2023年戏剧剧本写作格式与范文范本(通用8篇)

议论文是对一个观点进行辩证和论证的一种写作形式，通过写议论文可以提高自己的思辨和说服能力。最重要的是，要保持积极的心态和态度，相信自己能够写出一篇优秀的总结。如果你正在写总结，以下范文可以帮助你更好地理解总结的写作要点。

戏剧剧本写作格式与范文范本篇一

首先明确一点，剧本区别于任何一种文体形式，我经常看到有的朋友把剧本写成了小说或人物传记，这是不对的，至少是不专业的。剧本有自己专署的格式，写剧本从某种程度上说是个技术活。

写剧本也不是什么很崇高的艺术创作，这只是一个普通的工种，剧作家和清洁工人没什么区别，都是很普通的工作而已，所以每个人都可以写剧本，每个人都可以当导演。当然，既然是一个工种，就有自己的规范。这些规范也许不会让你迅速变成一个专家，但至少能使你看上去像一个专家。或者，不至于让你糟糕的格式成为审稿人枪毙你稿子的理由。因为一个审稿人每天要看三到四篇稿子，如果你的剧本格式看上去不怎么专业的话，他完全有理由翻上几页就把你的剧本扔在角落里凉快。

刚刚上面提到有的朋友把剧本写成了小说，不是不可以，但那个是文学剧本，根本不能用来指导拍摄和制作。举个例子，你可以在小说里花几页的笔墨来写一个人的身世，背景，家庭组成，或是用几页的笔墨来描写主角的心理斗争过程，但这些东西是无法表现在电影屏幕上的。你的剧本就是一个屏幕，你所要表现的是电影屏幕上能被观众直接看到感受到的东西。像心理活动这类东西是无法很好的表现出来的。加旁白？当然可以，除非你能忍受主角的画外音在一动不动的镜头里读几页小说。电影*画面表达情绪，你的剧本就是电影画面，要通过摄像机的角度来写，这可能引起第二个问题。

2：不必要的摄象机标注。

如果你这样写剧本：在5号升降台，用盘纳为升70型相机，60mm镜头，由8.5m摇至2m对焦…………如果你这样写，就算过了审稿人这一关，你的剧本也会被导演扔掉。你不需要教他怎么拍，这不是你的事。你在写剧本的时候完全不用担心相机的事。但是不是剧本就不要考虑相机了呢？也不是，你需要考虑相机的关系而不是位置。剧本里有自己的专用相机术语，多多使用这些术语，能让你的剧本很专业，至少看上去很专业。

on角度对准：比如bill走出便利店，相机对准bill。

ng主要表现：bill在一个大广场，人很多，但主要表现bill。

rangle另一个角度：换个角度的相机表现bill在大广场玩的很开心。

angle更宽的角度：先表现bill在广场的一角喝可乐，然后镜头拉远，表现bill所在的广场。

angle新角度：换个角度表现bill喝可乐，使镜头丰富。

视点：从bill的视点看东西。就是第一人称视角。

eangle反拍角度：bill和sally在一起跳舞，先拍bill看到的sally，再拍sally看到的bill，通常是两人的pov互反。

shoulderangle过肩镜头：相机越过bill的肩头看到sally，bill的肩头能把画面自然的分割，很常用的类型。

shot运动镜头：包括跟拍，摇移，追随等等，反正镜头是运动的，至于具体怎么动，还不是现在考虑的问题。

shot双人镜头：bill和sally在边喝可乐边交谈，这种镜头的相机不要随意移动，防止“越轴”。把bill和sally两人连起来有一条轴线，相机只能在轴线一侧运动，如果越过这条轴线，在画面上bill和sally的位置就会左右互换，引起观众视觉上的逻辑混淆。

shot近景：强调sally美丽的眼睛，但一般少用为妙。

插入镜头：某物的近景，比如天色已晚，sally问bill几点了，bill抬起手来，接下来可以接一个bill手表的特写，当然你还可以用此种镜头来换景，比如bill移开手表时摄象机里看到的已经是夜晚的舞会了。

场景中出现的音效要黑体标出。

第一次出现的人物名要黑体居中。

人物的对话要居中，两边留空，不同人物的对话要另起一行。

标明摄象机的关系。

标明场景的切换，“切至”就是硬切，“化至”就是加转场的效果，全部居右。

如有特效运用，也要用黑体标出。

今天，身为其中的一员，有幸和大家分享一下我所懂得的剧本理论知识，如有错漏，还望大家多多包容。

简单来说，要写好一个故事，首先要构思好你的故事走向，人物关系，情节高潮，主题思想等……美国好莱坞有一套编剧规律：即开端、设置矛盾、解决矛盾、再设置矛盾，直至结局。中国也有自己的编剧规律：起、承、转、合。

在下面的文字，本人会分类将写作剧本的基本和重要的元素详加论述，并会举出实例加以说明。

第一节。

剧本基本理论：态度、主题。

态度(attitude)。

主题(theme)。

在下笔写故事之前，你必须要问自己：你要讲一个怎样的故事？是朋友之间的友情(如电影午夜牛郎—midnightcowboy)，男女之间的爱情(铁达尼号—titanic)，外星人入侵地球的故事(天煞地球反击战)，还是一个控诉战争的故事(杀戮战场—platon)等。这就是主题。

主题必须十分明确、贯彻、毫不怀疑。你不能写一套战争片段，一时就怀疑战争，一时就歌颂战争。主题有如一支指南针，它会引导你创作故事，和贯穿故事中的枝节。而最重要的是它能避免你在写作中偏离主道。试举一例，清朝皇帝雍正在野史是一个杀弟、杀父夺位，强奸弟弟妻子的禽兽。但在雍正皇朝(早期亚视播出的电视剧)作者笔下的雍正，却是一个好皇帝。因为作者的主题是要写一个好皇帝，所以在故事中只会见到雍正彻夜不眠批奏章、视察农民、减税、推行德政等场面，并没有杀弟、杀父等场面。

