来越多的人开始迷上声乐这门深奥、高雅的艺术。并且不仅仅停留在欣赏,人们开始自己学习声乐,表演声乐。对于声乐学习者来说,练声曲实质上决定着声乐学习者今后的演唱可以达到什么样的水平。训练扎实的基本功,形成一个良好的歌唱状态,有一个正确的声音概念,这比多唱几首作品重要得多。

练声曲(vocalise),即用一个或者多个元音演唱,无词的声乐练习曲或者音乐会演唱的练声曲。练声曲在声乐训中发挥了十分重要的作用。

一、练声曲在循序渐进的声乐学习中具有系统性、规范性。

常见的练声曲有:《孔空声乐练习曲50首》、《阿勃特声乐练习曲》、《哇卡伊实用声乐练习曲》、《斯皮格高级声乐练习曲集》等等。这些练声曲都是专业声乐教学系统中的重要教材。

这些练声曲都是声乐历史上的大师们为了解决各类声乐作品演唱所遇要的技巧和能力,根据自己学习过程中的经验和体会,系统的针对对音阶、音程、附点连音符、连音、三连音、半音、琶音、断音、滑音、重音、装饰音、渐强渐弱、声音的轻巧和敏捷性练习、华彩经过句等各种歌唱元素所创作的练声曲。同时这类练声曲还对音乐表情、速度、乐句的分局、换气等几号做了严格的要求和详尽的标示。

《斯皮格高级声乐练声曲集》这部作品包含了一套完整的课程,分为女高音、次女高音、女中音、男高音、男中音、五册,是声乐技巧的综合性练声曲。它是从大师们的训练和指导书中选出,并经过了先进的编排,它避免了缺陷,哪怕是最小的细节都得了足够的重视。当然这部作品不是为初学者编写的,在学完《孔空50首练声曲》等初级练声曲以后可以接着学习这部作品。经过斯皮格精心的挑选、完美的编排,最后形成了一套完整的高级练声曲教程。他要求学生必须严格按照顺序演唱这些练声曲,并且不能够忽略任何一个练声曲,因为这些练声曲都经过了精心、系统、科学的安排,否则将会产生一些不良的后果,其循序渐进的系统性、规范性可见一斑!

二、练声曲能够解决各类声乐作品演唱所需要的技巧和能力。

声乐练声曲还包含了各种各样的技术难题,在解决时有较强的针对性。每一个演唱者的条件各不相同,水平也高低不等,因此才会有花腔、抒情、戏剧之分。但也正因为如此容易使人产生一种片面的认识,认为灵巧弹性是那些花腔女高音的专利,也因此使自身声音上的潜质没有得到更好的发展,其实对一首抒情歌曲的完美演绎,灵巧弹性也是必不可少的。因此我们应该对自己声音上的某些倾向给予足够的重视,拿出一定的时间对这些技术难题作专项的练习。比如在《斯皮格高级声乐练习曲集》中,我们会发现有专门针对连音、顿音、颤音、切分音、符点音、三连音的等等的技术练习。这些练习既有很强的针对性,又有很强的趣味性(练声曲的形式很有吸引力:旋律优美、节奏富于变化、伴奏织体的巧妙结合),相比那些简单的练习,能够最大限度地调动演唱者的歌唱主动性,思维也较为活跃,感知较为敏感,善于抓住发声练习中的闪光点,慢慢地把这些瞬间的感觉转化为自己的东西,演唱歌曲才能得心应手。

三、练声曲有利于培养歌唱者的情感表现。

声乐练声曲具备了一定的音乐属性,具有完整音乐内容、结构,目前对它的研究与分析更接近于歌曲,如我们常用的《孔空练声曲》大都乐思完整,因此每一首练声曲都包涵着一些作者的情感。因此在练习过程中,我们要注意根据声乐练声曲中速度、力度、渐强减弱、连线、顿音等等表情记号的提示,努力地调整好声音上的细微变化,并通过这种变化来表现作品中的思想感情。不能练声的时候只是单一的练声,而应该对自己作出“声情并茂”的`要求,因为音乐的情感表现是无处不在的。

四、练声曲能够从根本上解决咬字发音的问题。

除了正确的发音之外,准确的咬字是歌唱的一个很重要的环节。通常说“字正腔圆,声情并茂”就是这个道理。宋承宪教授编著的《歌唱咬字练声曲4首》汇集了他多年的教学经验。此练声曲按十三辙的类别对汉语语言结构进行正确的剖析。对出声引腹归韵的咬字过程的训练设计的特别到位,并且4首练声曲全部由宋承宪教授自己编曲。所有练声曲与歌词的结合都经过了缜密斟酌。对声乐教学培养学生汉语咬字发音的基本功有着十分重要的意义。石惟正教授编著的极具民族色彩的《晨声69声字结合练声曲》将西方主要的几种语言中的元音音素与汉语的元音音素对比练习,既有利于西方声乐作品演唱的咬字发音,也有利于中国声乐作品演唱的咬字发音。

五、练声曲有利于激发歌者在声乐学习中的主动性和积极性。

练声曲是一种具有吸引力的特殊形式的声乐作品练习,与那些简单的声乐练习相比,它能让歌者在学习和歌唱时得到更多的乐趣。

结论。

在我国声乐教学练声曲至今还没有形成系统的、规范的体系。在我们的练习中存在着很大的随意性和简易型,充分认识练声曲在声乐学习中的作用,正确的使用练声曲,是我们学习者面临的首要问题。根据自身的条件和水平,准确的选择适合自己的练声曲,通过循序渐进的练习才能更快的提高自己的演唱水平,才能使自己具有更好的演唱大作品的能力。

参考文献。

[1]林梅.论练声曲在声乐教学中的作用[a].山东艺术学院.艺术百家[j]济南:,06.

[2]弗·兰皮尔蒂,李维渤.嗓音遗训[m].上海:上海音乐出版社,.236.

[3]杰罗姆·汉涅斯,黄伯春.大歌唱家们谈精湛的演唱技巧[m].北京:中国青年出版社,.133.

声乐论文范文写作如何写篇四

学习声乐，背乐谱也是一件不容易的事情。如何快速背乐谱?是有方法可循的。

每次学生在课堂上背谱背得结结巴巴，都会这么说：在家背都好好的啊!现在换了地方又换了古筝，又有老师坐在旁边，不习惯嘛!

如果你背谱的方式跟大部分的人一样，都是从头到尾弹他个一百遍，弹到自然背起来为止，我想你也一定常常遇到相同的状况!

所谓背谱，不是只有耳朵把旋律记住了，也不是只有靠手指把弹筝的动作位置记起来而已，真正要「会背」，其实是很全方位的。耳朵，手，眼睛，脚，呼吸，还有脑袋里面理性分析的部分，以及音乐上感性的部分，全都是背谱的一部份。这些条件全都具备了以后，不管在哪里弹，谁在旁边看，都忘不了谱!

要能这样全方位地把乐谱背下来，其实是需要一些方法的。

首先，背谱一定要分段。先将乐曲作个简单的分析，如果曲式很清楚，例如奏鸣曲式，旋曲式，就用乐曲本身的曲式段落去分段或分句，一次背一段，而且在背的时候脑子里要知道自己现在背的是什么段落或是句子，比如说是呈示部的第一主题，或是结束句之类的。下次背了下一段之后，再试着跟前面背过的段落接在一起弹，由小到大慢慢把曲子完整地累积起来。

万一这首曲子的曲式很复杂，或是有一些非常现代的曲子，很难分析到让自己记得住，用自己的方法来分出一些段落也没关系，例如把曲子说成一则故事，让音乐跟着故事走，也是可行的方法。

脑子里除了要有乐曲的基本架构，也要弄清楚连接每一段之间的过渡句，或是引导转调的和声进行。例如有一些奏鸣曲式的呈示部和再现部其实像得不得了，要是没记住关键的那几个音你可能就永远弹不完这个曲子，所以要把这些地方挑出来，仔细地去练习分析然后记住，随时知道自己弹到哪里了，用脑子带着手和身体其他部位弹下去，才不会一旦失了神就不知道怎么接下去。

也因此，练习的时候不要每次都从头弹到尾。不管弹再多次，你都不知道曲子的架构是什么，听起来很像的段落到底有些什么不同，上次弹错的音这次还是错，那时间就白花了。要一段一段地去把音乐处理好，把错误的地方确实地订正过来。这样做的好处是，万一你在台上真的忘了谱，只要每一段都练得够熟，你一定可以找得到段落再接下去，不会愣在古筝前面不知如何是好。

造成喉音的原因是喉头，颈部肌肉和下腭肌肉过分紧张，舌根过于隆起，没有用呼吸来支持声音，往往是片面的追求唱得高，唱得响，而错误地用喉咙去操纵、控制声音。因此，这样硬挤出来的`声音是生硬、不悦耳的，而且歌唱不能持久，声音容易发哑。造成鼻音的原因是呼吸基础不好，因此软腭低垂，在发声时不能提起，加上舌的中部隆起，阻挡了咽部与口腔的通道。鼻音缺乏必要的口腔共鸣，使声音仅能通过鼻腔而造成混浊不表的鼻音。用鼻音发声，音色不够明亮，缺乏表现力。

羊声是一种不正确的颤抖音。经过训练的歌唱者，在发声中可以得到一种悦耳、动听的美声颤音(又叫做“声流振波”)，这种最佳的歌声波动大致是6-7次/秒。如果波动速度过快，听起来就不舒服。有的歌唱者为了获得声音的颤动而故意抖动咽喉肌肉;有的歌唱者则是因呼吸肌群的张力控制不好，致使声音摇晃不定。这种不自然的颤动，严重的有如羊的叫声，影响了歌唱的表现力。

所谓白声，是指表声过于直率，气息太浅，以致声音显得平淡乏味，缺乏圆润、明亮的共鸣，特别是韵母在引长时没有保持其特定的口形。造成白声的主要原因是由于颌关节不够灵活，嘴巴不能灵活而自由地开启和闭合(主要是下腭的动作迟钝、不灵活所致);嘴唇拘束，不能活泼地动作，舌头僵硬，不能自然地安放。

有的人不懂得用优美、柔和、富有表情的声音来唱歌，而是用大声喊叫发出来的声音唱歌，过多地去唱自己力所不及的高音，往往唱得面红耳赤、颈部青筋暴起。对于歌唱者来说是极其有害的，必须竭力避免。因为这种大声喊叫会使声音变为紧张、粗暴，唱不多久，声音就会嘶哑，甚至会使声带充血、发炎、毁坏发声器官的正常机能。产生这种大声喊叫的原因，主要是他们的声音没有经过必要的训练，以为歌声的响亮、雄壮，是靠喉咙用力喊叫出来的。

声乐论文范文写作如何写篇五

摘要:高校声乐教学的目的是培养人才,培养的过程应该运用科学的教育方法,笔者通过多年的教育经验,提出了整体教学法,这是一种以声音为媒介,整合文化修养、心理素质和歌唱技术等多方面的教学方式,有利于学生综合素养的提高。

关键词:声乐;整体教学;教学方法。

声乐训练是由歌唱者自身的嗓音生理条件、声乐技巧、心理构成、艺术修养等共同构成的统一整体,这些整体的各个部分之间是相互交叉、相互影响的。本文提出的声乐整体教学法,就是为了更好地处理声乐教学中的整体和部分的关系,在声乐的训练中,将生理、心理和情感共同结合起来的体系教学方法,通过教学,使呼吸、共鸣、发声器官与良好的生理状态以及对音乐准确表达等诸多影响声乐的因素能得到配合和协调,从而让歌唱者达到歌唱的最佳状态。

一、声乐整体教学法的意义。

1.声乐整体教学时声乐教学的重要方法。

在一般的声乐教学中,我们的教师都比较注重的是学生技能方面的培养,如呼吸、吐字、共鸣等,这种具体方法的研究和对声乐的塑造虽然是声乐训练中不可缺少的环节,同时还需要的`是一个整体的教学观念来对教学进行整体的把握,我们对于所要达到的教学目标、所要培养的学生那些方面的能力,要传授的知识,以及所要借助的各种教学资源,都有一个宏观的控制[1]。这样才能能够居高临下的把握教学中的每一个知识点、每一个能力点,调动每一种教学资源。为声乐教学目标的全面、深刻理解,为教学资源的充分利用,为教学过程的流畅连贯,打下良好的基础。

2.声乐整体教学有助于学生歌唱水平的提高。

声乐的整体教学方法,针对的不仅是音乐的发声技巧,还包括歌唱的整体结构、艺术形象、情感表达等方面的把握,通过运用整体教学法,可以提高歌唱者对气息的控制、共鸣的控制、音色的锤炼、字正腔圆的把握以及艺术的表现能力等,同时通过课堂教学的艺术实践,训练和强化学生对歌唱艺术的感知、想象和理解等心理能力,这也使得歌唱者以自己的艺术审美观为尺度,对声音的表现进行选择,通过与作品所提供的情绪交融,才能以最好的状态表现作品。

3.声乐整体教学是对学生艺术修养的培养。

很多人形容一个人的唱歌都用“用心来唱”来形容,一个对音乐没有心理感受的人,是无法表达出作品中蕴含的情感和音乐的内在美,又如何能唤起观众的审美感受,所以艺术修养的培养是一个歌唱者成功的关键。歌唱的技巧训练过程是一个艰苦的过程,要对音色、音质、音准等音乐基础和音乐思维进行训练,同时学生在生活和学习的过程中,不断端地受到外界文化、环境的熏陶,在艺术的实践中逐渐形成敏锐的审美感知能力和艺术修养。

二、声乐整体教学方法。

声乐艺术随着时代的发展也在不断地发展、更新其内容,现代的声乐艺术范围比较广泛,包括了语言、旋律、声腔、器乐、动作等与之相联系的概念,当然与之相应的声乐教学应该是一个对学生声乐技巧、艺术修养、心理素质等综合能力进行全面培养的过程。

1.演唱技能。

声乐教学的内容,包括有歌唱基础知识讲授,呼吸、发声等基本技能训练和不同的歌曲演唱方法及技巧练习。但是其最核心的本质内容和最基本的教学目标无疑是通过声乐作品的演唱,使学生能够用自己的歌声把歌曲的情感内容生动、准确地表现出来,从而逐步掌握和提高声乐的演唱技能技巧。因此,对歌曲情感、意境、艺术风格的认识与把握是声乐教师在教学中特别注意的内容[2]。

由于每个人的生理条件不同,嗓音也有差异,在声乐教学中整体训练尤为重要,它不仅包括歌唱呼吸的整体训练、歌唱语言处理,歌唱心理的训练等,更重要的还是歌唱的训练。从开始练声起,就要同音乐结合起来,即练声也要有良好的乐感。音程、音阶的练习中,一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习,同时它们又都是乐曲的组成部分,要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始,要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到,在歌唱发声的过程中,呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不可,它们是相互联系、相互促进、相辅相成的[3]。

2.心理素质。

歌唱是一种富有情感的艺术,是以声音为工具的人类精神唤醒及生命升华的展开形式,充分体现了人类情感表现的自我创造与追求,是情感的美化和升华。声乐教学实践证明,情感是歌曲的艺术生命,是声乐教学的灵魂。因此,如何激活歌唱学习过程的情感心理,自然成为声乐教学的主要内容。一个歌唱者既使声音再漂亮,高音解决的再好,可是连歌词都不认识,根本不了解词作者写的是什么意思,怎么能唱好作品呢?顶多算是个发声机器;一首再好的歌,它的词曲终究只是写在纸上无生命力的东西,要靠歌唱者创造性的劳动,才能将它唱活。一个好歌手能用自己的生活经验,文化修养和丰富的想象力,对歌曲细致的分析,在体会歌曲内容与情感的基础上,进行加工自理用深切的感情,充沛的激情的咬字、吐字、共鸣、用气,精巧装饰等声音技巧,将歌曲内容深刻地有特色地表达出来。当我们教授声乐课时,如果在歌唱前先让学生充满激情地朗诵歌词,同时也是体会和酝酿感情过程,根据歌词的内容和词作者的情绪,使用抑、扬、顿、挫的声调和字的喷口力度,形成自如生动、富有感染力的语气[4]。并在此基础上,鼓励学生把握歌唱内容所要求的总体形象,在脑海里形成“内心形象”,从内心视觉、听觉上感受音高、节奏、发音及内容表达的理想效果,引导学生感受音乐,表达情感,积极地投入歌唱———即“以情带声”的歌唱。它就好像讲故事时的高低起伏,抑扬顿挫。

3.文化素养。

文化素养的培养包括高尚的品格、广博的知识和丰富的生活体验。我们声乐教师对学生的教育应该努力追求真善美,鼓励学生做一个积极开朗、爱憎分明、善解人意、热爱生活、热爱生命的人,使自己的人格变得崇高。人品既高,艺术观、审美观就有了品位,那么技艺就不得不高,歌声才能打动人心灵,震撼人的灵魂。当一名声乐学生学到了一定程度之后,如果没有较深的文化修养,就会感到很多东西理解不了,很难继续学下去了,现实生活中这样的例子比比皆是。只会发声练习,加上歌词、旋律和伴奏就唱的面目全非,一踏糊涂,永远不能完整的唱好一首歌,永远不能登上真正舞台的人大有人在。要培养学生的文化素养,教师应该指导学生从了解歌曲作者背景与艺术历程,了解歌曲的艺术风格,包括个人艺术风格、地域风格、时代风格和流派风格等入手,启发学生的求知欲望,由此多了解它文化和艺术的相关知识,如历史、文学、哲学、美术、舞蹈等[5]。文化修养是声乐艺术的灵魂,只有努力吸取人类文化的宝贵营养,才能达到触类旁通,获得灵感。

总之,通过整体教学法,可以培养学生的演唱技能、心理素质和文化素养,从整体上提高学生的素质和艺术水平。

声乐论文范文写作如何写篇六

儿童如何学习声乐?有什么技巧?下面一起跟小编来深入了解下吧。

对于一个初学歌唱的孩子来说，保持正确的歌唱状态、掌握正确的呼吸及用声是相当不易的事情。老师在练声时应该根据孩子的具体情况选择合适的练声曲，使孩子建立正确的声音概念。声音训练主要包括呼吸、发声以及共鸣三个方面。

呼吸是歌唱的动力，歌唱的支持力。歌唱的呼吸与生活的呼吸是有区别的，一般采取胸腹式呼吸。首先是吸气，在做呼吸练习时，先做好正确的演唱姿势，保持腰挺直，胸肩松宽，头自如，眼望远处，从内心到面的表情都充满情意，然后，“痛快地叹一口气”使胸部放松，吸气时，口腔稍打开，硬软腭提起，并与提眉动作配合，很兴奋地以后腰为主，将腰围向外松张，让气自然地，流畅地“流进”使腰、后背都有“气感”，胸部也就自然有了宽阔的感觉，比如用“打呵欠”去感觉以上动作。 但呼气时不准过深，否则使胸、腹部僵硬，影响发声的灵活和音高的准确，吸气时不要有声响，反之不仅影响歌唱的艺术效果，还会使吸气不易深沉，影响气息的支持。

发声练习是歌唱发声的一种综合性基本技能的训练，学习唱歌必须以最基本的发声练习开始。

1)、做获得气息支点的练习，体会吸与声的配合，利用科学的哼唱方法，体会并调节自己的歌唱共鸣。

2)、学会张开嘴巴唱歌，上下齿松开，有下巴松松的“掉下来的感觉”舌尖松松地抵下牙。

3)、气息通畅的配合，发出圆润通畅自如的声音。

儿童的共鸣腔体与成人没有本质的区别，也分别由胸腔、口咽腔、头腔三部分组成，区别于成人的只是儿童的身体尚未发育成熟，各共鸣腔体较小而且稚嫩，这使得童声有一种天然的明亮、单纯而且动人的音色。

对于任何乐器而言，音准都是其质量的第一检验标准。没有音准，一切都无从谈起。有了“音乐的耳朵”才会唱出动人的歌声。音准训练主要包括音乐基础理论、视唱练耳、节奏等方面。

音乐基础知识也就是我们通常所说的基本乐理，是音乐共同基础课。凡是学音乐者，人人都必须学习的。基本乐理主要包括：乐音体系、记谱法、音调、音程、旋律等等。对于儿童来说，主要是学习识谱。

视唱练耳是学习音乐所必修的一门基础课程。主要包括视唱和练耳两个组成部分。通过市场训练使学生掌握音乐的一些基本要素，如音高、调式、音阶、节拍、速度、力度、表情记号等。通过视唱不但提高学生的读谱能力，同时发展学生的内在听觉和音乐记忆力，增强其音乐感。通过视唱大量优秀的乐曲给学生留下深刻印象，积累丰富的宝贵乐汇，为其其他的学习(比如声乐、器乐)打下坚实的基础。

对于学习声乐的人来说，掌握好歌唱的语言是非常重要的。如果忽视语言，字吐得不清楚、不准确，则同时也影响了演唱的效果。所以必须要注意咬字、吐字的清晰，正确地掌握语言的回声，明确汉字语言的结构规律，将歌曲曲调与咬字吐字结合起来练习。练唱时，将每个字按照出声引长归韵的`咬字方法，先念几遍，再结合发声练习，以字带声，力求做到字正腔圆，声情并茂。歌唱艺术是声音与文学相结合的艺术，我们唱好歌曲，不能只讲声音，不讲感情，反之也不行。所以学习唱歌，不仅仅只是唱谱面上“死的”音符和歌词，我们还应对歌曲的思想内容、表现手法以及词曲作者、歌曲的时代背景，有个全面的了解和分析，再进行适当的处理，把歌曲的艺术形象准确完整地再现出来，达到以情带声，声情并茂。

儿童学声乐不应该是仅仅学会几首歌曲，而应该是建立正确的声音概念、掌握科学的唱歌方法(当然这需要一个较长的学习过程)。授人以鱼不如授人以渔。这样在遇到新的歌曲时，孩子自己就会处理它，演绎它，这样孩子的声乐水平才能达到一个新的高度。

随着科学技术的日益发展，儿童学习声乐不应该停留在古老的学习方式上，而应该与科学设备相结合。如深圳首家自带录影棚的深圳少儿艺教中心开设棚室教育课程，让孩子进入录音棚学声乐，不仅能听到自己的声音，接受老师进行嗓音分析制定的学习计划，还能体验到成为小歌手录制音乐的乐趣。

声乐论文范文写作如何写篇七

一、呼吸训练。

有的人讲话或唱歌声音洪亮、持久、有力，人们赞叹说，他(她)"中气"很足，相反，有的人说话或唱歌音量很小，有气无力，上气不接下气，像蚊子嗡嗡叫一样，使人难以听清，这种人则"中气"不足。其间除了身体素质的区别外，还有一个气息调节技巧问题，即呼吸和讲话的配合、协调是否恰当的问题。

1、正常情况下，说话是在呼气时而不是在吸气时间进行的，停顿则是在吸气时进行的。如果是持续时间较长的讲话或朗诵，必然要求有比平时更强的呼吸循环。

讲话时的正确呼吸方法，应当采用由胸腹式联合呼吸法(也称丹田呼吸法)，即运用小腹收缩，靠丹田的力量控制呼吸。郭兰英在谈到运用这种呼吸方法时说："唱歌时小肚子常是硬的，唱的越高就越硬"。