创造角色冲突(createcharacterconflict)。

角色冲突是吸引观众的不二法门。这包括故事角色和角色之间的冲突，角色和他自身价值观的冲突等。

例如电影怒火风暴(fallingdown)故事中，主角刚刚经历完痛苦的劳狱生涯，当他出狱时，他一心想见回自己的妻子，重过正常人的生活(potogonist，他想追求的事)。但他的妻子逃避他，不认他，而四周的人也因他的犯罪纪录而歧视他(antogonist，阻止他达到目的的力量)。

当角色和角色之间存在冲突，而且有一个不能分开的结把他们拉在一起，好戏便来了。举一个简单的例子，男主角的妻子是个三姑六婆、八卦的女人，而男主角的母亲则是个守礼节的传统妇女。因为环境的因素，主角和他的妻子必须搬进家里和妈妈一起住。试想两个完全冲突的人：媳妇和奶奶被一个unbreakablebond拉在一起时，会是怎样。

第三节。

创造表面张力(createdramatictension)。

例如故事中的主角闯进了敌人的基地，有支枪在黑暗处伸出来瞄准着他(观众知道但主角不知道)，敌人就快要开枪了，观众也为主角担心。

主角的母亲病了，他全身家只有一百元，于是他便去睹场碰碰运气。很好运地，主角不停地赢钱，已有几千元，有足够的医药费了。但他竟然贪胜不知输，继续赌下去，结果输了一局又一局(观众已知他已走在一条错误的路上)。最后连手上的一百元也输了，竟然还去问大耳窿借钱(他用错误的方法企图达到目的)。

方法三：时间限制(deadline)。

故事中某些事件若存着时间的限制，或计时炸弹，能够给观众一股紧张的情绪，并且这股紧张情绪能维持一段长时间。

还有十二个小时，陨石便会撞击地球，地球上超过一半的生物会死亡。(电影--陨石撞地球)。

这辆巴士必须维持在时速一百二十公理，否则车上的炸弹便会爆炸。(电影--生死时速)。

方法四：转折点(turningpoint)。

使用转折点能制造意外的效果，引起观众的预期心理，加强情节张力，从而持续观众对故事的兴趣。转折点最常出现于故事的前段和后段。剧本前段的转折点一般用于开启故事和陈列出主角即将面临的各项选择。至于后段的转折点则指向主角解决危机，收拢故事。

其它技巧。

伏笔(planting)。

相信有作文的人都会知道什么叫做伏笔吧！埋下伏线可以吸引观众追看剧情。例如在电影心计中，主角汤美一早便表露了他有模仿人签名和行为的能力(伏线)，到故事发展到他杀了有钱人迪奇后，观众凭借伏线已经估到主角会假冒迪奇。

关键匙(payoff)。

所谓payoff，就是最能象征整个故事的对象。例如在电影”apartment”中，那条门匙就是payoff。又如著名电影「舒特拉的名单」中，那张犹太人的名单也是payoff。

蒙太奇(montage)。

有两个画面，梅花间竹地播出，这就是蒙太奇。例如在电影教父中，画面一边播出教会里正在举行的神圣仪式，如神父替孩子洗礼，向天主祈祷等。但另一边画面却转接地播出教会中邪恶的一面，例如教会中的领袖为求夺权，去反对他的人的住所，不停地大开杀戒。

剧本写作和小说写作是两样完全不同的事，要知道写剧本的目的是要用文字去表达一连串的画面，所以你要让看剧本的人见到文字而又能够实时联想到一幅图画，将他们带到动画的世界里。小说就不同，他除了写出画面外，更包括抒情句子，修辞手法和角色内心世界的描述。这些在剧本里是不应有的。举一个简单的例子，在小说里有这样的句子：

「今天会考放榜，同学们都很紧张地等待结果，小明别过父母后，便去学校领取成绩通知书。老师派发成绩单，小明心里想：如果这次不合格就不好了。

他十分担心，害怕考试失败后不知如何面对家人……』。

试想，如果将上面的句子写在剧本里，你叫演员看了怎样用动作去表达。

如果要用剧本去表达同样的意思，就只有写成如下：

用说话去交待剧情。

剧本里不宜有太多的对话(除非是剧情的需要)，否则整个故事会变得不连贯，缺乏动作，观众看起来就似听读剧本一样，好闷。要知道你现在要写的是电影语言，而不是文学语言。只适合于读而不适合于看的便不是好剧本。所以，一部优秀的电影剧本，对白越少，画面感就越强，冲?力就越大。

举一个简单的例子，比如你写一个人打电话，你最好不要让他坐在电话旁不动，只顾说话。如果剧情需要，可让他站起来，或拿着电话走几步，尽量避免画面的呆板和单调。

故事太多枝节。

很多人写剧本都写得太多枝节，在枝节中有很多的角色，穿插了很多的场口，使故事变得复杂化，观众可能会看得不明白，不清楚作者想表达什么主题。试想如果在一幕电影中同时有十几个重要的角色，角色之间又有很多故事，你叫观众在短短时间里那能把每一个角色记得这么清楚。

其实，写剧本有一句格言：「simpleisthebest!」愈简单的故事就愈好。大家想想你们所看过的好电影中，它们的剧情是不是都很简单。例如电影铁达尼号(titanic)只是讲一艘大船下沉，而下沉当中男女主角产生了爱情。其它电影也一样，简单到报纸短评用短短几十个字就能讲出故事大纲。

模式。

从事艺术行业的人与从事其它工作的人在一点上是相当一致的，那就是他们都希望将复杂的问题简化，找出能指导从事那一工作的规律来，从而能够更快地成为那个职业中的行家里手。比如学书法的人，会临摹颜、欧、柳、赵等不同的字体。他们甚至从描红模子开始练习。一个人最终能够建立自己的字体风格，那是以后的事情。如果连临帖的阶段也没有就想创造自己的字体，那是不可能的。又比如，唱戏也会分成梅派、马派或别的什么派，你先得“师承”一家，然后方有可能渐渐地建立自己的流派，鼓捣出点新鲜玩意儿来。前些天因为失眠，找出一本《唐五代词》来读，却发现，那时的人虽然个个想创新，写出点别人所没写过的东西，但他们却严守格律。最令我惊讶的是，所用的词汇都大体相同，有着很高的重复率。比如，词中抒发的十之八九都是离愁别恨、游子思乡之情。借以载情的经常就是西风落叶、雨打芭蕉或梧桐。而且一伤心就得上楼，隔着小窗或卷簾、画簾、绣簾什么的远眺，然后就开始了“断肠”过程……我原以为“断肠”是很高明的创造，可后来才发现，在同一本书中，隔个三五页就会有人“断肠”一回哩！细细想来，这也没什么可惊讶的，因为探求事物内部的规律是作为高级动物的人类的一种本能，而将事物成功的因素提炼成为规律，便形成了模式。