胸腹式联合呼吸介于胸式呼吸和腹式呼吸两者之间，是二者的结合。具体方法如下：

(1)、吸气：小腹向内即向丹田收缩，相反，大腹、胸、腰部同时向外扩展，可以感觉到腰带渐紧，前腹和后腰分别向前、后、左、右撑开的力量。用鼻吸气，做到快、静、深。

(2)、呼气：小腹差不多始终要收住，不可放开，使胸、腹部在努力控制下，将肺部储气慢慢放出，均匀地外吐。呼气要用嘴，做到匀、缓、稳。在呼气过程中，语音一个接一个的发出后，组成有节奏的有声语言。

这种呼吸方法可以使腹部和丹田充满气息，为发音提供充足的"气"，同时，由于小腹向内收缩，胸前向外扩张，以小腹、后腰和后胸为支柱点，为发音提供了充足的"力"。"气"与"力"的融合，为优美的声音奠定了坚实的基础。

2、在讲话过程中，要处理好讲话和呼吸的关系，必须注意：

第一，尽可能轻松自如，吸气要迅速，呼气要缓慢、均匀，吸入的气量要适中。

第二，尽可能在讲话中的自然停顿处换气，不要等讲完一个长句才大呼大吸，显得讲话很吃力。还要根据自己的气量来决定是否用中途不便停顿的长句，不要为了渲染和曾强表达效果而勉为其难地为之。那样，会适得其反。

第三，尽可能时讲话时的姿势有利于呼吸。无论是站姿和还是坐姿，都要抬头舒肩展背，胸部要稍向前倾，小腹自然内收，双脚并立平放。这样发音的关键部位胸、腹、喉、舌等才能处于良好的呼吸准备和行进状态之中。呼吸顺畅，方可语流顺畅。

3、练习呼吸的方法有很多，主要有：

(1)闻花香：仿佛面前有一盆花香花，深深地吸进其香气，控制一会儿后缓缓吐出。

(3)咬住牙，深吸一口气后，从牙缝中发出"咝————"声，力求平稳均匀持久。

(4)数数：从一数到十，往复循环，一口气能数多少遍就数多少遍，要数的清晰响亮。

(5)用绕口令或近似绕口令的语句练习气息。如：

出东门，过大桥，大桥底下一树枣儿，拿着杆子去打枣，青的多，红的少。一个枣儿，两个枣儿，三个枣儿，四个枣儿，五个枣儿，六个枣儿，七个枣儿，八个枣儿，九个枣儿，十个枣儿``````这是一个绕口令，一口气说完才算好。

开始做练习的时候，中间可以适当换气，练到气息有了控制能力时，逐渐减少换气次数，最后要争取一口气说完，甚至多说几个枣儿。

二、声带训练。

在通常情况下，人们说话时，声带的振动频率大约在60-350赫之间。声带的振动频率决定了发音的音响、音高、音色。声带对发音起很大的作用。，声带的好坏，既有先天因素，也靠后天的训练和保护。注意恰当的训练与运用声带，改变声带条件，保护声带，都是提高语音素质的重要方面。

1、声带训练。最基本的方法是，清晨在空气清新处"吊嗓子"：吸足一口气，身体放松，张开或闭合嘴，由自己的最低音向最高音发出"啊"或"咿"的连续声响，。还可以做高低音连续变化起伏的练习。

2、声带运用。声带运用要科学，得当。这主要是指：

第一：在长时间计划之前，声带要做准备活动，犹如赛跑前韧带要做准备活动一样。方法是:将声带放松，用均匀的气流轻轻的拂动它，使之发出细小的抖动声，仿佛小孩子撒娇时喉咙里发出后的那种声音。可以逐渐加大到一定分量，使声带启动，以适应即将到来的长时间运动。

第二：在人数较多或场合较大的地方讲话时，发音要轻松自然，处理还节奏，停顿，特别是起音要高低适度，控制好音量，充分利用共鸣器的共鸣作用，要运用"中气"的助力来说话，不能直着嗓子叫喊，否则，声带负担过重，会导致声带很快不堪重负，变得嘶哑，影响效果。

3、声带保护。为了保护自己的嗓子，要有意识的少抽烟，喝酒，甚至，不抽烟，不喝酒，少吃或不吃有强烈刺激性的食物，那些对声带都有不良影响。不喝过烫或过冷的汤水。

声乐论文范文写作如何写篇八

很多学生都说自己很喜欢唱歌，声音条件也还可以，但是就是学习不好声乐，是什么原因呢?那么到底怎么样才能学好声乐?下面小编就来和大家说说吧!

很多的学生唱歌的时候很松懈，这样是唱不好歌的。要站直，要平均站在两腿的支持力量上。头的位置比身体的位置更重要。有人唱高音时把头抬起来，似乎唱上去省些劲，事实并非如此。头抬起来高音紧了。喉咙也会发紧，不松。正确的是：头应稍低，但别太低。头部有很多共鸣，声音在头部产生共鸣，声音就大。头的动作要与旋律相反，越高头略低，声音好象下到胸腔里去。

歌唱时，尽量避免用那些与唱无关的肌肉，控制呼吸用横隔膜时尽量不牵扯到其它肌肉，不要象搬东西那样使劲，那样会将所有的腔体关闭起来，把声音也关紧了。唱的时候不要紧张，自然的唱，肩部要放松，不要有小动作，唱时只用横隔膜。

很多的学生可能会觉得奇怪，怎么样才叫大考喉咙?其实，打开喉咙很简单，当你困时，一面讲话一面打呵欠，这时候喉咙就打开了。打开喉咙比打开嘴巴更重要!这样唱起来的声音比只张嘴不打开喉咙的声音更亮些。所以，嘴要与喉咙一起张开，最好后面张得更大些!如同用一个倒立的漏斗，大口一方在颈部喉咙处，漏斗尖在面罩处。如果声音位置已全部进入面罩，声音就能从最轻逐渐唱到最强。 注解：只张嘴不开喉咙： 前嘴 后嘴嘴不大，但开喉咙： 前嘴 后嘴(倒立的漏斗)

歌唱时声音好象放电影一样，声音要有共鸣，焦点要集中，集中在面罩，太远、太近都不行。每个人都有自己做好的发声焦点，焦点集中了，声音会越来越大;没有焦点的声音就散了。要求声音大，不能一天就摆出一个架子，开始时共鸣点要小，然后扩展开来，越唱越大。 这种发声方法，声音小，好象灯后面有面镜子，可以使光照得更远。头额、鼻窦等处都是空的共鸣腔，要尽量利用。

歌唱时，要用躺着睡觉时的呼吸方法在胸式呼吸和腹式呼吸(横隔膜)中，我更倾向于腹式呼吸，这样可以吸得深。且快。但无论哪种呼吸，不可二种同时用!这样是矛盾的，如同一脚踩刹车，一脚踩油门。

你先找到最好的音以后然后顺着往上、往下去唱，嘴、喉咙位置都不要移动，在唱邻近的音时尽量体会，尽量模仿那个最好的音，这就叫"自我模仿"。每个人都要有"声音的记忆"。要特别注意嗓音、喉部的感觉。歌唱是很抽象的，一定要注意咽喉肌腱等发声器官的技能状态。声音的记忆，不光指音调，而是包括音质、音色、力度。要追求上中下声区的统一。

首先，喉部肌肉要使喉结稍下来一些，这样在声音的圆润性、音量等方面比往上的好。其次，唱歌时，要保持一个气柱，与自然嗓音相反，在有气柱的基础上，越到高声区声音越宽、越响。 我所说的打开喉咙，就是让喉咙打开，使声音不受压制、不受干很自由的出入，打开鼻腔、进入头腔，自由地振动起到共鸣。要有呼吸支持，得到最大的共鸣效果，而不是说打开喉咙后压、挤，声音发白。如果我们能找到一个正确的位置，声音就自动的、正确的进入面罩。

声带如同橡皮筋，既能拉长也能撑宽。但如果一个人不是正常发挥自己真正的音质，而是故意的撑大中、低声区的声音，这样高音是无法唱上去的.。即使唱上去，发出的声音也是大摇大摆的。正确的声音位置是：按高声区声音的宽窄极限与高位置，去定中、低声的声音音量及位置，而不是将中、低声区的声音故意撑大个音的往上练，唱第一个音时，喉结放下，再往上唱第二个音，控制喉结不动，练好了第二个音，再往上练第三个、第四个，逐步增加。

喉头两侧颈部肌肉有力，是要求两侧的肌肉帮助喉头打开，而不是将喉咙捏紧。正确的打开喉咙是感到颈部往四周扩张。最简单的办法就是，用自然的打哈欠的感觉去讲话，去唱歌。还有一个办法，就是歌唱发声时的嘴形要呈微笑状。撅嘴、拉下巴使口形成竖椭圆形，喉咙容易发紧。

中、低声区的声音，要与高声区一样宽，就容易过渡，如果下面搞得太宽，撑得太大，到过渡音就难以过去。在低声、中声区开始往上唱时，要先想好高音的声音位置，按这个声音位置唱，就能顺利过去。因为声音的位置始终保持在面罩共鸣里。唱过渡音时，不要使劲用力，要唱得柔和而顺利完成。

声乐论文范文写作如何写篇九

声乐是以人的声带为主，配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息，发出的悦耳的、连续性、有节奏的声音。那么声乐演唱如何运气和放开声音?下面请随小编一起了解下。

1、使舌头成尖状(舌尖做成尖状，大家可以对着镜子练)然后舌面放松，平伸出口外。

2、伸出的舌尖收回，抵住下牙根。

3、然后使舌前的四分之一处形成横沟，

以上4个动作要练到可以在十秒钟内连做十五个回合，这才算合格，

注意：掌握“舌头功”这几个动作要领有一点的难度，最好准备好一根筷子用以触动，帮助舌头;有些人可能练个3、4天也没有明显收获，有些开始练习时有呕吐感，有些时候甚至把舌头扎痛了也得不到感觉，希望大家要有耐心，也要有信心。

    “狗喘气”顾名思意，就是像狗一样“急呼急吸”——呵!家里有狗的就赶快“拜狗为师”吧，学学它是怎么呼吸就行了，当然还得在腹式呼吸前提上做这个练习。感觉是“一吸一松，一吸一松(呼)”重点感觉“吸”的动作。

咽音均要出自气泡音，是由最大的气泡开始，转小气泡，最后通过密集的气泡发声。

    放松面部、颈部和胸部肌肉，使其出现懒散状、困倦状，把注意力集中在 气息的微量支持上，也就是用气不能多，但气息必须密集、集中，以微弱、但又极有支持力、有密度的气息动声带，就会也现一个气泡音(声带吹开又并拢一次的声音)接连起来，就形成了非常多的气泡音。有些人很快可以找到气泡音，有的可能要有一段时间。一个好的放法就是在早晨起床前躺在床上最易找到气泡音，因为那时候的声带较易松弛。

注意要优质下确的歌唱姿势，将嘴闭住，上、下牙微松，并把口内的空气全部排净，上下后大牙有张开感，以闭嘴微笑状，从基音管发出金属般结实、明亮、集中、高位置、穿透力很强的闭口哼咽音，可用五度，或八度音程，上行，下行练习，和各种音阶练习。也要注意气息心须是来自丹田之气(腹式呼吸)，胸、下巴要放松。发出的声音从头顶飞上天的感觉。

练习目的：前面一节主要是扩宽高音音域的，而这一节是要扩宽低音音域，加强胸腔共鸣，使高、低音区均能获得丰满浑厚、圆泣的艺术效果。

要领：保持正确的歌唱次势，以闭口哼咽音起音，用大气泡转低咽音沉底的办法，自然、充分地鄕开喉咙发出mi——a,mi——o,mi——u 同度音，发出响的、丰满的胸腔共振声波，使嗓音变大、变宽、变粗。感觉犹如从小腹长了一个嘴似的。

必须指出的是：并不是说我们学会了咽音就全部用咽音来歌唱了，其实纯咽音是尖锐刺耳，难听的，可是它对于歌唱的作用就好似食盐用于烹调。食盐吃起来太咸，而烧菜没有食盐就无味了，必须放入适量的食盐才能入味。也就是说当歌声带有适当的咽音成份后，音色就会有金属般的脆亮，声音就变得美妙动听了。