电影剧本创作是有模式的。我们知道，电影最初是向戏剧艺术学习叙事的。在电影成为艺术之前数千年，戏剧已经就有着很高明的叙事本领了，电影在脱离杂耍演化成为一门人们心目中认可的艺术种类的时候，首先就借助了戏剧已经积累了数千年的叙事经验。而这些经验其实就是模式。例如，从亚里士多德开始，戏剧就逐渐形成了结构方面的模式：亚里士多德认为，戏剧的结构必须分为头、中、尾这样的三段式。后来人们感觉在一出戏里高潮特别重要，应该强调，就出现了“启、承、转、合”的说法。是黑格尔总结出“冲突律”的结构思想的，他认为戏剧冲突是布局的依据，他进一步发展了亚里士多德关于“头、身、尾”的三段式说法：“合式的起点就应该在导致冲突的那一个情境里，这个冲突尽管还没有爆发，但是在进一步发展中却必然要暴露出来。结尾则要等到冲突纠纷都已解决才能达到。落在头尾之间的中间部分则是不同的目的和相互冲突的人物之间的斗争。”其实，从那以后，直到今天，这已经成为包括电影在内的剧作艺术所普遍遵循的结构法则。例如，在著名的剧作理论家劳逊所撰《戏剧与电影的剧作理论与技巧》一书中，即将以“冲突律”为核心的结构原则引入了电影剧作理论。在电影剧作的教学领域里有一本广泛流传的教材：悉德.菲尔德撰写的《电影剧本的写作基础》。其中在论述结构的部分依然将“冲突律”作为剧作家必须严格遵守的定律，他认为：一部影片的开端就是建置冲突；中段就是发展冲突并使冲突双方反复地较量；所谓高潮就是冲突的总爆发是冲突的至高点，因此也就是冲突的决战时刻；至于结尾，无非是冲突过后所产生的最终结果。可以说，以这样的原则创作出来的电影剧本在今天仍然是电影结构类型的主流。这种被今天的人们称作“戏剧式结构”的原则依然是我们进行电影剧作教学的基础。如果不掌握这样的结构模式，人们就无法创作出《变脸》、《天地大冲撞》、《生死时速》、《离开雷锋的日子》、《三大战役》、《红河谷》……数不胜数的电影剧本来。北京电影学院的学生经常会轻视传统的东西，然而他们最终在走向社会之后便发现，传统的东西会成为看家的本事为他们谋一碗饭吃。

电影剧作情节的模式似乎比结构的模式复杂一些，但模式化的倾向却是再明显不过的了。早在18世纪末，西方的戏剧家就将剧作的情节归结为36种情节模式，这有名的36模式一直传诵到今天，它依然是人们研究剧作情节的工具。当然，今天的很多电影剧作已经超越出36模式之外，但36模式毕竟最大面积地涵盖了电影剧作的情节。人们确实追求着对传统情节模式的突破，例如那些被标榜作“新”的一次次电影运动都是以反叛模式为前提的。但是真正突破模式却并不象人们想象的那样容易。例如作为法国“新浪潮”电影主将的戈达尔，几乎终生都在干着反情节剧的事情，但直到最后他也不得不自叹未能逃出情节剧的圈子。他的作品《精疲力尽》和《疯狂的比埃罗》依然是36情节模式中的第5种“捕逃”，显然继承了警匪式的道路片。作为“新德国电影”主将的法斯宾德在这个问题上似乎更聪明一点，他非常痛快地说自己追求的是拍摄“德国式的情节剧电影”。他的代表作《玛丽娅.布劳恩的婚姻》一开始就使用了一个被人们千百次使用过了的情节模式：“误以为丈夫已死而改嫁，其实未死之类。”这属于36情节模式的第18种。

事实上，我们如果踏实地研究，就会发现电影剧作观念的发展并不是对传统模式的彻底摧毁，而是对它不合乎时代要求和观众的新的审美习惯的那些部分的改革。就以前面我们提到过的“情节剧电影”的模式为例，它实际上也是随着时代而发生着变化的。当第二次世界大战爆发或刚刚终结时，尽管描写女人在婚姻爱情生活中历尽磨难的情节模式依然在《魂断兰桥》、《雁南飞》、《鸳梦重温》、《雨夜物语》、《一江春水向东流》、《白毛女》……一系列影片中重复着，但如果你再将阻碍两个人美好爱情的原因归结为门第观念显然就太不合时宜了。因为那时人们更加关心的是战争对人生的影响，所以在那些影片里，战争就代替了门第观念而成为制造爱情悲剧的罪魁祸首。尽管如此，我们依然可以看到门第观念的影子就象没有变化完全的猴子留下了尾巴一样。

从结构模式上来看，情节剧电影太借重于巧合。千载难逢的偶然机缘几乎成为制造人物命运大起大伏的原因和形成冲突高潮的契机。在《魂断兰桥》和《雁南飞》中，人为制造的误会决定了人物爱情的悲剧性命运；在《一江春水向东流》中，旷世难寻的巧合使被遗弃在千里之外的妻子恰巧来到了丈夫的豪宅当女佣，并恰巧在丈夫的婚礼上认出了自己那负心汉；《鸳梦重温》更是将偶然的机缘作为情节突转的动力，一个在战争中失去了记忆的富家男子与一个歌女结婚（这里依然保留着门第观念的尾巴），但当他外出寻找工作的时候却意外地（这种意外在那时的影片里却常常是编剧滥用成癖的）被汽车撞倒，奇迹发生了——他想起了自己的身世，并回到自己战前的家中当起了富翁，却把歌女忘记得一干二净！接下来便是歌女漫长的等待，等待他自己有一天能恢复记忆回到自己的身边来。终于那一天到来了，观众在大团圆的结局中被感动得泪如泉涌……您可以一目了然地看到，这时虽然把战争当作了间离情人的罪魁，但实际上影片对战争并没有多少批判，相反，故意制造出来的情节牵引着观众的心。现在，人们都会将法国“左岸派”电影人看作是对传统情节剧的反叛者。但如果你仔细解剖一下他们的剧作就会很容易看到那些故事与传统模式之间的亲近关系。例如玛格丽特.杜拉的《长别离》讲述的依然是一个与《鸳梦重温》几乎一模一样的故事：一个男人在二战中失去了记忆，一个女人努力启发他回忆过去。看来她的确是熟知那样的传统情节模式的，而且她利用了它来完成自己的创新。她摒弃了在那个男人身上制造偶然事件的情节剧方式，而是将注意力和笔墨都集中到表现女人的内心创伤上，利用平凡的动作和细节来展示她可怜的希望，甚至直到最后我们也没有等来一个大团圆的结局——那男子依然没有恢复记忆。巧合没有了，人为地煽情没有了，大团圆的结局也没有了，但是我们却看到了对战争更深刻的批判和对人物更深层次的内心的揭示。在她的另外一部名篇《广岛之恋》中，我们依然能够看到传统情节模式清晰的影子：一个法国女孩在二战中爱上了一个德国士兵，女孩被家人关入地下室，德国士兵却被打死。这显然是36情节模式中的第29模式“爱恋一个仇敌”，即“被爱者为爱人的亲族所仇恨”这一款。苏联电影《第四十一》便是这样的情节，甚至在莎士比亚的《罗蜜欧与朱丽叶》时代这样的故事已经屡见不鲜了。杜拉在这里所做的无非是将情感冷漠化并将这个故事与广岛发生的恋情穿插起来，以此制造出一种跨故事和跨时代的理性思考氛围。我们很难设想，如果玛格丽特.杜拉不了解传统的情节模式，她将如何完成自己的创新。

当然，任何量变最终都有可能会带来质变。今天的影坛上肯定会有很多36种情节模式所框定不住的电影情节。例如你如果细细地查阅一下就会发现在36情节模式中没有《为戴丝小姐开车》这类影片的情节类型。也就是说，人们在创新，而且创造出了新的情节模式。

在50年代以前的战争岁月里，无论个体还是社会都处在生死攸关的激变之中。人们关心的焦点当然就是表现为你死我活的重大事件或一个人出生入死的命运。所以，那个时候真正是“没有冲突便没有戏剧”，同样的“没有冲突便没有电影”。电影结构的“冲突律”模式首先是时代所赋予的。而那时的情节几乎都表现为两种突出的倾向：要么表现一个惊心动魄的、人命关天的外部事件，要么表现一个人物生生死死的坎坷道路。然而，当生活进入到50年代中期，战争已经成为历史，虽然进入了冷战时期，但无论东方还是西方的社会内部都出现了相对的稳定。这时，即便西方国家，社会也在逐渐地向中产阶级社会过渡，大多数人达到温饱，失业问题不再象40年代中后期那样突出。然而新的社会矛盾却出现了，最突出的矛盾常常发生在两个方面：

一、人际关系的危机。物质文明常常会带来社会的异化和人类心灵的间离，尽管在繁华热闹的都市里人们依然感到难以派遣的孤独。虽然你每天都在和人打交道，但真正的沟通却成为了普遍的社会障碍。人们近在咫尺，心灵却远隔天涯。

二、个人心灵深处的危机。物质的满足不能解决心灵的问题，人是唯一一种会探求生存意义的动物。这种探求在没有衣食之忧的时代反而变得更加突出，因为只有这样的时候人们才有可能思考这样内省的问题。正因如此，电影剧作关注的生活焦点也就必然从社会外在的危机（比如战争和失业），转移到人类的内部危机中来，将镜头对准了人与人之间的关系和他们的内心情感甚至不成形的潜意识。如果好莱坞在过去的岁月里编织过灰姑娘变成公主的梦，今天人们似乎更需要编织的是在任何不同的个体之间都最终能够突破障碍，结成亲密关系的梦。

于是，一种新的情节模式便应运而生了。首先，你得找来两个性格存在着差异的人物。这些差异有可能产生于如下原因：

1、性别；

2、种族；

3、年龄；

4、宗教；

5、文化；

6、国度；

7、民族；

8、生理；

9、地位；

10、爱好；

11、气质……总之，你可以找来任何你想象得出来的差异，但这些差异并不会给人物与人物之间带来你死我活的冲突，相反，作者所关注的是他们如何一步步地突破这些隔膜和障碍达到真正动人的沟通和交流的。这类影片的情节线实际就是两个人物之间关系渐近的历史。例如《雨人》表现的是两兄弟间的关系发展变化线，他们不仅性格气质和价值观念有很大差异，就连生理上也差异很大（弟弟是个很机灵的人，而哥哥却是个病态的智障者）；再如《为戴丝小姐开车》表现的是一个性情怪异的犹太阔老太太和她的性情温和的黑人司机之间的关系变化过程。两人之间除了性情差异外，还存在着种族、地位方面的差异；捷克影片《给我一个爸》（koliya）则选择了一老一少；日本影片《谈谈情，跳跳舞》则选择了一个呆板的中年男子和一个美丽的舞蹈教师……影片总是从这两个过去毫不相干的人由于偶然的机缘相遇开始的，他们的关系常常开始于相互的反感甚至对立，但影片不是通过激烈的外部事件来近一步强化和发展他们之间的冲突，相反，总是利用一些有趣的生活细节逐渐化解两人的隔膜，最终将他们之间的关系升华作动人的亲密感情或爱情。所以，传统的结构模式“冲突律”在这里失去了作用，因为据“冲突律”的规定，冲突的制高点应该发生在影片邻近结尾的部分。然而这种情节模式下的冲突却常常发生在影片的开场，然后冲突渐渐缓解，直到最后竟演化成亲情、爱情或友情！这并不意味着这种模式里没有情节的高潮，但那高潮不再是冲突，而是情感的高潮。