呼气应当平稳，均匀，有控制，呼气的关键是要找到支持点，找到呼吸器官和发声器官有机配合的力量。如果找到了这个支持点，找到了这种配合的力量，呼气就走上了正确的轨道。呼气时，横膈膜平稳地上提，两侧下肋逐渐回收，使气息通过气管送入声门。这种横膈膜上提，下肋回收的力，我们称之为向上向里的力。应该指出的是，呼气时不仅有这个呼气肌群形成的向上向里的力，同时还有一种与之抗衡的，由吸气肌群形成的向下向外的力协同动作。根据演唱需要，调整抗衡程度。有这种呼与吸协调一致的肌肉感和力的关系的呼吸，是具有支点的呼吸。得到了正确的呼吸支点，就可以得到有气息支持的.声音。也便于出现我们期盼的颤音。

上述方法形成的吸气、呼气、换气，构成了有支点的呼吸，由此产生的气息发出基音，通过舌头放平，适当打开喉咙，经过上咽管道，在头腔(鼻腔、上额窦、额窦、蝶窦等)处，使其产生混合共鸣，就能获得音质纯净，音气圆润的声音，这种有气息支持的进入这个地方振荡的声音，而且把发声的着力点向喉头的背后————软腭、舌根、喉头这个咽腔地方，会有高频泛音，力度变换自由，声音具有穿透力，有激情，有魅力，富于表现力，同时，这样的声音才能吐字清楚，才能深刻表达歌曲的感情。我们期盼已久的颤音也就会自然而然的产生，也可谓：功到自然成。总而言之，要想唱出颤音，就要运用好声乐界公认的胸腹式联合呼吸方法。

声乐论文范文写作如何写篇十

摘要：有声无情是“昧”，有情无声是“媚”，声情并茂才是“魅”。演唱没有感情，不仅不能获得优美松弛的歌声，而且也不能产生艺术感染力，很难打动观众，演员与观众就很难产生共鸣。从某种意义上讲，声为情之本，同时又以情感为内容：情为声之魄，它既以声音为依托，又赋予声音丰富的内涵，给声音以情感的魅力。不同的声音表现着不同的情感，而不同的情感又能激发出不同的声音，两者相互依存，相互作用，共同构筑成歌唱艺术的殿堂。

关键词：声音情感声情并茂。

歌唱不是简单的用声乐技巧来演唱歌曲，它是由技术层面和艺术层面两个方面组成的。“声乐表演”从字面的意思可以理解为“声”就是声音、“乐”指音乐、“表”是一种外在的表现、“演”泛指演绎。所以，歌唱不仅是通过声音来表现人类情感的一种方式，也是声音与情感的一种结合。一首成功的声乐作品不仅能够在听觉上给观众以震撼，同时还能抓住观众的视觉神经，给予观众听觉和视觉的双重享受。这就要求歌唱者不仅具备优美的嗓音和娴熟的声乐演唱技巧，还要在演唱中恰如其分的加入自己的思想感情，准确的把握作品风格和人物性格，通过自己在情感上的变化，完美的呈现作品所要表达的意境。在我们的日常演唱中，演唱者往往会把过多的注意力放到声音上，学生最多的疑问就是：“我的声音传不传？”、“我的声音拢住了没有？”、“我的腔体打开了吗？”、“我的高音站住了吗？”类似这样的问题。这种只重视声乐技能的获得，却不重视情感表现力的培养，在歌唱上来讲都是不完整、不科学的。所以我们在平时的教学过程中，不仅要重视学生声乐技能的培养，还要把教学重点转移到声乐技巧和情感表现的结合上来，潜移默化的培养他们以情带声，声情并茂的演唱习惯。

好的声音是建立在科学的发声方法的基础之上，它需要有稳定的气息，规范清晰的吐字，有良好的共鸣。如果没有有效的、系统的发声训练，是很难出现优美的声音，也不可能吸引到观众的注意力。歌剧之所以能够流传几百年至今而经久不衰，最重要的不仅是演唱者具备高超的演唱技巧，而是要准确的抓住人物的内心变化，诠释出作品所要传递的思想感情。作为一名专业的歌唱演员，如果不具备以上的歌唱条件，怎么还能够在歌剧中扮演各式各样的人物，怎么能够让台下观众所接受。我们在教学的过程中，重视的往往是基本的发声技巧的练习，比如气息的训练，要找到叹气的感觉，横膈膜、丹田、后腰组成一个三角形的支撑点，气息外扩，顺着叹气的力量进行演唱；强调咬字吐字的感觉，要像说一样的唱，要大声的朗读歌词，做到字正腔圆；还要注重腔体的建立，演唱高音时注意咽壁的力量，注意头腔共鸣和胸腔共鸣等等。这些声乐技巧是每个声乐学习者都必须重视和掌握的，但是在这些声乐技巧培养的同时，往往很容易忽略了情感的培养。我们进行发声训练所采用的方法一般为音阶的上行、下行配以元音的组合，或者是琶音配以元音的组合，这种发声方法难免会让学生感到枯燥乏味。如何能够从单调、乏味、无内容的练声曲中挖掘发声训练的情感因素呢？我们可以让学生把各个元音放到歌曲当中去，不用唱歌词，用元音去演唱整首歌曲，练声曲目的难度由声乐作品的难度决定，把单调的发声练习变为有内容有情感的歌声，通过旋律的流动去换起对作品意境的联想。有了意境的联想，自然会有情感，有了情感气息自然会得到有效的控制。通过“以情带声”的演唱方法能够有效的调整演唱者的呼吸，打开共鸣腔体，从而获得事半功倍的效果。

当学生们拿到一首新的作品的时候，往往第一反应是这首歌的最高音到哪里，如果是最高音在自己的音域范围内，就以为自己能熟练的驾驭这首歌曲了，这种观念是错误的。想要做到“以情带声，声情并茂”的去演唱，就必须对作品进行研究和处理。首先，当我们拿到一首新的作品时，首先要理解它的歌词大意。声乐和器乐最大的不同就是，声乐除了以音乐的形式来表现外，还通过文字的形式来体现，特别是中国的语言，本身就是一种旋律性的语言，它有一种旋律的美感深藏在里面。所以我们对待一首新作品时，要大声朗读歌词，理解歌词大意，通过文字所蕴含的细腻情感来衬托旋律的美感。其次，要了解作品风格，准确把握人物性格。当我们欣赏一场音乐会时常常会发现，歌唱者无论是中国艺术歌曲或者地方民歌，还是欧洲古典艺术歌曲或者歌剧选段和咏叹调，总感觉是一个味道，缺少韵律，很难给观众以心灵上的震撼。造成这种现象的原因就是歌者在演唱初期没有很好的对作品的风格进行细致的处理和分析。演唱中国声乐作品，首先要了解的是作曲家通过这首作品所要表达的创作意图，通过这首作品能够传递出怎样的思想情感，这是抓住这首作品灵魂的关键；演唱地方民歌时，我们所要了解的是这个地域或民族的风土人情、文化背景、民族特点、还有生活习性等，通过一首歌曲能够让观众更加直观的了解到这个地域的地域特点和民族精神；在演唱欧洲艺术歌曲时，要知道作曲家所处的音乐时代，从而了解这个时代的文化背景和创作风格，以及当时的绘画、雕塑、建筑等有形的空间艺术，他们的风格往往比音乐更加一目了然。歌剧选段和咏叹调的演唱首先要了解的是整部歌剧的内容，了解人物性格和创作风格，以及所演唱的选段和咏叹调在整部歌剧中所处的位置以及前后衔接的故事内容，这样才能把作曲家的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致的表现出来。

以多尼采蒂的歌剧《爱的甘醇》中的男高音咏叹调《偷撒一滴泪》为例，这是一首极富盛名的咏叹调，被誉为男高音的“试金石”。它需要稳定的气息支持，匀称的声音和连贯的旋律线条。这首咏叹调出现在第二幕的第二场。内莫里诺以为是爱情的灵药帮助他赢得了众多姑娘的芳心，岂不知是姑娘们听说他意外获得了一大笔遗产。此时，阿迪娜并不知道发生在内莫里诺身上的故事，但是姑娘们的追求使她认识到自己也爱着内莫里诺。这时，内莫里诺认为自己窥视到了阿迪娜眼中的泪水，他用这首咏叹调表示，自己愿意以死为代价，获得心中的姑娘阿迪娜。这首咏叹调的出现形式一般是在整部歌剧或者是在音乐会上被歌唱家们拿出来单独演唱。在歌剧演出时要注意人物在舞台上的站位和剧情的发展，而在音乐会上演出时演唱者更多注意的是自己的声音，往往忽略了这首咏叹调在歌剧中内容前后的衔接以及对剧情的发展、人物的刻画和情绪的渲染所起到的作用。舞台表演对演唱者来说起着至关重要的作用，因为好的演唱者不仅要具备精湛的声乐技巧、优美的音色和宽广的音域，还需要用肢体语言和表演技巧把歌剧中的戏剧人物的个性特征表现到近乎完美的程度。另外，演唱者还要注意自己情绪的把握，虽然良好的情绪或者比较良好的精神状态能够帮助自己达到良好的声音状态，但是一定做到表演幅度要张弛有度，要从作品和人物出发，要符合角色的性格特征，不能过于夸张和过于拘谨。

在注重“声”与“情”相结合的同时，还要善于运用情感去解决技术上的难点。无论是男高音还是女高音，在演唱中声区时，通过胸腔共鸣可以让声音饱满而结实，高声区通过头腔共鸣可以使声音圆润、通畅并富有穿透力，可唱到低音区时，往往会因为漏气而使声音缺乏力度，音色也不够明亮。这种现象给人的感觉就是声音缺乏整体的统一性，并且低音区往往是一部声乐作品用情至深之时，也是最能表达作者情感的音区，这时更需要结实饱满的声音去表达作品所要诠释的思想感情，这种能清晰听到低音或者微声的效果，是展示歌手演唱技巧上全面性和扎实功底的关键所在。解决此问题最简单有效的办法是，对学生进行情感上的教学，当我们俯身我们心爱人的身边说情话时，声音虽然很小，但是很集中很清晰，又是那么深情那么甜美。用跟爱人或者亲人低声说话的感觉去演唱，往往能有更好的艺术效果，所以注重学生情感上的培养能更好的解决技术上的难点。

要做到“以情带声、声情并茂”的演唱，还必须提高歌唱者的艺术修养。一位歌唱家，不仅善于充分运用声乐技巧，还可以通过自身的艺术修养恰到好处的完成声乐作品；如果歌唱者缺乏知识，对歌曲产生的背景，地域的风土人情，甚至歌词含义都无法准确的理解，就不可能表达出作品的深刻含义和意境来，这样的歌唱者只能称作“歌唱匠”。

声乐论文范文写作如何写篇十一

伴奏是音乐创作的主要组成部分，而在声乐作品演唱过程中的作用尤显重要。声乐作品的演唱者的确占据主导地位，但钢琴的伴奏与别的伴奏乐器比较，其优点是不能相比的。钢琴伴奏在声乐领域里叫做coach，它在声乐演唱中起着艺术指导的作用。以钢琴伴奏角色参与声乐教学与歌唱活动，提高演唱者水平，加强演唱者对音乐的领悟能力，指导演唱者进行舞台实践的学习，以达到培养演唱者整体专业能力提高为目标。钢琴伴奏是作为一种特殊和独立的声乐表演艺术形式，其主要目的是协助声乐演唱，能够妥善处理演唱中的各种情况，这是更侧重于歌者默契配合中呈现的艺术内涵。