也许在最初人们会将这种情节的尝试看作大逆不道的对传统模式的挑战，例如安东尼奥尼的《奇遇》，人们期待着讲述一个富有悬念的破案故事（妻子突然失踪，丈夫和妻子的女友一道开始了寻找），然而，人们看到的全部情节却是对丈夫和妻子女友之间关系的逐渐演化过程。那时人们真的是很不习惯，十分惊讶。然而在今天，谁又会对一部影片将两个人物的关系逐渐演进作为情节主题而大惊小怪呢？我信手就能为您开列出大量的这一情节模式制造出来的作品：《相见恨晚》（大卫.里恩导演）、《两个人的车站》、《办公室的故事》（梁赞诺夫导演）、《远山的呼唤》（山田洋次导演）、《老姑娘》（法国影片）、《花边女工》（法国影片）、《火车》（施奈德主演）、《中央车站》（巴西）……其实，即便是在我国，这样的影片也已经开始出现，例如《大撒把》、《不见不散》等等，便是这类情节模式的典型。

今天的美国喜剧片几乎都是在重复地使用着这种情节模式。与欧洲电影不同，欧洲电影并不刻意夸张所选择的两个人物之间的差异距离，相反，他们追求自然。例如《两极天使》中，两个打工妹之间虽然在性格和气质上不同，但地位和境遇差异不大。然而，美国喜剧电影却有意将两个人物之间的差异拉得尽可能大，例如《绿卡》中，男方是一个外来的非法移民，他不仅教养不佳，而且外表邋遢，而女方却是个热衷于环保事业的白领美女，有着极好的职业和生活地位。剧作者硬是将他们二人拉到了一起，为了各自的目的不得不假扮作恋人。最终使他们产生了爱情。更极端的例子是《漂亮女人》，男方为财大气粗的大老板，女方竟是个街头妓女。编剧却用不到两个小时的时间里让他们产生了爱情！《四月的傻瓜》也惊世骇俗，男方是新到一家大公司里的打工族，他土头土脑，傻里傻气，为公司里所有的人都看不起；而女方却是高高在上的老板夫人！最后的结局是，老板夫人竟为了这个被人戏称作“四月的傻瓜”的男人抛家舍业，和他私奔了。从主题意义上看，这样的喜剧是好莱坞一种新的梦幻，它们都一再告诉人们无论人与人之间有多么大的障碍，只要心诚，最终会达到相爱的最高境界。这种梦对于今天巴勒斯坦和以色列人、南韩与北朝鲜人、南斯拉夫塞族与阿族人……对立的时刻，无疑会使人们的心灵得到虚妄的抚慰。从情节意义上看，这简直就是一种智力游戏，对编剧是一种挑战。如何在短短的两个小时放映时间里顺理成章地完成在现实生活中根本无法想象的人际沟通呢？现在，这样的喜剧太多了，而且在美国电影中已经到了泛滥成灾的程度。所以，当我在网上看到一个网友称赞“《漂亮女人》象一首诗”的时候，就对他说：“教你一招儿，你也能写出那种诗来。”我让他写的故事是这样的：一个女大学生租了一间公寓房来写论文，但当她搬进去的时候才发现那是个两室一厅的房子，另外一间竟然租给了一个河南来的“偷自行车的人”！我给这位朋友的任务是先让他们冲突起来，然后在结尾的时刻让他们产生动人的爱情。当然，千万别忘记最后来一个好莱坞式的拥抱，注意在处理拥抱的时候不要到游泳池里，因为那样的方式太滥了；也不要再让一方爬楼梯上去，因为那个《漂亮女人》用过了；踩着人的头顶过去拥抱？还是不行，《鳄鱼邓迪》里使过了。哈哈！也许可以让他们到热气球上或翻滚过山车上什么的！别有畏难情绪，国人在这方面也不是没有天赋，你瞧《东宫西宫》，在警察和被抓住的同性恋者之间都产生了爱情哩！

戏剧剧本写作格式与范文范本篇二

伦敦，泰唔士河畔，码头上。

冬天的伦敦，细雨中，浓雾渐渐散开，但湿气还是时时扑面而来。

停好了车，陈西滢向着徐志摩、刘叔和走来。

[示例二](1)校园(外日)俯看，浓郁的树木，古色古香的建筑。

越过大片树林，看见一片湖水。

湖光粼粼，杨柳依依。

湖畔的长椅上，相依相偎的恋人，埋头读书的学生。

对面，几幢红砖大楼，由远而近。

(2)机房(内日)齐雪竹坐在电脑前，专注地看着着电脑屏幕。

细长的手指在键盘上熟练地跳动着。

屏幕上出现一行行英文字母。

齐雪竹看着屏幕低声念着。

台下，学生们回头看着，目光集中一个学生身上。

学生满脸通红，低头把呼机关上。

教室里又响起了呼机声。

戏剧剧本写作格式与范文范本篇三

话剧剧本格式：剧本编写:编写时须突出体现剧本的特点。

(1)空间和时间要高度集中。

剧本不像小说、散文那样可以不受时间和空间的限制，它要求时间、人物、情节、场景高度集中在舞台范围内。剧本一般要求篇幅不能太长，人物不能太多，场景也不能过多地转换。另外，编写时还要考虑时代背景等，可用“前台词”、“旁白”来承上启下。

(2)反映现实生活的矛盾要尖锐突出。

因为戏剧这种文学形式是为了集中反映现实生活中的矛盾冲突而产生的，所以说，没有矛盾冲突就没有戏剧。又因为剧本受篇幅和演出时间的限制，所以对剧情中反映的现实生活必须凝缩在适合舞台演出的矛盾冲突中。

(3)剧本的语言要表现人物性。

(4)一般格式：

题目：

时间：地点：人物：事件：道具：背景：幕名：

正文：起因、发展、高潮、结局过程清楚。

戏剧剧本写作格式与范文范本篇四

文学剧本是电视剧的基础，由剧作者完成，是未来电视剧的框架，对未来电视剧的主题、人物、情节、结构以及风格等作出明确规定。

就篇幅而言，一般情况下每集电视剧的长度加上片头片尾播映时间大约五十分钟，写成剧本大约一万五千字到两万字之间，包含的场景多则七十到一百以上，少则十几个乃至几个场景。也有较长的，如最近播映的韩国电视连续剧《爱情是什么》，每集长度达九十分钟以上。有些系列短剧，每集长度不过二十多分钟，写成剧本也不过六七千字左右。

在对剧本的.要求上，剧作者与导演视角总是有所区别，剧作者往往有较强的表现欲望，希望剧本有更强的文学性和可读性，导演看重的是可拍性，注重剧本的情节和结构，讲究视觉效果，其文学色彩在拍摄中往往会被剥离开去，剧作者与导演对剧本的不同要求，也就形成了两种文学剧本样式，一种偏重文学性，另一种则偏重镜头感。

特点：

(1)剧本不但是可供拍摄的(习惯上称为“可拍性”)，而且也很注意文字语言的修辞和文采。它既为导演拍摄提供了基础，又能成为一种普通读者阅读的文字读物。

(2)往往以场景的时空变化来划分剧本的文字段落，但不在每次时空转换的时候标明时间、地点之类，而是通过对情节的描述自然而然地体现出来。

(3)不对拍摄技术作明确的规定(比如注明什么“特写”、“推”、“淡出”之类)，而是通过对艺术形象的直接描写把内容暗示出来。

1921年1月的一天，午后。

伦敦，泰唔士河畔，码头上。

冬天的伦敦，细雨中，浓雾渐渐散开，但湿气还是时时扑面而来。接船的人群中，徐志摩身着深灰色长大衣，外裹一件雨衣，戴着礼帽，衣领也都翻立起来。他右手挎着一把长柄雨伞，左手捧着一束鲜花。一旁，站着刘叔和，也是一身御寒的衣着。

一会儿，一辆黑色小车驶近，停下，陈西滢从车窗内探出头来，抬手向徐志摩打了个招呼：“志摩，我先去把车停好。”说完，小车慢慢向停车场驶去。

停好了车，陈西滢向着徐志摩、刘叔和走来。

徐志摩：“来，来，西滢兄!叔和，这位就是陈西滢先生，说好了今天介绍你们见面的。”

刘叔和走向陈西滢：“久仰，久仰!志摩早就说了，

您是大名鼎鼎的吴稚老、吴稚晖老先生的外甥!”

陈西滢：“叔和兄的大名，我陈西滢也早就如雷贯耳了。今日相识，十分荣幸。”

徐志摩：“好了好了，都那么客气做什么?以后,大家还要互相关照才是。”

刘椒和：“我们也算得上‘同是天涯沦落人’了。

不，这话不对，志摩的家眷一会儿就到，他不算沦落人了，不与我们为伍了!”

2、偏重于镜头的剧本。

特点：

(1)编剧把提供导演拍摄作为自己唯一的责任和目的，并不准备使自己的剧本成为一种文字读物。因此，多采用对动作或画面的直接白描，不追求文采，无可读性。

(2)以场景(有时甚至细致到以镜头)来划分文字的自然段落。在每段之首专用一行文字标明场(或镜)号，场面发生的地点、时间等等。

戏剧剧本写作格式与范文范本篇五

文学剧本是电视剧的基础，由剧作者完成，是未来电视剧的框架，对未来电视剧的主题、人物、情节、结构以及风格等作出明确规定。

就篇幅而言，一般情况下每集电视剧的长度加上片头片尾播映时间大约五十分钟，写成剧本大约一万五千字到两万字之间，包含的场景多则七十到一百以上，少则十几个乃至几个场景。也有较长的，如最近播映的韩国电视连续剧《爱情是什么》，每集长度达九十分钟以上。有些系列短剧，每集长度不过二十多分钟，写成剧本也不过六七千字左右。

在对剧本的要求上，剧作者与导演视角总是有所区别，剧作者往往有较强的表现欲望，希望剧本有更强的文学性和可读性，导演看重的是可拍性，注重剧本的情节和结构，讲究视觉效果，其文学色彩在拍摄中往往会被剥离开去，剧作者与导演对剧本的不同要求，也就形成了两种文学剧本样式，一种偏重文学性，另一种则偏重镜头感。

特点：

(1)剧本不但是可供拍摄的(习惯上称为“可拍性”)，而且也很注意文字语言的修辞和文采。它既为导演拍摄提供了基础，又能成为一种普通读者阅读的文字读物。

(2)往往以场景的时空变化来划分剧本的文字段落，但不在每次时空转换的时候标明时间、地点之类，而是通过对情节的描述自然而然地体现出来。

(3)不对拍摄技术作明确的规定(比如注明什么“特写”、“推”、“淡出”之类)，而是通过对艺术形象的直接描写把内容暗示出来。

[示例一]。

19xx年1月的一天，午后。

伦敦，泰唔士河畔，码头上。

冬天的伦敦，细雨中，浓雾渐渐散开，但湿气还是时时扑面而来。接船的人群中，徐志摩身着深灰色长大衣，外裹一件雨衣，戴着礼帽，衣领也都翻立起来。他右手挎着一把长柄雨伞，左手捧着一束鲜花。一旁，站着刘叔和，也是一身御寒的衣着。

一会儿，一辆黑色小车驶近，停下，陈西滢从车窗内探出头来，抬手向徐志摩打了个招呼：“志摩，我先去把车停好。”说完，小车慢慢向停车场驶去。

停好了车，陈西滢向着徐志摩、刘叔和走来。

您是大名鼎鼎的吴稚老、吴稚晖老先生的外甥!”

陈西滢：“叔和兄的大名，我陈西滢也早就如雷贯耳了。今日相识，十分荣幸。”徐志摩：“好了好了，都那么客气做什么?以后,大家还要互相关照才是。”

刘椒和：“我们也算得上?同是天涯沦落人?了。

不，这话不对，志摩的家眷一会儿就到，他不算沦落人了，不与我们为伍了!”