一、钢琴伴奏与声乐演唱之间的联系。

著名的小提琴家林耀基先生曾经说过，“钢琴伴奏像水，合作者像船，水能载舟，亦能覆舟。”。此话正好说明了声乐伴奏和视唱是分不开的，它们之间是互助的。声乐伴奏是时间和空间的艺术，钢琴演奏是经由时间来显示着它的音符。声乐演唱则是由歌词和音乐来显示它。音乐伴奏是一个有机组成部分，不仅使伴奏乐曲与演唱部分交融，音乐内容可能会得到一个很好的展示。一直以来，人们用“红花绿叶”来形容声乐与伴奏的联系。换句话说，人们会觉得声乐钢琴伴奏是陪衬声乐，事实上，钢琴玩家在使用他们的音乐技能诠释声乐作品正确的含义，再加上歌手通过音乐表演展示音乐风格。音乐在人类历史上，器乐的诞生，虽然晚于声乐，但是当仪器的阵列已经登上音乐舞台，先与声乐亲密联系一起，声乐伴奏是最早实践，实现了自己的价值，自己存在的'表达方式。一首歌被雕琢成完美的作品，由歌手和伴奏者的共同努力，配合默契，达到了旋律和伴奏里你中有我，我中有你，完美的和谐。因此，声乐伴奏和声乐歌手之间是相辅相成的伙伴关系。

二、声乐演唱中钢琴伴奏的优点。

(一)钢琴伴奏的多音性。

大部分音域最广的现代钢琴由88键构成，包括钢琴范围的最高音和最低音组成，可以使用钢琴来展现。与此相反，通常音域如如弦乐器，吹奏乐器，唢呐等乐器，有五个八度和两个半八度音阶，音乐经由这些手段不能完全实现。所以最广泛音域的钢琴，有多音性的特性，不管是什么样的乐器搭配，演奏音域都在范围之内。

(二)钢琴伴奏具有强大的和声。

和声是声乐现有技术的最常用的方法，并且经常被使用的，它主要是在各种声音的基础上依据一定的组织规则，形成多声部的组织形态。然而，并非所有的乐器都能演奏出完美的和声。比如，管乐器不能在同一块乐器上和声的演奏，弦乐器只能起到最大的两个音，但钢琴是不同的，它可以是在同一时间在同打10种声音，因此，和谐的效果，钢琴伴奏比任何其他乐器伴奏更多的优点，使得它可以更完美服务于演唱，使其表现力更加丰满。

(三)使用范围更广的钢琴伴奏。

伴随着不断的发展和完善，钢琴所具有的功能和性能的影响也得到了极大的提高，并与现代人逐步增加对在钢琴教育的投入，钢琴开始进入公众生活的视野，钢琴伴奏也得到了广泛的应用和普及。在现代，钢琴伴奏受到作曲家和歌手的亲睐，很多声乐都是与钢琴伴奏分不开，大量的应用和不断增长的钢琴伴奏范围也使得钢琴的伴奏变得更有魅力。

三、钢琴伴奏在声乐演唱中的作用。

一般来说，一个完整的声乐作品都离不开钢琴的伴奏，但很多观众在观赏声乐表演的过程经常忽视钢琴伴奏的影响力。

(一)提示作用。

提示作用是其中钢琴伴奏的最根本的作用，在这个进程中，因为紧张或一些突发状况也许会影响演唱会终止，那么就需要钢琴伴奏着敏锐采取钢琴伴奏来提示演唱者，协助还原正常的演唱。不同场合的表演，提示也是不相同，整体可以分为色调和色彩提示，音色、风格技巧和提示，速度和情绪几种不同的钢琴伴奏技巧。在声乐进程中，主要确保的就是作品的调性，声乐歌唱的曲调和绘画色调选择的基调是相同的，只有能够确立调式才可以以扩大为目的的声乐表演，歌手也一定要把调性作为演唱的基本。但在实际唱歌进程中，很多歌手会离开主旋律，那么就需要一个完美的钢琴伴奏给予提示，以帮助他们回归主旋律。可以被看作钢琴伴奏的音调和颜色之前预备是很重要的。还有就是钢琴伴奏在色调和风格技巧。这一点，在声乐进程中，对钢琴的伴奏要求是很高的，通常风格和基调是由钢琴伴奏呈现的，这给观众展示出演唱即将开始，并告诉观众唱歌的风格和整体的风格，然后歌手按照钢琴伴奏的提示正式演唱。

(二)衬托及互补功能。

要想完美地诠释出一部声乐作品，不仅需要歌手的完美演唱，也需要完美的钢琴伴奏，这两者相互联系，缺少任何一个表现都不能称为完美的声乐艺术表达。在声乐演唱，人声可以表达内心的感受和想法，但是不能表达出意境和形象，钢琴伴奏能够弥补这方面的不足之处，钢琴伴奏最突出的优点是可以生动地再现了画面，善于创造心情的音乐作品，这种互补性恰恰是声乐功能至关重要。

(三)在声乐演唱变化处的指导和加强作用。

声乐歌唱的过程中是不断变化的，会有一个微妙的调整范围，这些调整的范围内，歌手可以适当作出调整，但此时钢琴伴奏可以起到联系和指导的作用，这种影响主要表现在钢琴伴奏的速度和情绪变化的指导作用。演奏时，可以使用间奏来调控速度，经由钢琴的伴奏来控制速度。例如，在有些伤感的地方，钢琴伴奏可以有意减缓速度，让悲伤的气氛得到充分的渲染，进而有效地引导观众进入作品的情感氛围。其次，在钢琴伴奏音调变化的指导作用。大家都知道，人声歌唱的声音属于单身部类别，而钢琴伴奏则属于和声部的范畴，有时歌曲在调性变化时，只对人声的部分依靠识别是有一定难度的，但伴随着钢琴的伴奏，这个时候，可以预测调性，识别语音，通过钢琴伴奏多部分的支持，快速帮助艺术家捕捉音调。最后，钢琴伴奏以及力度上的作用。有时愤怒的声乐作品或紧迫是人的声音不能被解释的，因为大多情况下人声力度的转化是有限的，钢琴伴奏可以很好的发挥自己的独特优势，加强演唱更好的声音表现效果。

结语。

声乐演唱和钢琴伴奏的关系非常密切，两者相互联系，相互促进，进而产生独特的默契，一首声乐要想表现的非常淋漓尽致，是离不开钢琴伴奏的，但是往往又有不重视伴奏的这种情况，所以要避免这种情况的出现，将音乐风格和艺术魅力全面的体现出来，以创造更高的声乐境界，带给观众听觉盛宴。

声乐论文范文写作如何写篇十二

相传，古代的塞浦路斯国王皮格马利翁，十分欣赏自己雕刻的一座象牙少女像，每天都深情的凝视少女雕像，常常情不自禁地把她当作真人，最终这座雕像获得了生命，并与国王结为夫妻。这则希腊神话蕴涵着的道理便是赏识效应所拥有的巨大力量。说明了对一个人表示出适当的赏识往往能有效的激发其内在的动力并促进其发展。

近年来，赏识教育在我国获得了广泛的认可，许多教育工作者运用其思想，采取积极的教育策略创造了一个又一个奇迹，这是不难理解的。因为教育的根本目的就是育人，教师对学生积极的赏识非常有助于调动学生的学习积极性、树立其自信，自然就能够获得更好的发展。

声乐学习是一个非常抽象和复杂的事情，不仅要求学生要有一定的天赋，更重要的是学生要有一个积极的学习态度、强烈的学习兴趣和自信心，同时通过锻炼能够不断的获得成功的体验和别人的认可，这样，有助于保持住学生的学习热情。幼儿声乐教育就更加复杂了，学生年龄很小，面对枯燥严格的学习很快就会失去信心和兴趣，所以如何通过合适的教学手段培养学生的自信和学习兴趣是取得良好教育质量的关键；如何充分调动学生的非智力因素为教学服务是个值得研究的问题。

我个人认为运用赏识教育策略非常有助于调动学生的非智力因素，对提高教学质量有着积极的推动作用。我在教学中尝试运用了赏识教育，实践表明确实对提高教学质量有不错的效果，教学工作获得了学生和家长的广泛认可和好评。下面对此作一个简要的介绍：

一、创设良好的学习氛围。

学生的行为在很大程度上是以他们的感情和情绪为转移的。我有一个班的学生年龄在五到八岁，有的上幼儿园大班，有的刚上一年级；一部分学员已上了一学期声乐，另一部分是新学员，从未上过声乐；有的.新学员刚开始胆子比较小，不太自信，练声，唱歌声音都比较小，更别提让她们单独唱歌了。而学唱者的自信心与决心，往往是她获得成功的关键。为了让她们尽快摆脱这种不自信和胆小，首先需要她们在心理上的放松，于是我根据她们的年龄特点，和她们一起先做律动，如：跟着音乐扭扭腰，摆摆胯，跳一跳，然后鼓起腮帮子让气在口腔里转圈，手指向上放在肩膀上，感觉布谷鸟站在自己肩上唱歌，并发出“咕咕，咕咕”的声音，还可以设想又跑来一只小狗发出“汪汪”的声音，通过这些带有儿童特色的前期活动，再加上老学员的带动，新学员逐渐消除了紧张心理，在不知不觉中开始了轻松愉快的歌唱。

二、使学生置身于教师、家长对学生浓厚的赏识氛围之中，时时感受到师长的关心和体贴。

以亲切、平等、热情的态度对待学生，使其获得一种心理上的愉悦和满足，唤起他们的自我意识和自我价值。在我的课堂上，家长是观众，学生是演员，老师则是导演。家长喜欢看自己的孩子表演，也愿意和其他孩子做比较，这样家长可以做到心中有数，知道自己孩子的长处与短处，帮助孩子扬长补短；而孩子们也不甘示弱，尽量发挥自己的长处：识谱能力强的很快能背唱；嗓子条件好的唱的很洪亮；表情自然，唱歌有感情的，大家一起向他学习；有舞蹈基础的，给歌曲编配动作很快，老师要一一提出表扬，并让大家互相学习，而家长们坐在旁边看到孩子们的表现与点滴进步早已乐得不可开交，同时也很欣慰，我甚至能看到家长和孩子之间的一个眼神，一个手势的交流和鼓励。每一次下课，学生都围在我身边不愿意走，说还没有唱够，而私下里有的家长也给我说，她们最愿意看我给孩子们上课，她们也最感谢我从没有拒绝过她们听我的课，我的每一堂课都是公开课。这样也鞭策我认真对待每一堂课，上好每一堂课。

三、保护自尊，树立自信。

自尊心和自信心是成功的种子，教师要向学生表明：对他们很欣赏并抱有高度的期待。这种超常态的输入，一方面可以通过教师直言向学生表明自己的较高期望，从而调动学生的内动力，另一方面，可以通过教师对学生的具体指导与帮助，传达对学生的爱和暗含的期待。我有一个学生去年刚学了半年就去考级，结果所有人都过了就她没过，打击很大，她妈妈也对她有点失去信心了，但其实这个孩子条件不错，悟性也很好，就因为考级时有点紧张，有两句稍有点跑调，再加上学的时间短，上台机会少，心理素质不够好等因素，所以没考过，并不是因为她不适合唱歌。通过我的分析，她妈妈答应让她再学一年，在这一年中，她很用心，我也经常鼓励她，要求也很严格，在我们的共同努力下，她进步很大，唱得越来越好，今年七月份的考级很顺利就通过了。这些鼓励性的语言我在教学中经常使用，它犹如催化剂、兴奋剂，使歌唱肌体兴奋、积极、主动，能充分调动学生的歌唱欲望和学习热情，激发她们学习的自觉性，增强学习自信心，使学生在课后仍处于其乐无穷的心态中，获得学习的乐趣。