2、偏重于镜头的剧本。

特点：

(1)编剧把提供导演拍摄作为自己唯一的责任和目的，并不准备使自己的剧本成为一种文字读物。因此，多采用对动作或画面的直接白描，不追求文采，无可读性。

(2)以场景(有时甚至细致到以镜头)来划分文字的自然段落。在每段之首专用一行文字标明场(或镜)号，场面发生的地点、时间等等。

[示例二]。

(1)校园(外日)。

俯看，浓郁的树木，古色古香的建筑。

越过大片树林，看见一片湖水。

湖光粼粼，杨柳依依。

湖畔的长椅上，相依相偎的恋人，埋头读书的学生。

对面，几幢红砖大楼，由远而近。

(2)机房(内日)。

齐雪竹坐在电脑前，专注地看着着电脑屏幕。

细长的手指在键盘上熟练地跳动着。

屏幕上出现一行行英文字母。

齐雪竹看着屏幕低声念着。

声音越来越大，在大楼里回响。

(3)教室(内日)。

呼机的响声。萧锋住口，皱着眉头往下看着。

台下，学生们回头看着，目光集中一个学生身上。

学生满脸通红，低头把呼机关上。

萧锋淡然一笑：譬如说，假如你是个老师，此刻站在讲台上讲课的是你，那你肯定不希望听到这种声音。

教室里又响起了呼机声。

萧锋停住嘴，皱起眉头，看着底下的学生：谁的呼机?肯不能关掉?

学生相互看着，有人摸出呼机来看着。

萧锋神色严厉：把呼机都给我关掉!

有学生笑着：老师，是您的呼机!

萧锋伸手往腰间一摸，把呼机拿出来看了看，尴尬地笑了笑：哦，对不起!

学生们看着萧锋，哄笑。

(3)经常明确地从技术上规定拍摄的方法，甚至详细地对摄制组的其他创作人员(导、演、摄、录、美——)也作出许多的较为具体的指示。

[示例三]。

(1)外景。泰晤士河口，日落。风在尖声呼啸，宛如鬼啸。远景。小男孩匹普沿着河口岸边跑来，他沿着弯曲的小道跑向摄影机，摄影机用跟摇镜头拍摄。小道旁边竖着一个把犯人尸体示众的绞架，匹普经过绞架时抬头看了一眼。渐化。

(2)外景。教堂墓地，匹普的中景。他拿着一束冬青枝，爬过倒塌的石墙。当他从墓地和老坟旁边走过时，摄影机跟着他摇向右方。他走向其中一块墓碑，在它面前跪下，摄影机继续摇拍——现在是他的中景。

(3)中景。匹普跪在坟前，风还在呼啸。匹普拔掉一棵凋谢的蔷薇丢在一旁，又重新拍好土，然后把那束冬青枝放在坟顶工靠近有字的墓碑旁。树枝的折裂声。

亦称导演剧本或导演台本，是导演案头工作的集中表现，是将电视剧的文学内容分切成一系列可以摄制的镜头的一种剧本。

导演对文学剧本进行分析、研究以后，将未来电视剧中准备塑造的声画结合的形象，通过分镜头的方式诉诸文字，就成为分镜头剧本。内容包括镜头号、景别、摄法、画面内容、台词、音乐、音响效果、镜头长度等项目。分镜头剧本是导演对电视剧全面设计和构思的篮图，是摄制组统一创作思想，开展工作的主要依据，它有利于保证摄制工作的。

计划。

性。

我们把[示例二]改写成分镜头剧本，从中体验一下两种剧本的不同差异，也可看出编剧与导演不同的视角。

(三)完成台本。

完成台本被称为镜头纪录本。是在整部影片拍完后，由场记完成的工作。任务是把拍成并定了稿的影片中一切技术、艺术内容，原原本本地纪录下来，并详细写明每个镜头的英尺数。它的格式与分镜头剧本基本相同，但对场景只作简略提示。

戏剧剧本写作格式与范文范本篇六

了解戏剧艺术的基本特点，建立对戏剧本质的正确认识对于戏剧创作是非常重要的。

从广义上讲，无论是话剧还是戏曲，还有歌剧、芭蕾舞剧、音乐剧以及新兴的电视剧，只要有“剧”字都可以包容到“戏剧”这个概念中来。但是，这样一个看似简单的概念，它的内涵究竟是什么？概括起来，主要从以下几个方面理解：

1、戏剧艺术的综合性。

所谓“综合艺术”是指将两种或两种以上的艺术成分融合起来形成的一种新的带有自身独立性的艺术。在这种融合中，原来的艺术特点在一个新的系统中重新排列组合，变成了新的，独立的艺术形式中的因素。原有的艺术特点被消解，而这种消解却使一种新的艺术形式成长。

不同的艺术形象都有特殊的存在形态，欣赏着对它们的感受途径与方式也都各自不同。人们在区分不同艺术的时候，便自然地从存在形态，感受途径，创作手段及欣赏心理等方面去划分各种艺术形式的界限。

各种不同的艺术都有自己的创作手段，戏剧艺术的创作手段是其他所有艺术样式的综合。文学为戏剧带来语言与文字；音乐为戏剧带来音响与节奏；绘画为戏剧带来色彩与线条……最重要的是诗歌为戏剧带来了想象力与激情，简单地说，这就是戏剧被称为综合艺术的内在道理，也是戏剧艺术创作最难以掌握的本质原因。

所以，戏剧是一种综合艺术，这种综合性既来自一部戏剧作品的问世要有编剧、导演、演员、舞美、灯光、音响，以及服装、化妆、道具等等不同部门的努力，更深入地讲又在于戏剧艺术形式本身具有空间综合，视听综合及现场交流的特性，这种特性是戏剧艺术的精髓，也是戏剧艺术本质的生命力之所在。

2、戏剧的核心与基点。

从戏剧艺术的总体价值来看，各种艺术创作的因素都是为表演服务的，都只是为演出艺术即演员的表演行为提供条件。

比如话剧（可以是文字完成的，也可以是提纲或一种意念）是为演员的表演提供基础：诗意（情感的丰富性）、思想（思维与观念的深刻性），想象力（情节与场面的复杂性，时空间变化的诗意美）等方面的基础；而布景，灯光，道具则是为了演员的表演创造具体的时空环境：是远古还是现代，是没心还是外在；服装、化妆则是为演员扮演角色提供让每一个观众能够认同的外部条件；还有音乐、音响或作为场上自然声响的效果，或作为人物情感状态的情绪描写，所以认定这些创作是表演艺术的辅助并不过分。