四、扬长教育。

每一个学生都有音乐才能，关心并培养每一个学生终生热爱音乐，这是我们教师实施素质教育义不容辞的职责。初学声乐的孩子在发声时，难免有这样那样的缺点，这时马上指出其毛病是不妥的，因为这样势必影响其情绪，导致其发声缺陷更难纠正。排除学生生理障碍和心理障碍的最佳策略就是要善于发现学生的闪光点，真挚的正面鼓励和引导，并以此作为教育契机，促使学生向好的方向发展。而当学生唱的不好或感觉不对时，应该用温和委婉的话语指出其存在的问题和不足，帮助她们寻找解决办法，而不是一味的去指责。但对于嗓音条件较好又有一定演唱能力的学生，就应当及时指出她们的不足，并让她们欣赏一些高水平的光盘和演唱，激发她们进一步努力学习，使其学习更快提高。只有长期在好的歌唱“态度”下训练，才能造就出较高的歌唱水平。

五、把握学生的个性，因材施教。

教师要根据每个学生不同的心理特征及发展水平提出不同的期待和要求，使学生经过一番努力后可以获得成功。声乐学习由于它的特殊性，许多家长是因为孩子太胆小，是想让孩子练练胆量才报名学习声乐的。如在这样的环境中老师再一个劲的批评或说明小孩完全不适合学习，这不但打击家长也伤害了小孩的自尊心。我们经常能听到这样一句话：“没有学不好的学生，只有教不好的老师”。有些小孩入门很轻松，也有些孩子因性格或其他原因入门较难，这些都需要老师耐心的引导，以鼓励为主，帮助他们渡过难关。著名声乐教育家金铁霖教授也说：“为了帮助学生掌握良好的发声方法，应当根据各自存在的具体问题提出不同的解决方法，要‘因材施教’，‘有的放矢’。

通常要做到气息深，位置高，喉头稳定，打开喉咙，让声音集中，明亮，靠前等。为了让学生感受并体会到它，还要有相应的方法和手段。”因此，教师一定要根据学生的具体情况，按照学生的特点来决定教学方法。哪些学生练开口音比较容易进入状态？哪些学生练闭口音容易进入状态？教师都要心中有数。同时，在教学中，还应该根据学生各自的程度和嗓音特色，适当的选用一些较新的歌曲作为教材，因为这是她们感兴趣的东西，所以学起来就更为主动，认真，较容易收到良好的学习效果，同时也让学生更了解自己的特点，更自信。

通过以上论述可看出，老师对学生的赏识是多么重要。声乐教学过程的因素变化多端，出现的问题错综复杂。因此，所引起的心理效应也有着不可低估的影响，一定要让学生从你身上感到“兴趣”二字，同时还要让她感觉到你赏识她。正如美国心理学家加涅所说：“如果你希望自己的听众是积极的，你自己就应积极起来；如果你希望他们对音乐表现出兴趣，你就要在自己身上感受到这种兴趣；如果你希望他们爱上音乐，对音乐的爱就应该活在你自己的心中；如果你希望他们理解音乐，那就要和他们共同思索，不要用宣读事先考虑好的讲稿去代替自己活生生的思维活动。每学一首新的曲目，一定以自身去感染、吸引学生，以激发其学习动力。”

【参考文献】。

1.《积极心态的力量》。

2.《金铁霖的声乐教学》。

3.《非智力因素》。

4.《中国音乐在线》。

（作者单位：162850内蒙古莫旗青少年活动中心）。

声乐论文范文写作如何写篇十三

写好。

毕业论文。

的提要之后，要根据论文的内容考虑篇幅的长短，文章的各个部分，大体上要写多少字。如计划写20页原稿纸(每页300字)的论文，考虑序论用1页，本论用17页，结论用1—2页。本论部分再进行分配，如本论共有四项，可以第一项3—4页，第二项用4—5页，第三项3—4页，第四项6—7页。有这样的分配，便于资料的配备和安排，写作能更有计划。毕业论文的长短一般规定为5000—6000字，因为过短，问题很难讲透，而作为毕业论文也不宜过长，这是一般大专、本科学生的理论基础、实践经验所决定的。

声乐论文范文写作如何写篇十四

摘要：

在声乐教学中，情感的融入会使得教学效率有较大的提高。本文从我国音乐教学中的背景出发，分析了我国音乐教学中存在的种种问题，最后基于情感培养的方式，研究了情感培养在声乐教学中的应用。

关键词：

声乐教学；情感培养；应用；问题。

随着我国的经济水平的提高，人们逐渐从物质上的追求发展到了精神上的享受，对于各种娱乐方式要求越来越高。而艺术可以让人们感受内心世界，交流情感。特别是音乐、舞蹈以及乐器等，在艺术领域中属于人们的重点精神追求。因而，在教学过程中，人们也越来越注重艺术的灵魂。老师们不是只完成教学任务就可以了，还应该传播艺术的感受能力以及艺术所具备的思想能力，让学生可以在学习过程中既能欣赏艺术作品，还能激发他们主动思考以及创作的能力。而将情感运用在声乐教学过程里，让学员们对艺术作品充满感情，有利于他们去充分理解作品，感受艺术的灵魂。声乐属于艺术中非常需要情感表达的一门艺术。演唱者要演唱好声乐，不仅需要高超的演唱技巧，还需要懂得如何将歌曲中包含的情感表达出来，如此才能在演唱过程中将这首歌曲发挥到淋漓尽致，引发听众的共鸣。如果演唱者只具备演唱技巧，却不具备丰富情感并将作品的情感表达到位，只会使得演唱死板无趣，不能直击人心。因此在声乐的教学过程中，老师们应该在传授演唱技巧的同时，注重对歌曲内在感情的理解。

一、我国音乐教学中存在的问题。

(一)不重视艺术中的情感培养。

若想一首艺术作品被大家认可，不能只有歌词以及曲调的优秀，还需要表演者的表演功力。而演唱者的演唱是否能打动人心，关键就在于其对歌曲的理解与表达，只有将歌曲的创作和演唱者的演唱结合起来，才能让该音乐作品得到大家喜爱。而现在很多高校是将声乐艺术简单地理解成声音艺术，不注重艺术所要表达的情感，而是只注重歌曲本身的演唱技巧，在某方面限制了学生的发展。例如有些学生可以给人声音优美的印象，但是由于表现能力不够以及精神内涵不足使得其不能被大家接受。

(二)忽略教学情境的作用。

我国大部分高校老师在声乐教学过程中，需要反复讲解示范，才能让学生充分理解老师所讲授的内容，同时学生也需要多次练习后才能领悟该内容，这会使得教学效率大大降低。虽然多次练习对于学生的技能训练也是有作用的，但是如果能在教学过程中加入特定的教学情境，帮助学生更好地去理解与探索，整个教学过程会事半功倍。例如，在教学的过程中营造该歌曲所具备的氛围，则能更好地激发学生们的理解力与感受能力，使得他们的歌曲表达更加充满精神内涵。

(三)对情感培养理解偏差。

很多高校以及老师都能意识到在声乐教学过程中情感培养的重要性，但是对于情感培养的概念却存在理解上的偏差，例如将情感培养局限在大脑思维中，致使在教学过程中不能正确的将情感培养与声乐练习结合起来，起不到有效的作用。

二、情感培养的方式。

古人说：“感人心者，莫先乎情”。只有富有情感的语言才能直击人心，获得他人的思想和情感的共鸣。教师的教学语言是应当饱含情感的，当自身的情感投入到教学内容上时，教学语言的魅力就立马突显出来，学生的情绪是能够受到教师语言的带动和感染的，这样富有情感的语言才能够牢牢的“黏”住学生的思想，形成强大的思想凝聚力。当然，这种情感是需要教师真情实感的进行投入，装模作样或者虚情假意是打动不了学生的。真情来自对表达内容深刻理解，来源于自身的人生经历和体会。

(一)精选教材类型。

在声乐的教学过程中，若想要学生们真正理解音乐作品的内涵，表达好作品，必须在正确的'指引下，学习正确的作品。这一方面包括优秀老师的讲解与示范，另一方面还包括优良的教材，可见学校的教材应该在得到精选后才被老师使用。在选取教材的时候，学校应该结合教学特点以及声乐艺术本身所需，选取最为合适的教材，在教学过程中对学生们进行情感培养。对于现在市场上存在的鱼目混珠的作品，应该不予选择，而对于那些虽然优秀但是与本校教学特点不相符的作品也应该舍弃。

(二)设置特殊教学情境。

设置特殊教学情境对于学生的情感培养非常重要，但是在现今的声乐教学中却没有被重视。在声乐教学过程中设置特有情境，使得学生们有一种身在其中的感觉，帮助学生们领悟音乐所表达的内涵。这种特殊情境是指教学过程中的外在环境，不仅能帮助学生理解音乐作品，同时还能提高学生们的学习兴趣，使得教学效果大大提高。

(三)分析作品背景。

在不同的环境与时代里，会产生不同类型的歌曲，因而学生需要理解作品所在时代与环境，即作品背景。由于作品背景会影响歌曲创作者的风格以及歌曲的意义，因此老师在教学的时候可以讲解作品的背景，帮助学生去理解那个时代，并且培养他们的演唱内涵。这样学生们在学习的过程中便能如同走进了该歌曲所在时代，在心灵上以及情感上都能更为接近当时歌曲所表达的意义。同时他们也能据此将歌曲类型进行区域划分，例如江南的歌曲婉约优美，西北的歌曲激昂豪放等，都有利于他们去加深对歌曲的情感理解。(四)情感与发声的结合在老师对学生教授声乐的发声时，除了要求发声的音准正确外，还应该对他们情感的表达力加以培养。例如在歌曲的发声练习中，如有需要表达悲伤情感的词段，可以让他们在发声的同时去联想悲伤的感觉，调节面部表情，表现出伤心与痛苦，甚至可以哭出声来，如此便能帮助他们日后演唱时收发自如。另一方面，这种教学方式还能调动学生们的学习兴趣，提高他们的学习积极性。

三、情感培养在声乐教学中的应用。

(一)帮助学生与老师之间的交流。

在声乐教学过程中加入情感培养，除了可以加强学生们对作品的理解力，同时也能加强学生们的学习主动性。当学生对作品与艺术充满感情时，便会受到吸引从而自发主动去研究音乐艺术作品中的门门道道，对艺术以及歌曲作品的见解也会越来越全面与独到。而当学生的学习主动性上来之后，学生与老师之间的交流互动将会更加便捷，老师能更好地向学生传授自己的丰富经验，而学生也能更好地理解老师所表达的意思。

(二)帮助学生把握音乐作品的情感。

通过情感培养，例如在声乐教学的时候老师可以将音乐进行剖析，具体分析哪首歌代表什么样的情感，歌曲里所抒发的感情是怎样变化的，包含的感情是甜蜜还是悲伤，表达的是恋情还是革命等，可以使得学生们更好地理解音乐作品所含的意义与情感。在演唱歌曲的时候，若演唱者具备情感的理解能力与表达能力，以情感打动观众，可以更好地诠释其音乐作品。若是演唱时毫无感情，则会显得整个演唱空洞无力，不具备打动人心的力量。

(三)帮助学生充实音乐技巧。

演绎好一首音乐作品，不仅需要表面的技巧，还需要内在的技巧。而内在的技巧说的就是歌曲的表达方式，包括在歌词里某段话或者某个词上应该如何发声，应该如何动作，应该具备何种表情等。而情感培养正是一种让学生们理解歌曲表达的情感后正确诠释歌曲的方法，老师们在教学过程中会通过各种方式来培养学生的音乐情感，教会他们如何在需要的时候改变发声，以更好地抒发音乐的情感。例如在演唱黄河大合唱时，前部分表达赞美应该发声柔美温馨，而在后部分表达愤怒时，应该发声激昂高亢，如此才能充分表达好这首作品。

参考文献：

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声乐论文范文写作如何写篇十五

声乐艺术是一门技术性和实践性非常强的学科，仅凭理论知识和文学资料去进行学习是非常困难的，它主要是通过正确的发声训练和不断的歌曲演唱来逐步完成的。声乐如何练习高音?下面是小编分享的相关介绍，一起来看一下吧。

歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的，而不是简单的“开开声”而已。

歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求：

1)每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法(即横隔膜的呼吸方法)，因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。

2)打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。

3)要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。

4)正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。

5)在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。

6)在每次练习时，都要保持正确的歌唱姿势，正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。

7)在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，要有非常好的心理状态，要有良好的歌唱欲望，要充满信心、放松自如地进入歌唱状态，否则是唱不好歌的。

8)从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始，要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到，在歌唱发声的过程中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行，它们是相互联系、相互促进、相辅相成的，这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。

歌唱发声基本功的练习，一般按音域进展的规律，可分为三个阶段进行。

第一阶段

以中声区训练为基础，掌握基本的发声方法，调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论哪一个声部，都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域，要知道声乐学习要从基础入手，中声区是歌唱嗓音发展的基础，基础必须打得扎实，要记住“欲速则不达”的`道理。

第二阶段

在中声区的基础上，适当扩展音域，加强气息与共鸣的配合训练，练好过渡声区(即换声区的训练)，为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环，需要花费的时间相对也比较长，但千万要有耐心和信心，不要急于唱高音，要沉得住气，等这段音域巩固后，再进入高声区的练习。

第三阶段

即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练，进一步扩大音域，做较复杂的发声练习，使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个声区的统一，音的过渡不要发生裂痕和疙瘩，重点是加强头声区的训练，获取高位置的头腔共鸣，从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕，可以唱一般难度较大的歌曲了。

发声练习开始的时候，必然会遇到如何起第一个音的问题，我们称它为歌唱时的“起音”或“起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。

1、 激起声

是当吸气完毕后，胸腔保持不动，声带先自然闭合，然后，再以恰当的气息冲击声带使之振动发声，这样发出来的声音结实有力，我们在发声训练如顿音、跳音的练习中常常使用，也用这种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。

2、 软起声

软起声是声带在开始闭合的动作时，气息也同时往外送，开声门与气息振动声带同时进行。这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和，发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中也常常在练连音和长音中采用，同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病，与之相应的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。

3、 舒起声

舒起声是声门先开，然后气息再振动声带，它的特点是先出气而后发声，像叹气一样。在劳动号子中，常常用到这种起声法。在发声训练中，这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病，在通俗唱法中使用较多，较口语化。总之，歌唱的起音首先要精神饱满，全身协调，根据不同类型的练声曲例来确定起音的方法，注意起音的音量不要过分强，以舒适的mf或mp音量为合适。

练习曲的练习，是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名1234567等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。

发声练习过程中，是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同，因此，并不是每一种类型的练习都必须唱，而是有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习阶段，选择的发声练习也是不同的，但一般情况下，开始的练习总是选择元音和比较平稳的音阶开始练声。

一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。但这也不是绝对的，唱歌者应根据自己的感觉找到最适合自己的母音来练习。我们在练习中要多动脑子，善于思考，千万不能一个劲地傻唱。

1、“哼鸣”的基本练习

一般在开始练声时，先练练“m”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好象闭口打哈欠的感觉，感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。

2、母音的练习

除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a，i，o，u，e等单母音练习，也可用混合母音练习如ma，me，mi，mo，mu等等。

3、连音练习

人们常说：“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美，只有连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性，可以将练习的音域相对拉宽些，练习也可以随之难度更大些。

4、顿音练习

顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。

5、连音和顿音结合的练习

在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于歌唱状态的统一，顿音好象是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。

6、保持共鸣位置不变的练习

在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使声音上下统一。

7、声音灵活性的练习

这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。

8、结合字声练习(带词练习)

要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。

9、练声注意事项

1)要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱，容易使歌唱器官受损。

2)在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组你最满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。

3)每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。

4)练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“百分之十的智慧，百分之九十的努力。”

声乐论文范文写作如何写篇十六

客观事物是复杂的，多层次多侧面的，对同一事物、同一问题，选择的角度不同就会产生不同的看法和认识。学习选取立论的角度，就是学习从不同的角度看问题，而看问题的角度说到底就是思维方法问题。

所谓横向思维，是指突破问题的范围，从其他领域的事物、事实中得到启示而产生新设想的思维方式。这就好比挖洞，把一个洞挖得再深，也不可能得到两个洞，而横向思维追求思维的宽度，它是用来在别的地方另外挖一个洞的工具。比如以谈“花”与“刺”的关系为话题作文，有同学由“花”和“刺”的比喻义、引申义和象征义，联想到现实生活中的光明与黑暗、主流与支流、成功与困难、乐与苦等方面，拓展思想的宽度，这就是横向思维的过程。这个过程为选取最佳立论角度提供了有利条件。

纵向思维是一种由浅入深、由表象到本质的思维过程。比如以“挤”为话题作文，我们可以这样思考：生活中有哪些因“挤”而终获成功或因“不挤”而沦落的故事？“挤”的原因是什么？“挤”有什么积极意义或者消极影响？我们对“挤”要不要加以限制？经过这样的思考，我们会发现：正是“挤”，带来了危机意识，引出了挑战精神。但是，“挤”也会成灾，我们必须对“挤”加以引导和限制，做到“挤”而有序。经过这样的纵向思维，增加思想的深度，我们的文章才能在立意上略胜一筹。

求异思维是一种打破常规、追求新异结论的创新思维方法。比如以“开卷有益”为话题作文，一般同学大谈特谈读书的意义，有位学生却认为在改革开放的今天，不能笼统地说“开卷有益”，应该对所接触的书刊进行分析和鉴别。另一位同学则进一步提出：“仅能辨别好书坏书，读书也未必有益，关键在于善于读书。”他举例说，《红楼梦》是世界文学名著，有人读后了解到封建社会必然灭亡的规律，有人却因一味欣赏宝黛的卿卿我我而误入歧途。这两位同学运用求异思维，立论显然别具一格。另外，逆向思维也是求异思维的一种形式，它是从与通常思路对立的、相反的角度去思考问题的思维方式，是提出新颖立意的一种重要方法。

我们是一个有着“大一统”传统的民族，我们有太多的禁忌，也有太多的规范。我们有“克己复礼”“杀身成仁”的古训，我们有“鞠躬尽瘁，死而后已”的典范，我们有“非礼勿视，非礼勿听，非礼勿言，非礼勿动”的戒律；我们有四书五经，我们有八股文，我们有清一色的蓝布中山装，我们有全国上下一句话的过去……我们的模式太多太多。

先人在条条框框中生活。那些条条框框，固然是促进民族进步的规范，但也是压迫生命的大山。焦仲卿自挂东南枝，陆游也只能惋叹“一怀愁绪，几年离索。错，错，错”，就连以普度众生为业的老法海也做出了棒打鸳鸯的事来。千人一面，千部一腔，千篇一律，我们的生活是何等的苍白无味啊！

春风吹过，神州大地千奇百艳，生命开始展露自己的本色。有人把迷你裙穿到街上，有人唱起了摇滚乐，有人堂堂正正地以模特为职业，有人公开树起了单身主义的旗帜……人们开始按自己的想法生活，再也不用看别人的眼色。多么惬意！活出自己，活出个性，成了许多人的`追求。

多美啊！五彩缤纷的服饰，各式各样的发型，欢快自由的音乐，光怪陆离的灯光，千奇百怪的生活。世界丰富多彩，太阳每天都是新的。充满个性的生活，真好！

马克思批评普鲁士政府：“你们不能要求玫瑰花和紫罗兰发出同样的芳香,也不能要求世界上最丰富的东西——精神,只有一种存在形式。”个性是生命的标志，没有个性，你就是别人眼中的白开水；没有个性，你也难以摘取皇冠上的明珠；没有个性，你只能活在别人的影子里。张扬你的个性，也许你会发现，你其实极有魅力；张扬你的个性，也许你会看到，你其实是一个成功者。

风，从水中掠过，留下粼粼波纹；阳光，从云中穿过，留下丝丝温暖；岁月，从树林中溜过，留下圈圈年轮。朋友，我们从时代的大舞台上走过，又该留下点什么呢？我们是否应当留下青春的骄傲和寻梦的足迹？是否应当留下真我的风采与张扬的个性？只有这样，我们才不枉此生。

社会因个性而丰富多彩，生活因个性而有滋有味，生命因个性而鲜活，民族因个性而强健。

声乐论文范文写作如何写篇十七

声乐演唱如何提高歌唱技巧呢?相信这是个困扰声乐爱好者多年的问题，下面小编整理了这方面的相关介绍资料给大家，希望对有志于声乐表演的朋友有帮助。

若想使高音唱得轻松而又明亮干净，气息支持当然是基础，关键是气息的位置，音越高，气息位置越低，以在腰部四周为最佳.很多人在唱高音的时候总有一个通病，气息浮至胸腔，所以气紧，不自觉的伸下巴，所以气不畅顺，唱罢喉咙不可避免的发炎。所以气沉，收下巴是唱高音的基本要求.而音质好坏则取决于自身的生理条件，对音乐的领悟以及正确方法的使用。

口腔是气息流出人体的最后一个关卡，若舌卷或缩，自然会堵住气息的通道，不仅高音上不去，而且气息和舌的对抗会使你感到越唱越累。舌平以舌尖轻抵下牙齿为最佳.如果已经养成了这个坏习惯，介绍一种方法，在练声的时候含上一颗糖，舌自然不敢卷或动弹，而且能成一种比较自然的.状态，一但习惯之后，不再用糖的帮助的时候，你会明显觉得收放自如.不过这个过程很苦，要坚持。

学过声乐的人都知道，正确的歌唱方法并不是用嘴歌唱，而是气息，所谓气息，说得通俗点，就是腰部力量。有的人本身生理条件很好，高音亮而饱满，但很多人都有这样一个问题，为什么唱高音时总会觉得音站不稳，摇摇摆摆，老是不听指挥。就像一个物体能够稳当的摆放在一个地方，必然是因为它有一个支点。而我们的腰部力量就是歌唱的支点。当一个人打呵欠的时候，就是拥有歌唱最佳状态的时候，不仅喉咙完全放开，腰部也有一股力量在腰四周游走，有兴趣者可以多多体会。当然坚持练习仰卧起坐更是一个直接锻炼腰部力量的方法。

一次好的发声不仅需要口腔的本音，更需要颅腔和胸腔的共鸣.泛音产生于颅腔，使音色饱满，胸腔的共鸣则使音色浑厚。高音用得较多的是颅腔的共鸣，中低音则需要很好的胸腔共鸣。一般人都觉得唱歌最难的就是高音，其实不然。

“你能够低到多少，你就能高到多少”，就像拉弹弓，你能够往后拉多少，你就有多少可以爆发的高音力量。当这三个腔体都能互相配合的时候，那就真是如鱼得水，天籁之声。

也许有人会觉得奇怪，发音技巧中怎么会有情?对所有作品的演绎如果没有自己的理解和感情的投入，纵使有再高的技巧也是枉然。因为，歌唱，本来就发源于人对自身情感的表达和释放。从现在的国际歌坛可以看出，最出名的不是音色最好，技巧最高的，而是能够用情用心歌唱的歌手.当然，这也是我们演唱中的致命弱点.一个人如果没有情，怎么能够演绎出作品的真谛。

声乐论文范文写作如何写篇十八

摘要：在声乐教学中，会遇到换声点的问题。结合教学实践，阐述解决换声点问题的方法。

关键词：换声点；声乐教学；真假声。

在声乐教学中既要承认换声点的存在，又不能过多地在此强调。各声部的换声点到底应在什么地方，要从实际出发，因人而异、因材施教。另外，寻找一个合适的练习、教学方法是极其重要的。

那么什么是换声点？关于这个问题，很多专家教授们说法不一、教授方法不一，但我认为只是从不同的侧面分析着同一个问题：如何使声音从中低声区自然地过渡到高声区而没有痕迹？（即在人声有效音域中，声区与声区之间的分界点，有个音坎现象。唱到音坎这个点时，声音不是卡壳破裂就是唱不上去，即便是唱上去了，也觉得非常吃力），这就是换声点。