3、关于“演”及演员a.怎么演。

我们一般认为戏剧当然是演员来表演，但演员也只是一个概念，它并不意味着一定由真人来承担演出。

可以大致进行这样一种划分：主要的戏剧艺术形式是由“人”利用身体或身体的某一部分当做表演的工具，还有一些戏剧则是由“非人”承担演员的角色。如：动物、木偶、动画等等。

b.表演的支点——体验与摹仿。

戏剧艺术的两个重要因素体验与摹仿。表演艺术或者说演员应该具备这两种最基本的能力，即摹仿能力和体验能力。不具备这两种能力的演员，是不合格的演员，由于对这两点的强调，在表演艺术史上我们经常能够听到这两种说法：体验派和表现派。

体验派的艺术家认为，演员在舞台上应当与角色“合一”，表现派的戏剧理论家则认为：艺术不是合一而是“表现”。简单的讲，体验派要求舞台呈现的是：真实+美；表现派要求舞台呈现的是：美+假定的真实。实际上对于演员来说，体验和表现都是重要的，在表演过程中是不能绝对分开的。因为演员表演，并不是在舞台上过日子，他的目地明显地是要创作角色，要在情感上打动观众。然而这种创造又要符合舞台逻辑与生活本身不一样，这其间既要体验，也要表现。

戏剧艺术是多种艺术成分组合的结果，并且这种组合是在表演艺术限定下的组合，不能超越表演艺术去进行戏剧创新，在这个基础上我们可以分门别类地来看看戏剧艺术中其他艺术创作因素。

a.剧本。

按照文学艺术原理的划分，剧本可称为戏剧文学。是继叙事文学（史诗）想、抒情文学（抒情诗）之后的第三种文学体裁。

戏剧剧本写作格式与范文范本篇七

剧本创作是指根据事先你定好的大纲进行舞台或影视剧本文本的创作，包涵了影视行业所有的剧本，如：电影剧本，电视剧本，动画剧本，小品剧本，相声剧本，快板剧本，三句半剧本，音乐剧本，舞台剧剧本，情景剧剧本，哑剧剧本，二人转剧本，动漫剧本，电视栏目短剧剧本，话剧剧本等。

一、多观察和思考生活;。

二、多做构思，勤写勤练;。

三、多增加艺术修养(包括音乐、绘画、戏剧……众多方面的);。

四、多对影片进行剧作分析。前边三项也许人们谈得很多，最后这一项初学的朋友却常常认识不足。我们今天就来谈谈这一方面的问题。

面对中国的影视行业，中国编剧甚多，但好的编剧却是大海捞针，如果您还在为找不到好的编剧发愁，如果您还在为没有好的创意和策划而感到苦脑时，中国国际剧本网将是您的'理想选择，因为这里有专业的创作团队，这里有顶尖的编剧创作高手，这里的成员有的是国家一级编剧，每个成员至少都是发表过一部以上的电影或电视剧本，他们以优质的服务，庞大的创作队伍，数以万计的数量赢得了广大影视公司，电视台，演艺团体及个人的信赖与好评。因此打响了在行业内几乎几人不知的卓越品牌。他们从创意，策划，到出大纲，到完整的剧本一站式服务，是我们值得信懒的合作伙伴。

【撰写注意事项】。

一、写成小说。

剧本写作和小说写作是两样完全不同的事，要知道写剧本的目的是要用文字去表达一连串的画面，所以你要让看剧本的人见到文字而又能够实时联想到一幅图画，将他们带到动画的世界里。小说就不同，他除了写出画面外，更包括抒情句子，修辞手法和角色内心世界的描述。这些在剧本里是不应有的。举一个简单的例子，在小说里有这样的句子：

二、对白增多。

剧本里不宜有太多的对话(除非是剧情的需要)，否则整个故事会变得不连贯，缺乏动作，观众看起来就似听读剧本一样。要知道你现在要写的是电影语言，而不是文学语言。所以，一部优秀的电影剧本，对白越少，画面感就越强，冲击力就越大。

举一个简单的例子，比如你写一个人打电话，你最好不要让他坐在电话旁不动，只顾说话。如果剧情需要，可让他站起来，或拿着电话走几步，尽量避免画面的呆板和单调。

三、故事太多枝节。

很多人写剧本都写得太多枝节，在枝节中有很多的角色，穿插了很多的场，使故事变得复杂化，观众可能会看得不明白，不清楚作者想表达什么主题。试想如果在一幕电影中同时有十几个重要的角色，角色之间又有很多故事，你叫观众在短短时间里那能把每一个角色记得这么清楚。

剧本的写作和小说的确有天壤之别，小说写的好的人，不一定剧本也写的好。新锐艺术培训学校觉得剧本更注意对话和节奏的把握，更注意吸引更多人来看。要求在一定的时间内，讲述吸引人的好故事，写作方法和小说也是不同的。

戏剧剧本写作格式与范文范本篇八

顾名思义，游戏剧本就是用作于游戏开发时所作的剧情文本，与影视剧本不同，游戏剧本对剧情连贯逻辑要求并不高，并有着主线和支线之分。

3.游戏故事的起承转合/序破急。

起：开端（序）。

承：发展（破）。

转：转折（急）。

合：结束。

（这短短四个字其实有很多理论是可以拓展出来的，比如“三幕式结构”等等，出于篇幅限制暂不细讲，有兴趣的朋友可以私信我，我根据情况会另出一篇文章讲）。

电影剧本是给剧组里的人看的，小说是给读者看的，那么游戏剧本是给谁看的？

游戏剧本不可能直接给玩家去看，玩家看到的是剧情文字和视听上结合产物。所以，。

小说的写作格式。

话剧写作格式。

得到的统一回答是，没有所谓的规范标准的游戏剧本格式，因此只要能够让一起做游戏的朋友明白游戏的故事即可。

这是国内部分游戏的剧本格式（仅供大家参考学习）。

结语：