关于换声点有些老师主张训练中尝试告诉学生有之，过渡时做到心中有准备；有些则主张不告诉学生，怕心理上有负担。我个人主张分析给学生听，因为我认为从中低声区过渡到高声区，从歌唱生理学上分析不可能没有任何变化，所谓的统一，是歌唱者通过调整声带紧张度和声音的共鸣比例等手段来进行“掩盖”,使听者从听觉上觉得声音的过渡平滑，而觉察不出声音过渡中“坎儿”的存在。

通过自身的体会与多年教学的摸索，我感觉要做到使声音自然平稳地过渡，良好的气息支持、完美地打开喉咙、充分地面罩共鸣，这三点要密切配合，互相依存，缺一不可。结合教学采用科学的换声区唱法效果很理想。换声区唱法男女有别，男声为关闭唱法，女生为真假混声唱法。在此就女声的换声区解决与大家进行探讨研究。

女生嗓音特殊，比男生天然高一个八度，且假声音域很宽。但是，女声自然嗓音的真假是截然分家的。在中声区里用提前换声的方法将真假声掺和在一起，建立真假混合的混声感觉，使上下声区巧妙地衔接，用这种科学的唱法，就能解决换声点的问题，达到统一的`声区。下面我从五方面来解决换声点的问题：

一、首先了解和弄清音坎现象，懂得真假声脱节破裂的原因。

女声自然真声的极限音高是c2,一般来讲，女声用这种真声往上唱，到了这个音高就感觉到了尽头，如果继续往上喊，嗓音会突然破裂，接着，一种漏气虚弱的纯假声便会出现，这种真假声脱节出现破裂的那个音，就是音坎，这种音坎现象存在于用大本嗓儿的人。女声不要将真声唱得过高，避免掉进音坎儿里。

二、在发声和演唱时降低真声的音高，下降五度左右为提前换声做准备。

三、在整个发声过程中完成两次换声。

女声在演唱换声点以下的音时，唱自然的胸声，往换声点以上唱时，用混合母音的办法，将声音拢住往暗里唱，往柔、往后唱，声音要空一点、虚一点，有一种掺进假声的感觉，成了半真半假的声音，声音脱离了胸腔和嗓子，声音进入了鼻咽腔和头腔。女声提前换声唱混合母音时，宽母音a只采用o,而不用u母音混合，窄母音i用yu,e母音用a混合，使声音变得圆润，同时有个声音位置转换的感觉，从胸声唱到混声区，声音转换了共鸣位置。

经过提前换声后，女声把中声区的声音唱得圆、宽、暗、通，把共鸣音色往咽腔里集中，进行第二次的换声，声音往头腔里进，共鸣位置向后上方提升集中音色。

四、调整真假混合比例。

在演唱中声区时音越低，真声越多，假声越少；随着音高上行，逐渐参入假声，音越高，假声越多，真声越少。真假混声以后产生的共鸣音响是一种虚实结合的声音。音越低，声音越结实，音越高，结实的声音逐渐呈点状，而虚柔的声音以气的形式进入头腔。通过混声真假比例的调整，我们感觉到音越高声音唱起来越轻松自如。

五、掌握女声换声区混声唱法发声练习要领，换声点的解决就会更清楚明了。

1.在换声点以下胸声区音域中练唱并找说话时自然发声的感觉，建立胸声共鸣，把声音唱得圆润、通畅、松弛、明亮。

2.声音从低声区往高声区时，后咽立起来唱，很容易找到真假混声的感觉。

3.寻找混声发声练习，在第一次换声的基础上，为把混声唱得结实明亮，挂住前面往后甩，增加共鸣混响。

4.第二次换声寻找头腔共鸣高位置练习，使低中高三个声区保持统一共鸣音色和均衡声音力度。

女声通过混声唱法两次换声，可以轻松解决换声点并获得统一的声音。

另外采用吟诵办法解决换声点也可以尝试，戏曲喊嗓时，声音位置高，而且采用混声去喊。所用的原音是“li”“le”和“ai”.要求咬字要干脆、清晰有力。舌尖抵在下齿后面，舌根不能用力，舌面放松放平、不使劲，平放在口腔里。口腔做半打哈欠的状态，找轻咳的感觉。之后在老师的示范下摸索地找到混声的位置向外喊出，直接让学生真切地感觉到声音的质量。因为不用顾忌音准，所以更多的注意力转移到了声音的质量上，感觉更集中。这种方法可以极好地提高自己声音的连贯性，也可以让学生在不知不觉中解决了换声点，甚至音高的问题。

混声练习作为声乐教学训练中的一个重要手段，在声乐教学中起着非常重要的作用，只有正确掌握换声区的唱法，才能解决好声区之间的统一。在今后的教学中我们还需不断地钻研学习，寻找更多有效的解决方法，让学生轻松地学习，快乐地歌唱。

声乐论文范文写作如何写篇十九

内容摘要：此文通过对声乐演唱中声与情之间辩证关系的分析，指出了以声传情、以情带声对歌唱的重要作用，并进一步指出了如何达到声情并茂这一歌唱的最高要求和基本原则。

关键词：声乐演唱声情。

一切艺术都是“情动于中而形于外”的，声乐演唱艺术尤其如此。歌唱的本质是人们情感的表现，演唱者通过运用熟练的发声技巧，以真挚的情感、优美的声音生动地表达声乐作品的思想内容来感染观众，引起其感情共鸣。声乐演唱作为一种艺术表现形式，是由“声”与“情”的高度结合来体现艺术审美感情的。“声”与“情”在艺术表现中作为统一的表现整体，其中“情”是起主要作用的，“声”是传情的手段，也是传情的保证。脱离开“声”与“情”的内在联系，孤立强调某一方面，将很难达到理想的歌唱艺术效果。

在歌唱艺术中，“情是对演唱者的一个重要美学要求，是对演唱水平一个重要衡量标准。“声无情声虽美则淡如白水，声有情声似有生动人心弦”。有“情”的歌声才具有艺术感染力，有“情”的歌声唱出来才会感人肺腑，打动人心；无“情”的歌声是空洞的、苍白无力的，“有情曲则活，无情歌则滞”就是这个道理。

在古代唱论中就非常注重对情感的要求。清《乐府传声》中写道：“唱曲之法，不但声之宜讲，而得之情尤重。……唱者不得其情，则邪正不分，悲喜无别。即声音绝妙，而与曲词相背，不但不能动人，反令听者索然无味矣。”文中指出，唱曲一定要唱情，否则即使声音再美妙也不会让听者感动。所以没有情感的演唱，即使有好的声音条件和高超的发声技巧，也会使人感到这只是在卖弄声音和技巧而已。要想把“歌”唱好的关键还是要以情带声，“情真歌亦美，音美情更真”。

如何获得歌中之情,笔者认为:首先演唱者要深刻理解声乐作品的内容和主题，体验作品所处的历史背景和情境,以及作品中人物的性情、神态等。这样“情”自然就会有的放矢。在演唱中要唱出人物的感情，还必须要结合演唱者自己的情感，要想歌声有情，首先演唱者应感动自己，这样才能感动观众。著名歌唱家郭兰英在演唱《绣金匾》时,当唱到“三绣周总理，人民的'好总理”时，她眼中饱含热泪，感情真挚，尤其唱到“鞠躬尽瘁为人民，我们热爱你”时声泪俱下，充沛而真挚的感情中，迸发出饱满有力而令人动容的声音，使听者为之感动。这正是“一声歌到情融处，毛骨萧然六月寒”，所以只有以情带声的歌唱，才会产生巨大的艺术感染力。

二、以声传情。

歌唱是用人声来表现人类思想感情的艺术，它以唱情为主，但要想唱情，必须借助于“声”，没有声之功，也难以达到传情的目的。

虽然我们把“情”摆在主导地位,但决不能忽视声音的作用。声音是表达情感不可缺少的重要手段，“情”只有通过“声”才能得以完美地表现。试想,如果演唱者的发声方法、歌唱技巧掌握不好，基本功不扎实，对作品驾驭和控制能力不强，即使情感再真挚，也很难得到好的演唱效果。所以，只有熟练地掌握歌唱技术，才有可能去完美地表现情感。

歌唱技术主要包括：呼吸、发声、共鸣、语言、润腔等几个方面。作为歌唱的基本要素，呼吸、发声、共鸣是一个有机的整体，我们通过正确地运用和控制气息，把声音送到已建立的发声管道和共鸣腔体中，从而形成优美动听的歌声来。它们三者组成的发声整体，其中若某一部分处于不协调的状态，都将影响歌唱。所以，我们要科学地协调它们之间相互联系、相互影响、相互制约的统一关系，使之紧密地结合在一起，这样才能建立起正确的歌唱发声状态。

歌唱是音乐与语言相结合的艺术。优美动人的旋律通过与自然、清晰的咬字吐字相结合，才能塑造出深刻、丰满的艺术形象。同时，生动清晰的语言对抒发和表达歌曲中的情感也起着决定性的作用。所以正确掌握语言的基本功，是歌唱者的重要素养之一。

润腔是指对声腔的各种润色。它包括对歌唱技巧、节奏、速度以及力度、情感变化等技术处理，它既有一定技巧性，又有一定感情性，通过润腔可以使演唱起伏跌宕、抑扬顿挫，可以生动地传达出演唱者的情感，加强歌曲的艺术感染力以及情感的细微表现，更具有独特的作用并能使作品中思想感情表达得更淋漓尽致。

歌唱技术的建立，是一个需要从长期不懈和积极探索的过程中获得的，只有具备了扎实的演唱基本功，才能自如地运用声音来表达声乐作品中的情感，正如世界著名钢琴家霍夫曼所说：“艺术上的自由，需要有充分地运用技巧的能力。”歌唱技术掌握得越纯熟，表现手法越多，在演唱中越自由，就越能根据情感表现的需要来运用相应的技术手段。

三、声情并茂。

声情并茂是我国声乐美学的基本原则之一，要想真正做到声情并茂的演唱，就必须要从歌唱的“艺术表现”这一中心环节入手。一个优秀的歌唱家既要有扎实的歌唱技术，又需要具备综合运用这些技术的能力和全面的艺术修养，只有把各项条件有机地结合在一起，才能更深入地表现作品的思想内容，更完美地表现情感。

在演唱声乐作品时，演唱者要深刻理解作品的内容、主题思想、风格特点,要了解创作者的生平、作品产生的时代背景，同时要仔细阅读歌谱，分析曲式的结构，掌握好基本节奏和速度以及细微的变化，并要认真研究歌曲所要表现的音乐形象，只有这样才能对歌曲内容有更深刻的解释，并进行艺术再创造。另外，演唱者要想使歌唱更具感染力，所表现的音乐形象更丰满，在艺术再创造的过程中，演唱者的思想高度、生活体验和艺术修养也起着主导作用。所以演唱者除具备较高的演唱技巧和表现能力外，还应具有一定的艺术修养以及文化修养，要多涉猎和学习有关文学、戏剧、诗歌、美术、舞蹈、历史等方面的相关知识。从其他姊妹艺术及文化知识中汲取养分、博采众长，对于丰富歌曲的艺术表现也起着重要作用。因此，演唱者只有通过自身的情感去体验、感受作品，深入理解分析、研究声乐作品所提供的素材，熟练地掌握和运用作品中所要求的各种演唱方法和技巧，才能使演唱达到声情并茂的艺术要求。

综上所述，歌唱艺术的表现魅力是蕴含于“声”与“情”之中的，真正高超的歌唱技术只有在和情感完美的结合中，才能获得理想的艺术效果。

参考文献：

[1]《音乐美学通论》修海林罗小平著，上海音乐出版社，4月。

[2]《声乐教育手册》刘朗主编，北京师范大学出版社,1995年5月。